MADferia, de Artes Escénicas de Madrid.

La cita con MADferia es entre los días 19 y 22 de enero. El lanzamiento de la campaña ¡Nos vemos las caras! pretende facilitar la identificación y el contacto entre los profesionales asistentes a esta quinta edición, en la que se han valorado casi 200 propuestas, nacionales e internacionales, permitiendo realizar una programación variada en contenidos y formatos. La feria ha intensificado su papel como mediadora en el mercado de la distribución, ampliando las acciones para facilitar los contactos entre profesionales y las herramientas de difusión al servicio de las compañías, asegurando la presencia en el evento tanto de aquellas que se exhibirán en la feria como de las que no lo harán en esta edición.
MADferia, organizada por ArteMAD y dirigida por Mariano de Paco Serrano, mantendrá las iniciativas que conformaban el diseño y el espíritu de las últimas cuatro ediciones. Potenciar la cercanía del director artístico a los procesos creativos y el contacto directo con las compañías, promover, alimentar y favorecer los foros y lugares de encuentro y las recíprocas relaciones entre los profesionales de las artes escénicas, junto con la apertura al público, serán las líneas de trabajo y sus principales señas de identidad, poniendo en práctica nuevas e innovadoras iniciativas.
Las Naves del Matadero, el Teatro Lara, el Teatro Valle Inclán y la Sala Cuarta Pared albergarán durante cuatro días la programación, que incluye la de teatro atractivo para jóvenes: El caballero, de Escena Te; ¡Quijote!, interpretado por Luis Hostalot; El viajero perdido, de Telón Corto y Mundo y final, de Ron Lalá. Y el resto del programa: Los dos Los, Volare; Apata Teatro, No puede ser el guardar una mujer; Teatro del Duende, Dile a mi hija que me fui de viaje; Go Theaterproduktionen, El hermoso viaje de los osos panda contado por un saxofonista que tenía una amante en Frankfurt; Tigre Tigre, El hombre que quiso ser rey; Teatro del Zurdo, La ruleta rusa (en la foto); Joâo Garcia Miguel, As criadas; Metatarso, Madrid laberinto XXI; Arrieritos Danza, Europa (el rapto).

Escena Contemporanea, de Madrid.

La nueva edición del Festival Escena Contemporánea, que se celebraá entre el 26 de enero y el 22 de febrero en Madrid, cuenta este año con 103 actuaciones de 30 compañías de teatro, danza, acción y arte sonoro de todo el mundo. Promovido por la Asociación Cultural Escena Contemporánea, integrada por las principales salas de teatro madrileñas, cuenta con la colaboración de la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid y el apoyo del Ministerio de Cultura.
Escena centra su programación en el teatro no convencional, las nuevas dramaturgias y las propuestas multidisciplinares tratando de ser un amplio reflejo de la creación contemporánea, y sirviendo de plataforma para la proyección del trabajo de las compañías españolas, con especial atención a las madrileñas. El Festival apuesta por la calidad de autores jóvenes como Paz Rojo o Lengua Blanca (en la foto), artistas consolidados como La Ribot o Rachid Ouramdane o creadores venidos de otras disciplinas como Walid Raad o Paco Cao.
Este año se incorpora a la dirección Paz Santa Cecilia, asesora del departamento de actividades públicas del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y directora de la M.I.T., un proyecto de investigación sobre las artes escénicas contemporáneas en España.
El lema de esta edición, ¡entra en escena!, es una llamada a los ciudadanos a intervenir, a dejarse llevar. Todas las propuestas parten de la alteridad, la posibilidad de cambiar la propia perspectiva por la del otro, considerando y teniendo en cuenta otros puntos de vista, intereses o ideologías. Cada espectáculo tiene su voz única y será un desafío para el espectador, invitándolo a tomar parte en una experiencia que puede ser individual o colectiva. Una propuesta que implica que el público se sumerja en una programación que es un mapa complejo donde se mezclan nacionalidad, raza, religión o género, independientemente del lenguaje que utilicen.

XIII Festival de Jerez, entre febrero y marzo.

El protagonismo de la mujer y el homenaje a los grandes maestros definen el XIII Festival de Jerez, certamen dedicado al baile flamenco y español que se celebra entre el 27 de febrero y el 14 de marzo.
La muestra, fiel a sus orígenes, abarca todas las tendencias artísticas en sus diferentes escenarios. Teatro Villamarta, Sala Compañía, Palacio Villavicencio y Bodega Los Apóstoles, acogen los ciclos relacionados con el cante y la guitarra.
El área formativa del Festival incluye 38 cursos de baile, 4 talleres de palmas y compás, y actividades complementarias, como charlas y debates en torno al flamenco concebido como un arte global.
La mayoritaria presencia de mujeres en esta edición es una realidad. Mujeres con méritos artísticos de relieve, como Eva Yerbabuena (en la foto), que abre el certamen con el estreno de Lluvia, Aída Gómez, María Pagés, Rocío Molina, Isabel Bayón, Carmen Cortés, Fuensanta La Moneta y la jerezana Mercedes Ruiz que estrena Último secreto.
La mirada al pasado, hacia los grandes maestros del baile, es otra de las señas de identidad de esta nueva edición del Festival de Jerez. Aparece sobre el escenario –en la persona de Matilde Coral- en el Tórtola Valencia de Isabel Bayón, pero se recrea en la memoria que cada uno posee de los que algún día nos dejaron para siempre. Antonio Márquez engrandece la figura de Antonio El Bailarín y Belén Maya rinde homenaje a su padre Mario, asumiendo la coordinación de un espectáculo donde colaborarán otros artistas.
Entre los participantes de esta edición se encuentran grandes bailaores en activo y nuevos valores que vienen con fuerza, y conforman el cartel. El Festival, organizado por la Fundación Teatro Villamarta, es el principal acontecimiento anual que, a escala mundial, tiene como protagonista exclusivo el baile flamenco y la danza española, siendo la calidad de su oferta reconocida por crítica y público.

XII Festival de Teatro y Danza de Adeje.

Se anuncia ya el XII Festival de Teatro y Danza de Adeje, que se desarrolla a lo largo de todo el mes de febrero en el Teatro principal de la ciudad. Para esta nueva entrega del Festival más importante del suroeste de Tenerife, y durante todos los fines de semana del mes, el público habitual del encuentro podrá disfrutar de una variada programación escénica. Entre las compañías que se barajan para formar parte del cartel, se encuentran Pez en Raya, Morfema T, Burka Teatro, Teatrofia, Delirium Teatro y algunas compañías de Danza aún por concretar, pero que aseguran su permanencia, como viene siendo habitual, en el entorno del Festival de Adeje. uno de los objetivos del Área de Cultura, organizadores de un encuentro que nació con la misión de fomentar el teatro y la danza en el municipio de Adeje, y en el resto de la comarca suroeste.
Este festival, desde sus inicios, ha apoyado y confiado plenamente en las muestras teatrales y de danza de la región, convinando estilos clásicos y de vanguardia.
Con esta iniciativa, el Ayuntamiento de Adeje, da una oportunidad a una muestra importante de teatro y danza, que se ha caracterizado, a lo largo de su existencia, por ofrecer una muestra cultural de calidad sin precedentes, posicionando al municipio como uno de los pilares de la cultura escénica del sur de Tenerife.
El Festival ha servido de escenario a importantes compañías y ha permitido que muchos profesionales puedan mostrar su talento en un espacio cultural adaptado a todos los públicos.
A lo largo de los años, este festival ha sido testigo de importantes representaciones a cargo de compañías de primer orden, como Delirium Teatro, Danza Steps, Teatrofia, Burka Teatro, Helenaturboteatro, Zaranda Trouppe, Antonia San Juan, Pez en raya, Paramaunt Comedy e Yllana, entre otras muchas. El ayuntamiento de Adeje seguirá apostando por la realización de este Festival, aglutinador de las mejores corrientes escénicas del momento

XX Festival de Invierno, de Torrelavega.

Con un reclamo casi circense en el que se anuncian asombrosas criaturas y emoción sin límites, se presenta esta nueva edición del Festival de Invierno de Torrelavega, que arranca el día 10 de enero, y mantendrá una programación constante y variada hasta el 15 de marzo. La selección de espectáculos, en esta ocasión, incluye consagradas producciones teatrales que van desde el romanticismo en escena a los trabajos infantiles, con una separata dedicada a los más jóvenes.
Podrán verse a lo largo del Festival, que se extenderá a lo largo de todo el trimestre: Arte, en versión de Fernando Masllorens y Federico González; Muerte accidental de un anarquista, por Suripanta Tearo; La Cena, de Els Joglars; La noche de la Iguana, de Tomás Gayo; Son dos, de Faemino y Cansado; El jefe de todo esto, de Ados Teatro; OVNI, un infantil de Farrés brothers y Cía; Restaurant Tú Three, de Extrés Teatro; Los que ríen los últimos, de La Zaranda; Ados@dos, de Uroc Teatro; La vida de un piojo llamado Matías, de El espejo negro; Mundo y final, de Ron Lalá; El lazarillo de Tormes, de El brujo; Los tres cerditos, un espectáculo de títeres de Arbolé; Sólala, de Pez en raya; Seis clases de baile en seis semanas, de Pentación (en la foto); Brokers, de Yllana; e Invisible, otro infantil, por PTV Clowns, que cerrará el festival el 15 de marzo.
El orgullo que siente tanto la organización del Festival, que corre a cargo de Torrelavega, como el de los habitantes de la población Cántabra, puede leerse en las lineas de presentación que aparecen en el programa, considerando a este encuento como uno de los acontecimientos más importantes de la ciudad, por la calidad artística y por el cariño con el que es acogido entre la población, para los habitantes de la cual, la organización costea parte de los gastos de los canguros.

Festival VEO 2009, del 11 al 22 de febrero.

Cuando llega febrero las Artes Escénicas en Valencia se revolucionan. Por séptimo año consecutivo, teatro, música, danza e instalación convergen de nuevo, entre el 11 y el 22 de febrero de 2009, en el Festival València Escena Oberta, un encuentro de experiencias escénicas y hallazgos delirantes, organizado por la Concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Valencia, con una programación que se articula en torno a la creación contemporánea. Hay para todos los gustos: juegos circenses, comidas teatrales, movimientos sigilosos, golpes bruscos, huertos urbanos, textos espasmódicos y hasta un zoo sentimental. La experimentación escénica es el punto de partida. Dieciocho espectáculos, cinco estrenos nacionales y tres absolutos, exploran tanto las posibilidades de comunicación del medio como las distintas adaptaciones creativas. Y todo con la naturaleza como telón de fondo.
Entre los participantes en esta séptima edición destacan, entre otros, Circolando, con el espectáculo de danza, circo y títeres Cavaterra; el Romanès Cirque Tzigane, reflejo de los gitanos nómadas húngaros; Roos van Geffen, con Immens (en la foto), un espectáculo intimista que enfrenta a cada espectador con una sola intérprete; el Teatro delle Ariette, que representa BESTIE. E’finito il tempo delle lacrime, una feria italiana típica; Patrícia Portela, con O banquete; In this section, con un solo de danza contemporánea titulado Frequency I; Sr. Serrano, con Contra Natura. Artefacte; Taiat Dansa, que propone el reencuentro del hombre con la naturaleza en La otra parte; y El Pont flotant que, con Exercicis d’amor, expone la necesidad de querer y de ser querido. Otros espectáculos que se podrán ver en el VEO son los de Idoia Zabaleta y Filipa Francisco; The Whalley Range All Stars y Babok Cie., entre otros.

XXVI Festival de Teatro de Málaga.

Entre el 8 de enero y el 1 de febrero se celebra el XXVI Festival de Teatro de Málaga, que este año acoge a doce compañías de sala y ocho de calle, con un total de 65 funciones, aparte de un buen número de actividades didácticas y divulgativas.
En esta edición, que ofrece teatro de vanguardia, infantil, ópera visual y circo, además de espectáculos teatrales convencionales, tanto de compañías españolas como foráneas, destacan, entre otros espectáculos, Boris Godunov de La Fura dels Baus, Hamlet, de la Compañía Centro de Nuevos Creadores (en la foto), Urtain de Animalario, Operación: Orfeo, de Hotel Pro Forma, Rain, del Cirque Éloize, Cómica vida, de Dagoll Dagom y el infantil El show de Caillou.
Entre las actividades paralelas se incluye un homenaje a Óscar Romero y diversas charlas y encuentros, entre los que hayamos el ciclo Alrededor de la escena, que cuenta con artistas, como toreros, fotógrafos o arquitectos, que hablan de la dimensión escénica de su profesión, y un programa de Encuentros entre actores y directores con estudiantes de Arte Dramático y de la Universidad de Málaga. Destacan también como novedades la edición de un periódico especial del certamen, que será voceado diariamente por la compañía malagueña Síndrome Dario en su performance La boda, y la divulgación de la programación vía Bluetooth mediante un acuerdo de colaboración con la compañía Malamente.
La presencia en la ciudad estará protagonizada por los malagueños Síndrome Dario y la mímica, humor, fanfarrias, danza e interacción con el público de la propuesta Invitados en Casa, un paquete de siete espectáculos de calle en el que participarán artistas como la belga Zita!, los holandeses T Brabants Fietsharmonisch Orkest; los belgas de la Compagnie D’Outre-Rue y el israelí Adrian Schvarzstein, entre otros.
El Festival de Teatro de Málaga está organizado por el Teatro Cervantes y el Ayuntamiento de Málaga y cuenta con la colaboración de la Diputación de Málaga, la Universidad de Málaga y la Escuela de Arte Dramático.

La Alternativa, 21º Festival Alternativo de Madrid.

Entre el 14 de enero y el 15 de febrero de 2009 se celebra la vigesimoprimera edición del Festival Alternativo de Teatro, Música y Danza de Madrid La Alternativa. Compañías como Pensatiempos, Martelache, Tenemos Gato, Ákate, Teatro Xtremo, Tras el Trapo Teatro, Studio Akasha, La Pezera P.T. y La Menina Enana, entre otras muchas, presentan sus espectáculos en varias salas de Madrid, entre las que se encuentran la Sala Triángulo, la Sala Tarambana o el Círculo de Bellas Artes.
El Festival Alternativo surge en 1989 y veinte años después se ha consolidado como un programa imprescindible en la cartelera madrileña. Entre sus objetivos se encuentran ofrecer al público una muestra de los últimos trabajos escénicos contemporáneos de mediano y pequeño formato, nacionales e internacionales, y ofrecer la oportunidad a creadores y artistas de encontrar un marco sólido donde estrenar sus trabajos en Madrid, manteniendo una comunicación directa entre público, creadores y salas.
La Alternativa se desarrolla entre enero y febrero y es la Sala Triángulo la encargada de la coordinación entre todos los espacios escénicos participantes. Cada espacio hace su propuesta de programación y durante el Festival se van sucediendo estrenos de compañías que permanecen entre dos y cinco días en cartel. A veces también se recuperan espectáculos de la temporada anterior que hayan sido sobresalientes por su repercusión o interés artístico.
Aunque en los últimos años este festival ha recibido una pequeña ayuda del Ministerio de Cultura, se organiza de manera independiente y a estas alturas sólo se cuenta con presupuesto privado. Cada año participan salas diferentes y las novedades de este año son la Asociación Cultural Aicha y La Escalera de Jacob.

XIX Festival Internacional de Narración Oral Cuenta con Agüimes.

Regresa el Festival Internacional de Narración Oral Cuenta con Agüimes, uno de los principales festivales de narración oral del territorio español, en su decimonovena edición. Esta convocatoria, que se desarrolla durante los dos últimos fines de semana de enero, acoge a varios contadores de calidad reconocida.
El Festival se abre el viernes 23 de enero en el Teatro Municipal de Agüimes con una función colectiva. El día 24, Pep Bruno y Michèle Nguyen estarán en el mismo teatro, y Maísa Marbán (en la foto) y Antonio López el domingo 25 de enero. La primera en la Casa de la Cultura de Arinaga, con un espectáculo familiar, y Antonio López en el Teatro Municipal. Maísa Marbán repetirá el día 30, y el sábado 31 será el turno de otros tres narradores: la cubana Mayra Navarro, en la Casa de la Cultura de Arinaga, el alemán Christian Atanasiu y Félix Albo, en el Teatro Municipal. Mayra Navarro cierra el Festival el día 1.
Pep Bruno en la actualidad es miembro del Seminario de Literatura Infantil y Juvenil de Guadalajara y participa en la organización del Maratón de Cuentos de Guadalajara desde 1994; Michèle Nguyen se formó en la Escuela Internacional de Teatro de Bruselas Lassad; Maísa Marbán ha contado cuentos en Colombia, Gran Canaria, Guadalajara, Madrid, León, Cádiz y México, entre otros lugares; Antonio López ha participado en varios festivales de narración oral en Tenerife, Gran Canaria, Guadalajara, Colombia y Madrid; Mayra Navarro ha impartido numerosos talleres y conferencias en varios lugares del mundo y participado en numerosos festivales internacionales; el alemán Christian Atanasiu ha paseado sus espectáculos de humor gestual por escenarios de toda Europa; Félix Albo utiliza su voz y la expresión de su cuerpo para seducir a personas de un montón de pueblos y rincones de nuestra geografía, y lo consigue, dejando en sus rostros una calma sonrisa.

Continúa la gira Trapecista de Marwan.

Más ocasiones para disfrutar de un cantautor tan especial como Marwan antes de que emprenda su gira por Argentina y Chile. Estará en la Galileo Galilei el 3 de enero, el 8 en la Tetería Pachamama, en Ciudad Real, el 19 en el Fan Club, de Sevilla, el 14 en Ítaca, Murcia, el 17 en A Coruña, el 27 en el Libertad 8, donde repite el 16 de febrero. El 27 de febrero estará en Barcelona, en la Sala Monasterio.
Marwan es energía, buen humor, compromiso, valentía, canción de autor, reggae, melancolía y, sobre todo y ante todo, sinceridad. Marwan no tiene nombre de cantautor, ni tiene pinta de serlo, pero, lo quiera o no, es uno de los referentes de la canción de autor de nuestro país desde hace más de un lustro.
Marwan es un tipo sin pelos en la lengua, cosa que se le agradece. En la canción más romántica del mundo puede soltar un quiero follarte hasta el alma y conseguir que suene a pura poesía, o en una de las canciones más emocionantes que se han escrito en castellano en mucho tiempo Canción a mi padre es capaz de hacer algo que a los hijos les cuesta infinitamente decirle a su progenitor: Cómo agradecer padre que en mis naufragios tu palabra siempre supo a tabla en el mar. En 2008 ha estado presentando en su gira por España su nuevo disco Trapecista, producido por Ismael Guijarro y Pablo Cebrián, con la colaboración especial de Ismael Serrano en uno de sus cortes. En 2004 editó Los Hijos de las Piedras, disco de producción propia en el que deja ver una larga lista de influencias musicales. Su otra maqueta es Principio y Fin.

Andrés Molina graba en directo su Desnudo.

Los días 16 y 17 de enero, Andrés Molina, uno de los cantautores, intérpretes y compositores de referencia de su generación, tanto en Canarias como en el resto del Estado, dará vida a su nuevo proyecto, y lo hará en directo, con el arrope de su público y de sus amigos, que son, refiriéndonos a Andrés, exactamente la misma cosa, tal es su carisma. Pero por si fueran pocos los amigos que irán a compartir con él la puesta en marcha de este nuevo y trabajado proyecto, hay que contar los que irán para compartir escenario con él y participar de la comunión musical que puede darse sobre el escenario. Para la grabación en directo de este nuevo e interesante proyecto, Andrés se rodeará de amigos en el Teatro Leal de La Laguna, un espacio recientemente rehabilitado de forma magistral y que posee una acústica espectacular.
Entre los grandes que participarán en la grabación del disco estarán Luis Eduardo Aute, Ismael Serrano, Mestisay, Rogelio Botanz, Caco Senante, Luisa Machado, Eva de Goñi y, aún no hemos podido confirmar si sobre el escenario o a través de grabaciones en estudio, Javier Álvarez y Sole Giménez, y quedan otros muchos cuyos nombres no podemos hacer público porque falta la confirmación de última hora, pero que darían una justa medida de la capacidad de convocatoria de Andrés Molina, a quien define su buen talante, su calidad como músico y como profesional del medio.
Molina fue miembro del Taller Canario desde su fundación hasta su disolución, es compositor, entre otras, de la canción Yo también nací en el 63 que proporcionó al grupo la posibilidad de colarse, sin apoyo mediático alguno, en las listas de 40 Principales y 40 TV a nivel estatal, marcando un hito en la historia de la música popular en Canarias. Ha sido invitado a componer y cantar un tema junto a Los Sabandeños en su más reciente disco, y varios artistas canarios editan en estos momentos discos con canciones suyas, en algunos de los cuales el compositor también colabora cantando.
Desnudo, que así se llama el trabajo que verá la luz en abril de este año, es un trabajo madurado al calor de la experiencia de años en escenarios y grabaciones, de composiciones en madrugadas que no dejaban conciliar el sueño o desplegadas en el calor del mediodía raso. Canciones desnudas de simplezas, desnudas de conformismo, desnudas de la matemática calculadora en busca del éxito, pero repletas de una autenticidad tan transparente que la cosmología musical y emotiva que desprenden ha cautivado a generaciones con Castillos de Arena, en momentos de no saber A qué cantar, luego de haber gritado Yo también nací en el 63 buscando el lugar común de una generación marcada por un pasado que sucumbía y proyectos de futuro ilusionantes que recorrían el planeta.

Perro Flaco en Costello, Madrid.

Perro Flaco está el día 10 de enero en Costello, en Gran Vía, Madrid, presentando sus últimos temas en un concierto que dará comienzo a las 21.30.
El proyecto de David Negrín comenzó en 2005 tras haber teloneado a Quique González en Tenerife, en 2003, y a Iván Ferreiro, en 2005, en Segovia, y tras trabajar junto al productor instrumentista Pablo Salinas, el que fuera productor de gente como Miguel Ríos, Luz Casal o Raimundo Amador, con el que grabó su primer mini LP. Habitualmente actúa en compañía de César Valencia a la guitarra, Alexi Reyes en el bajo e Iván Santana a la batería. Cuenta con una segunda grabación demo realizada en los estudios Ritmo y Compás, de Madrid, que data de finales de 2006. Ha compartido concierto con Los Limones en la Sala Clamores en 2007 y actualmente da a conocer, a través de myspace, En estado de Shock!, un nuevo EP grabado en febrero de 2008 en el estudio Blackout Musice de Valencia de la mano de Paco Morillas y Manolo Tarancón, en el que se incluyen las canciones que le otorgaron el 2º Premio en Música en el Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid 2008.

El Bar de Mou cierran una gira y abren otra.

Tras cerrar el año con una media cercana a las diez actuaciones mensuales, El Bar de Mou inicia 2009 con actuaciones en Playa del Inglés, los días 1 y 2 de enero, y en el Parque de la Música, de Las Palmas de Gran Canaria, el 10, mientras el 17 están en La Guarida, en Las Canteras.
El Bar de Mou nace por la necesidad de ejecutar en directo las obras creadas por Benito Domínguez. A lo largo de la trayectoria del grupo los componentes, enriqueciendo y fusionando la creación del compositor, han ido cambiando, sin que ello haya afectado al sonido del conjunto. Se podría decir que esta última etapa es más Pop que las anteriores, pero esto no ha hecho que se abandonen las guitarras distorsionadas, que le dan carácter al grupo, junto con unas buenas letras, reforzadas con melodías que rozan lo melancólico. El Bar de Mou tiene dos trabajos discográficos en el mercado: Cuervos, monos y serpientes y Pequeños golpes en tu estado, además de multitud de maquetas, EP y videoclips. Temas suyos han sido incluidos en los recopilatorios de grupos canarios Rockola Mix 1 y 2.

Atcheré presenta nuevo disco: Materia Prima

Diciembre trajo consigo el nuevo CD de Atcheré, Materia Prima. Después de Amanece y Menjunje, la ecléctica banda tinerfeña, nos regala un nuevo trabajo lleno de sorpresas.
Junto a los componentes de la banda: Manuel Ángel Lorenzo Mangui, Fernando Barrios, Jordi Arocha, Samuel Labrador, Ruimán Martín, Jonathan Hernández, Ernesto Hernández y Luis Ramírez, en este disco han participado numerosos músicos de primera línea como Fernando Ortí, Andrés Molina, Julio González, Eliseo LLoreda, Polo Ortí, Kike Perdomo, José Martín, Fede Beuster, Juanjo Ortí, Cristo Delgado, Juan Carlos León, Javi Parada, Alberto Méndez, Natalia Mylonás, Luisa Machado, José Luis Melián, Antonio Hernández y René González, en lo que, sobre todo, es una celebración de la amistad.
Diez temas, y un bonus track, comprenden este trabajo de exquisita y fresca sonoridad. Todos los temas, a excepción de Chacheando baladas, son originales, y en su mayoría creados por Mangui, líder de la banda.
Sin alejarse de su peculiar sonido latino y jazzístico, destaca en este álbum un mayor protagonismo de la voz, y guiños a otros estilos musicales como el guaguancó o la charanga rock.
El disco, grabado por Alberto Méndez, en Manzana´s Recordings, sorprende al oyente con cada corte, dado que ampliado el registro musical, cualquier cosa puede ocurrir con ese numeroso tropel de sobresalientes músicos.
El diseño de la carátula es de Rodrigo Cornejo, conocido artista gráfico que también estuvo al frente del videoclip que puede visualizarse en Youtube.
La presentación oficial del CD, en Tenerife, será en breve, por lo que los seguidores del grupo deberán estar atentos si no quieren perderse

Valeri Gergiev, en el Festival de Música de Canarias.

El Festival de Música de Canarias, que se celebra entre Las Palmas de Gran Canaria y Santa Cruz de Tenerife, durante los meses de enero y febrero, recibe a la Orquesta del Teatro Mariinsky, de San Petersburgo, bajo la dirección de Valeri Gergiev. El programa del 12 de enero en Santa Cruz de Tenerife, el mismo del 15 del mismo mes en Las Palmas de Gran Canaria, será el Concierto nº 3 para piano y orquesta, de Rachmaninov y La Consagración de la Primavera, de Stravinsky, con Alexei Volodin al piano. Para los días 13 y 14 de enero, en sendas capitales, el programa se centrará en La Pasión según San Juan, de la tártara Sofia Gubaidulina. En estos últimos intervendrá el Coro del Teatro Mariinsky.
Valeri Gergiev fue elegido director artístico de la Compañía de Ópera del Teatro Mariinsky en el año 1988 y en 1996 el gobierno ruso le dio el control total de la orquesta, la ópera y el ballet. Este afamado y comprometido director, a los 23 años recibió el Premio Herbert von Karajan, en Berlín, y hace ahora seis años el Premio Estatal de Literatura y Arte de manos del entonces presiente Putin. Ha llevado a la Compañía en gira por todo el mundo, habiendo establecido convenios de cooperación artística con el Metropolitan de Nueva York, el Covent Garden de Londres, el Carlo Felice de Génova, Ópera de San Francisco, La Scala de Milán, New Israeli Opera o el Teatro Châtelet de París. Ha dirigido como invitado a las Orquestas Filarmónicas de Berlín y Viena, Royal Philharmonic, Nacional de Francia, Sinfónicas de San Francisco, Boston, Toronto, Chicago, Cleveland, Dallas, Houston, además de ser principal director invitado de la Filarmónica de Rotterdam, desde 1995 y del Metropolitan.
El Festival contará también con la Orquesta Filarmónica de Viena, bajo batuta de Lorin Maazel y con la Orquesta La Pasión, entre otras, en un calendario brillante que se desarrolla en el Auditoro de Tenerife y el Auditorio Alfredo Kraus de Gran Canaria.

Inma Shara dirige a la Camerata Pro Arte.

El próximo 23 de enero, en el Teatro Juan Bravo, de Segovia, la prestigiosa directora y compositora Inma Shara, dirigirá a la Camerata Pro Arte en un programa cuya primera parte incluye piezas de Turina, Puccini y Bartok, y la segunda consistirá en la Serenata para cuerdas en Do Mayor, op. 48, de Tchaikovsky.
Inma Shara es una de las más brillantes representantes de la nueva generación de directores de España. Ha dirigido las orquestas sinfónicas españolas más importantes y algunos de sus compromisos más recientes incluyen colaboraciones con la London Symphony Orchestra, London City Chamber Orchestra, Orquesta Sinfónica Nacional Checa, Sinfónica Nacional Rusa, London Royal Philharmonic, Sinfónica de Lituania, y Sinfónica Nacional de Ucrania. Asimismo ha dirigido la Orquesta y Coro de la London Symphony, New York Philharmonic, Filarmónica de Israel, Bayerische Staatsoper (Alemania) y la Orquesta Filarmónica de Graz (Austria), entre otras.
Una estrecha colaboración con Zubin Mehta le permitió trabajar con él desde obras de música puramente sinfónicas hasta la preparación de grandes óperas. Juntos abarcaron diferentes estilos musicales: desde el más puro Barroco, pasando por el Clasicismo o el Romanticismo más emotivo, hasta las últimas expresiones del arte musical.
Por su parte, la Camerata Pro Arte, integrada por solistas de la Orquesta del Teatro Real de Madrid y dirigida por el violinista Victor Ardelean, nace del entusiasmo de sus componentes por la Música de Cámara y el interés por explorar obras de autores de todos los tiempos. Desde su presentación al público, en el año 1995, ha actuado en las mejores salas y ciclos de conciertos en España con gran éxito de crítica y público, estando considerada hoy en día como una formación camerística de gran prestigio en su género. Su repertorio abarca desde el Barroco a la Música Contemporánea, terreno este último en el que han realizado una enorme labor de investigación para sacar a la luz obras maravillosas de autores injustamente olvidados.

Rafael Bonachela, Sydney Dance Company.

Joven bailarín y coreógrafo nacido en Barcelona en 1972 pero afincado en Londres, Rafael Bonachela se ha convertido en el nuevo director artístico de la Sydney Dance Company desde el pasado noviembre, agrupación para la que el creador catalán creó el verano pasado la obra 360º. Un trabajo tan bien recibido por público, crítica, e incluso la propia compañía, que le ha valido el nombramiento de director de la agrupación.
Bonachela que ha comentado a la prensa australiana sentirse muy contento por el nombramiento, comienza su andadura en la compañía catalana Lanònima Imperial, para luego marcharse a Londres donde lleva dieciocho años. Allí ingreso en 1992 en la prestigiosa Rambert Dance Company, en la que ha desarrollado la mayor parte de su trayectoria, primero como bailarín y más tarde como coreógrafo. Su primer trabajo creativo para esta compañía data de 1999. Three gone, four left standing se estrenó en el Sadler´s Wells londinense, iniciando una fructífera carrera coreográfica que acaba de finalizar recientemente con el trabajo Corious Conscience. Después de seis años creando trabajos para la Rambert, tres de ellos como coreógrafo asociado, Rafael Bonachela emprendió un nuevo camino profesional al frente de su propia compañía. Se trata de la Bonachela Dance Company que se presentó en 2006 con el espectáculo Voices, conformado por los montajes /aót?ak/ y Set Boundaries, coproducido por el South Bank Centre de Londres y el Mercat de les Flors de Barcelona. Con ella también ha estrenado Square Map of 24 (2007). Diversas colaboraciones con otras formaciones como la Transitions Dance Company y la Dance Works Rotterdam entre otras, así como trabajos para la MTV, diversas campañas publicitarias y su estrecha relación profesional con la cantante Kylie Minogue, completan la carrera artística de este joven creador.

Damas y caballeros, Nacho Duato ha abandonado el edificio.

Después de semanas de rumores y apuestas, ya cantadas, no nos engañemos, hay un nombre en firme. Víctor Ullate dirigirá la futura Compañía Nacional de Danza Clásica, la primera de este tipo que habrá en España después de 20 años. El nombramiento se conoció en la presentación de la programación de los nuevos Teatros del Canal de Madrid. Santiago Fisas, consejero de Cultura de la Comunidad, anunció el preacuerdo entre su departamento y el Instituto Nacional de Artes Escénicas y Música (INAEM) para crear esta compañía, aún sin nombre, que se cerrará y presentará, probablemente, antes de final de año. La formación, además, tendrá su sede en el Centro Coreográfico de estos teatros, polémicos por los retrasos en su edificación e incluso en su estreno, que le costó a la Comunidad de Madrid 1,2 millones de euros. El germen de esta compañía será el Ballet Víctor Ullate Comunidad de Madrid, que actualmente dirige el bailarín con un fuerte apoyo económico del Gobierno regional madrileño. Esta formación desaparecerá cuando se forme la compañía. "Hay otros grandes ballets privados, pero hemos aprovechado lo que ya tenía Madrid", explicó Fisas. Por otro lado el INAEM matiza que en 2009, además de la creación del nuevo ballet clásico se impulsarán, con apoyos del Ministerio de Cultura otros dos proyectos: el Corella Ballet de Castilla-León y otro liderado por Tamara Rojo, aunque esto último habrá que verlo.
Opiniones para todos los gustos.
Ángel Corella, ha afirmado a Efe que ‘todo cuanto vaya en fomento de la danza ‘clásica’ en nuestro país es positivo. Hay suficientes bailarines españoles como para fundar cuatro compañías de Ballet y público como para disfrutarlas’.
Lucía Lacarra, confía en que el proyecto se convierta en una realidad, y que la futura formación tenga un ‘repertorio variado’, no sólo los grandes ballets clásicos, porque de esa forma será atractiva para los bailarines internacionales. Víctor Ullate tiene la experiencia necesaria porque dirige su propia compañía desde hace mucho tiempo’, ha explicado a Efe.
María Giménez, ha declarado que ‘es un gran coreógrafo y bailarín, pero no es la persona más indicada para dirigir una compañía nacional de danza clásica’. En cualquier caso, la artista se ha alegrado de la creación de una nueva formación artística. ‘Por fin, lo que yo sembré ha dado sus frutos. Pero es una pena que no hayan contado conmigo’.
En todo este desbarajuste de dimes y diretes en el que las páginas de los foros especializados echan fuego, casi todo el mundo se está preocupando del nuevo proyecto pero, ese proyecto no viene de la nada, ya existe una Compañía Nacional de Danza (CND), porque aunque bien es verdad que se podría llamar perfectamente Compañía Nacho Duato (CND), y esto no gusta a casi nadie, este señor ha realizado un trabajo magistral durante casi veinte años. Ha llevado el nombre de España por todo el mundo y ha conseguido lo que nunca antes había pasado, dotar a España de una compañía de alto prestigio, contemporánea en vez de clásica, es verdad, pero eso son detalles sin importancia. Ullate es la persona adecuada para llevar esta nueva compañía, en igual medida que ha sido y es adecuado Duato para llevar la CND.
Y es que construir destruyendo no es buena política.

David Campos, clásicos en tierra contemporánea.

La Compañía de ballet Ballet de Santa Coloma de Gramenet, David Campos, nos propone una revisión sobre el clásico de Tchaikovski El Trencanous, el cascanueces de toda la vida, en el Teatre Romea de Barcelona, hasta el 10 de enero, con una propuesta escénica moderna y actual, vestuarios atrevidos y un espectacular montaje audiovisual.
24 de diciembre en un parque cualquiera. Clara, su hermano Fritz y todos los chicos y chicas que viven con ellos están abstraídos en sus juegos; de pronto aparece el enigmático Señor Drosselmayer con una lluvia de regalos. Entre los juguetes que reciben los chicos habrá un muñeco de madera, un Cascanueces en forma de soldado del cual se enamorará enseguida la pequeña Clara, el resto es historia.
La Compañía de Ballet David Campos es una formación de danza que combina tendencias contemporáneas y actuales con el rigor y la disciplina del ballet clásico. La Compañía se ha presentado en escenarios de toda España, y ha participado, también con éxito, en festivales internacionales en Escocia, Italia y Francia. Este reconocimiento ha convertido la formación en una referencia en el panorama de la danza de hoy. Sus innovadoras coreografías la han colocado entre las mejores compañías de Europa.
Fundada y dirigida por David Campos e Irene Sabas, esta formación recoge los años de experiencia de los dos profesionales en formaciones que exigían los más elevados niveles de belleza y perfección clásicas. Pero David Campos también ha sido sensible a la evolución de la danza y permeable a las influencias de los lenguajes de los movimientos más actuales.
Nacido en Barcelona, Campos inicia su formación en el mundo de la danza en el Institut del Teatre de Barcelona. Dos años después se marcha a París para perfeccionar sus estudios en la escuela del Ballet de Solagne Golovine (Marqués de Cuevas).
Posteriormente ingresa en el Ballet Real de Flandes, una de las compañías de danza de referencia en Bélgica, donde desarrolla su carrera como solista, con actuaciones en toda Europa y los Estados Unidos, y en calidad de artista invitado, en Asia, con obras de los más prestigiosos coreógrafos como Jiri Kylian, Nils Christie o Valery Panov.
La otra mitad es Irene Sabas. Esta filipina inicia sus estudios de danza en su ciudad natal, Manila. Recomendada por Margot Fonteyn recibe una beca para dos años del British Council para estudiar en la prestigiosa escuela del Royal Ballet de Londres, donde tuvo reconocidos profesores, entre otros, Marion Lane, Pamela May, Eileen Ward, Lynn Wallis, David Wall, David Drew y Julia Farron.
En España faltan iniciativas y creadores arriesgados como David Campos. Es una alegría saber que a pesar de los obstáculos, al gobierno catalán le cuesta dar apoyo a la danza clásica, siguen en la brecha.

Compañía de Antonio Márquez, Gira por tierras italianas.

Estará en el Teatro Novo, de Milán, hasta el 8 de febrero.

La compañía dirigida por esta leyenda viva de la danza española estará del 2 al 8 de febrero en el Teatro Novo de Milán, para continuar con una gira por Italia hasta el día 16.
La presentación oficial de la Compañía tuvo lugar en el Teatro de la Maestranza de Sevilla el día 7 de noviembre de 1995. Dos años más tarde, la Compañía es contratada para la inauguración del Teatro Real de Madrid con el espectáculo El Sombrero de Tres Picos, de Manuel de Falla. Poco tiempo después la calidad artística de la compañía es avalada en Italia por la crítica especializada, que otorga a Antonio Márquez el Premio Nureyev.
Tras años de éxitos es durante todo el año 2000 cuando la Compañía realiza giras por España, Suiza, Italia, Grecia, Portugal, Japón, Panamá y Francia. Siendo en este último donde actúa en la Ópera Nacional de París (Opera de la Bastilla) con un éxito rotundo tanto de público como de crítica. En el año 2005 la Compañía gira por España, Italia y Japón con el espectáculo El Sombrero de Tres Picos y con Bolero, de Ravel, obteniendo en España el Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo del Festival de Jerez, y en Italia el Premio Positano Leonid Massine per l´arte della danza a Antonio Márquez "anche il Flamenco ha la sua stella". En el 2008, estrena la nueva producción Antonio, dedicada a la vida Artística de Antonio Ruíz Soler, que se presentó con gran éxito en el Auditorio Euskalduna.
El sevillano Antonio Márquez, artífice de todo, inicia con 12 años, sus estudios de danza con los profesores María Martín y Paco Torres. En 1982 se incorpora al Ballet Nacional de España, primero como solista y más tarde como primer bailarín, con José Antonio Ruiz como director. A finales de 1991, nuevamente en España, Antonio interpreta, como Primer Bailarín, en el Ballet Español de Madrid, las obras Camino sin retorno, Estamos solos y Reencuentros, entre otras, del maestro José Granero. Pocos años después, es invitado por el Ballet de Víctor Ullate para interpretar el papel de Carmelo en su última creación El Amor Brujo, de Falla, que se estrena ese mismo año en el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Asimismo, participa en el estreno en el Teatro de la Zarzuela, de las últimas producciones del Ballet Nacional de España, realizando el papel de protagonista en La Oración del Torero, dedicada a Ortega Cano, con música de Turina y coreografía de Victoria Eugenia; y en Cuentos del Guadalquivir, junto a Lola Greco, y coreografía de José Granero.
En 2007 se lleva la nueva producción por la Red de Teatros de la Comunidad de Madrid y por diferentes teatros de otras comunidades, asistiendo una vez más al Festival de Jérez, realizando una larga gira por toda Italia, visitando los mejores teatros, tales como la Ópera de Trieste. Y es que la danza de calidad habla por sí misma.

Él próximo estreno de Morfema.

Adaptación teatral de la novela de Mercedes Pinto.

El mes de febrero trae consigo el estreno de la compañía Morfema. Se trata de la adaptación teatral de la novela de Mercedes Pinto, Él. Esta adaptación cuenta con un equipo artístico en el que se mezcla la experiencia y la juventud. A la cabeza del proyecto, el director Enzo Scala, cuyo currículum llenaría las páginas de esta revista. La dramaturgia ha sido realizada por Roberto García de Mesa. En el reparto actúan junto a Ricardo del Castillo, Idaira Santana y Sara Nanpeh. Además cuentan con un equipo de producción muy profesional coordinado por Clemente G. Noda. Con este plantel, y la experiencia de una compañía a la que avala su profesionalidad, no es de extrañar que hayan logrado un espectáculo de una factura impecable.
Morfema asume que, como creadores, tienen la obligación de plantear temas de urgente necesidad social. La violencia de género parece un grave problema que nos afecta a todos por igual y puestos a la búsqueda de textos que tuvieran que ver con este tema, aparece lo que para ellos ha sido una sorpresa mayúscula: la novela Él, de Mercedes Pinto. Mejor deberíamos decir sorpresas, en plural, refiriéndonos a la novela y a la propia autora.
Porque la vida de Mercedes Pinto fue sin duda extraordinaria y sorprendente, y tanto su obra literaria como su compromiso humanístico, no fueron menos densos y abundantes. Además de narradora, poeta, autora de obras de teatro y exitosos programas radiofónicos, directora de su propia compañía artística, conferenciante y periodista, su magnetismo caló muy hondo en los países que acogieron su destino: Uruguay, Chile, Cuba y México. Era aclamada por los obreros y estudiantes de Suramérica, los presidentes y políticos más importantes la requerían como oradora y apoyaban sus experiencias pedagógicas, las mujeres de todo el continente veían en ella a una líder feminista, y hombres de toda ideología llenaron los auditorios para escuchar sus modernas conferencias.
En la novela Él, publicada en Uruguay en 1926, aparece un perfecto retrato de la enfermedad de su primer esposo, un estudio científico sobre la paranoia, como lo afirman los psiquiatras que escriben el preliminar y el epílogo, acompañados también por los criterios de dos abogados. El hecho de que el libro se publicara bajo opiniones tan especializadas se debió, en palabras de la propia autora, a las posibles consecuencias que podía suscitar el caso que exponía. A través de sus páginas, la protagonista denuncia trágicamente las humillaciones a las que la somete su marido paranoico y la incomprensión general a que la condena su condición femenina. La obra de Mercedes Pinto quiso ser una voz que se alzaba en defensa de las mujeres de su época.

Dadá y Cía., presenta su último espectáculo, La Cola.

Dadá y Cía. Estrena montaje en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife, espacio del que es compañía residente, los días 9 y 10 de enero.
La pieza Line, cuyo título se puede traducir como La Cola, es un texto estrafalario y absurdo de los años setenta, obra de Israel Horovitz, un autor neoyorquino, de aquellos autores americanos que son más europeos que nosotros mismos en cuanto a sensibilidad y feeling. "Uno de esos hombres amables, encantadores y tiernos que escriben las cosas más crueles que se puedan imaginar", en palabras de Eugène Ionesco. El cual, al respecto de esta obra comentaba que "se trata de una pieza única, excelente donde no hay acción, donde no sucede nada, nada a excepción de todo".
Cinco personajes, cuatro hombres y una mujer, atrapados en una cola de la cual no saben ni la causa ni la finalidad, pero sí que quieren ser los primeros. Una situación muy banal pero que, gracias a un diálogo extravagante y grotesco, acecha constantemente el absurdo y lo consigue en el punto estético y artístico como una sonriente tangente a su curva hiperbólica.
Dadá y Cía. huye del naturalismo y del realismo, concibe sus performances como un baño de sensaciones y emociones y procura que el espectador trague todo por los ojos y lo digiera el día siguiente por la cabeza. Quieren representar dentro del panorama teatral canario una voz muy importante respecto a la innovación y a la experimentación, sin olvidar el carácter típico artesanal del objeto teatral. Line es la pieza más programada de todos los tiempos en el Off Broadway, donde estuvo en cartel más de treinta años consecutivos, lo que da al texto un ineterés especia, por ello en un afán de novedad, Dadá y Cía. no quiere traicionar sus principios para dejarse seducir por fáciles soluciones comerciales.

El otro lado, en el Teatro Cuyás.

La compañía de Charo López estará en el Teatro Cuyás, de Las Palmas de Gran Canaria, con una obra protagonizada por grandes nombres de la escena como Charo López, Eusebio Lázaro, director también de la obra, y José Luis Torrijo. El otro lado dramatiza la relación de una pareja de ancianos dividida por una frontera política que pasa en medio de su casa. El autor de esta obra, Ariel Dorfman, ironiza sobre la incidencia de las fronteras políticas en la vida de los individuos.
El drama recrea la vida de dos ancianos que habitan una humilde cabaña y cuya labor es identificar y enterrar soldados caídos a diario en un combate que tiene lugar en la hipotética frontera entre dos países llamados Constanza y Tomis. La macabra rutina es interrumpida cuando un soldado penetra en la cabaña y traza una línea fronteriza justo por en medio de la cama de la pareja, obligándolos a pedir visados para usar su propio lavabo o acercarse a la cocina a preparar la comida.
El lugar donde se desarrolla la obra teatral es en la frontera de dos países que, durante la mayor parte de su existencia, han vivido una guerra incesante. Resuena con los temas del amor y la destrucción, las migraciones y las fundaciones, niños perdidos y padres extraviados, víctimas y vencedores, recuerdos imborrables y reconciliaciones imposibles. Esta tragicomedia de Atom y Levana y su inesperado huésped, se monta en un momento oportuno, cuando encontramos más y más gente desplazada por fuerzas que no controlan, pueblos que buscan en forma cada vez más desesperada una esquiva identidad.

Memoria del jardín, en la Cuarta Pared.

A partir del estreno, el 14 de enero, Magrinyana continuará en cartel en la Sala Cuarta Pared hasta el 25 de enero con el montaje Memoria del jardín, escrita y dirigida por Antonio Fernández Lera, según el cual, Memoria es un relato a tres voces, tres monólogos cruzados con el punto de partida de una grave enfermedad. Una reflexión sobre las palabras y los objetos. Lo que somos, lo que pensamos, lo que decimos, lo que vemos. Lo que son los otros. Un juego de presencias y ausencias. De seducciones y rechazos. Un juego de espejos, entre la realidad y el deseo. Un largo viaje por los paisajes de nuestra visión, de nuestra memoria y de nuestra imaginación. Un diálogo, en definitiva, con la naturaleza. Un diálogo inevitable entre un hombre y una mujer, interpretados por Ana Buitrago y Celso Jiménez, con el trasfondo de una enfermedad aparentemente terminal. En las reflexiones de ambos aparecen otras presencias y otras ausencias. En escena se escucha una tercera voz, correspondiente a Justo Lera, que convierte la salida del hospital en un viaje, una liberación, una escapada, un inesperado triunfo sobre la muerte.
Producciones de Magrinyana ha puesto en escena, en la década que llevan de vida, Plomo Caliente, Monos locos y otras crónicas, Mátame, abrázame y Las islas del tiempo, del propio Antonio Fernández, y la más reciente Agamanón (Volví del supermercado y le di una paliza a mi hijo), de Rodrigo García.
El autor y director de esta puesta en escena, director de Magrinyana, es también el editor de Pliegos de Teatro y Danza, y ha traducido a autores como W. H. Auden, El mar y el espejo (Bartleby 2001); Stephen Berkoff (Mesías, Teatro de la Abadía 2000); Ken Bruen (Maderos, Tropismos 2005, Premios Brigada 21 y Novelpol 2005 de novela negra).

Un día, una hora, continúa su gira.

Un día, una hora, de Producciones Viridiana, reciente premio de la 13 Mostra de Teatre de Barcelona, continúa de gira por España. Están en el Centro Cívico de Garrapinillos, Zaragoza, el día 2 de enero, en el Palacio de Congresos de Boltana, en Huesca, el 3, y en Casetas y en San Juan de Mozarrifar, ambos en Zaragoza, los días 4 y 6 de enero, respectivamente. Este espectáculo, creado y dirigido por Jesús Arbués, con historias escritas por niños de 6 a 12 años y recogidas por Javier Villafañe, está interpretado por Merche Albero, Raquel Anadón, Pilar Barrio, Begoña Coarasa y Elena Gómez, con la colaboración especial de un nutrido grupo de niñas y niños: Inés Azón, Natalia Benítez, Ángela Belsué, Carolina Carmona, Sofía Fontana, Lucía Alamán, Marina Dueñas, María Iraizoz y Guillermo Allué.
Un espectáculo escrito muy seriamente por niños, destinado a ser visto por adultos con humor. La idea surgió tras recoger las distintas historias que, allá por los años 80, el titiritero argentino Javier Villafañe se encargó de ir recolectando cuando recorrió los caminos de Castilla-La Mancha y Aragón. En cada pueblo, en cada escuela donde actuaba, pedía a los niños que escribieran una historia, un pequeño cuento. Cuando terminó su periplo había reunido más de 30.000 cuentos. Una cuidada selección de ellos fue recogida en dos libros: Los cuentos que me contaron por el camino de Don Quijote y Los cuentos que me contaron por los caminos de Aragón.
Un día, una hora es un espectáculo realizado con sesenta de los textos recogidos por Villafañe. Los temas, la extensión, el estilo, son completamente distintos en cada uno de ellos. Unos se decantan por la fantasía, otros por el género negro. En ellos encontramos simbolismo, absurdo, plagio, comedia, drama, tragedia, chiste, minimalismo, folclore, fábula, costumbrismo, ciencia-ficción, metaliteratura y mucho más. Es, en definitiva, un espectáculo sobre nosotros.

Inminente estreno de Teatrapa Plus.

El nuevo estreno de Teatrapa: una divertida crítica de los desórdenes alimenticios, con actores y marionetas.

La compañía Teatrapa estrena su nuevo espectáculo Cuidado que te agarra la comida basura, un divertido alegato contra las grasas, la vida sedentaria y los abusos de la televisión y de los juegos que convierten a los chicos en autistas. Este espectáculo, destinado a todos los públicos, añade el concepto del cuidado de la Naturaleza y en contra de la tala cruel que sufren nuestros bosques, contraponiendo a esto la idea de la reforestación, proponiendo plantar uno, o mejor, dos árboles por cada uno que es talado.
Cuidado que te agarra la comida basura es una comedia musical puesta en escena a través de títeres y de actores, en la que se juega con canciones pegadizas que contienen consejos para comer mejor, eligiendo para ello más frutas, verduras y hortalizas en lugar de frituras, fiambres y enlatados; jugar todo lo que se pueda, pero en movimiento y entre amigos, evitando las actitudes perezosas y los juegos que acaban por debilitar a los chicos; hacer deporte y disfrutar de la salud y de los juegos colectivos. La música original de Daniel García acompaña los textos y las actuaciones de Gabriela Lauria, Miguel Ángel López Melo y Sergio Ducatenzeiler.
La compañía, dirigida por Sergio Ducatenzeiler, cumplió 20 años llevando sus espectáculos con mensaje por las islas, y lo celebra manteniendo la línea de teatro educativo que ha seguido durante estas dos décadas y que tan buenos resultados ha dado a la propia compañía y a los promotores de las campañas educativas, que han confiado los más importantes mensajes a Teatrapa. Entre estas campañas se incluye la obra Ana y la vida, un magistral drama dirigido especialmente a adolescentes, padres y docentes, que trata el problema de la anorexia con un claro mensaje de esperanza y anteponiendo la prevención como herramienta frente a este mal, del que España, y Canarias, se encuentra a la cabeza, que socava la salud y la vida de miles de niñas.
Teatrapa está especializada en teatro educativo y en campañas de prevención de riesgos para la salud. Una, sobre la anorexia, estrenada en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife que ahora recorre los institutos y los ayuntamientos de Canarias, o sobre el SIDA, y realiza también cuentacuentos y talleres: relatos y lecturas de leyendas infantiles, construcción y manejo de títeres y dramatizaciones por los niños. Ha actuado en las principales salas de Canarias con Quijotísimo y Las sombras del Quijote y realizado conciertos didácticos como Mozart – niño, La primavera no es un cuento y Que se vengan los niños de todas partes, del folclore argentino. Teatrapa ha estado también presente en la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil, del Centro de Exposiciones de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina, y en el Décimo Congreso Médico Español sobre SIDA, en Donostia-San Sebastián.
Su repertorio infantil incluye atractivas obras en las que se conjugan actores, muñecos y música.

Lorca era maricón, según El Curro DT.

Los días 22, 23 y 24 de enero, en DT Espacio Escénico, en Gran Vía, Madrid, a eso de las 20.30 horas, la compañía de danza teatro El Curro DT pone en escena Lorca era maricón.
En referencia a Federico García Lorca y explicando la galantería de su montaje, arriesgado y nada convencional, como los espectáculos a que nos tienen acostumbrados, nos avanzan que hay quien nace poeta, como quien nace rubio, cojo, alto, pero es que Federico, además, nació maricón. Este trabajo no es más que un pequeño homenaje, a estas alturas, no ya al poeta, ni al dramaturgo, que también, sino al hombre, a ese Federico engominado que se ponía al piano para acompañar a La Argentinita, a ese, más que avanzado, moderno ser humano, que revolucionó una España que empezaba a estar presa como una Pineda cualquiera, que intentaba rebelarse contra un futuro impuesto, como Adela, una España llena de Rositas que dejaban sus casas para salir a las calles oscuras en busca de un novio prohibido.
Esta producción se pone en escena dentro del I Ciclo Lo tuyo es puro teatro, que se desarrolla entre el 8 y el 31 de enero en el mismo espacio, y compartiendo cartel con otras no menos singulares puestas en escena: Crónica de la noche abierta, por Trashumantes, Equilibrio precario de la normalidad, avanzar arrastrados por la vida como malabaristas, agarrando más de lo que cabe en nuestras manos, deseando más de lo que cabe en nuestros días, sin un segundo de tregua. Hasta que de repente ocurre algo: Un accidente. Está encuadrada dentro del circuito 2008 de la Red de Teatros Alternativos, y estará en cartel los días 8, 9 y 10 de enero; Un "Yo" Sainete sideral, por Pildorita Piltri, los días 15, 16 y 17; y SA.LO.MÉ., puesta en escena de Qteatro, que está programada para

Espacioscuro, en Teatro Lagrada.

La compañía Espacioscuro estrenó en el Teatro Lagrada, en Madrid, la obra de José Sanchis Sinisterra, Flechas del Ángel del Olvido, bajo la dirección de Miguel Torres y la interpretación de Maite Zahonero, Pedro Ampudia, David Solera, Olga Martín Meseguer, Nuria Garrudo y Arantza Matud. Esta producción de Lagrada se mantendrá en escena hasta el 1 de febrero.
Una clínica acoge entre sus pacientes a una joven con amnesia. Nada se sabe sobre su identidad. Lo que el autor cuenta en esta obra es la historia de una muchacha sin historia, porque no recuerda nada, o no quiere recordar. Por eso se sirve de una flecha, para olvidar aquello que no le gusta. La sociedad trata de mostrarle aquello que quieren que recuerde. Pero a la muchacha no le gusta mucho lo que le proponen y decide, junto con otro joven, hacer borrón y cuenta nueva. En estos momentos de crisis quizás deberíamos aprovechar la ocasión para hacer un borrón y pensar en una cuenta nueva.
En este texto, Sanchis Sinisterra reflexiona sobre una sociedad interesada en fabricar jóvenes tipo sin raíces, sin identidad, impulsándolos a vivir el futuro antes de saborear siquiera el presente.
La compañía está compuesta por actores que terminan su proceso de formación en la Escuela de Teatro Lagrada y dirigida por Miguel Torres, que fue miembro de Ensayo 100 Teatro y promotor de Lagrada Producciones Teatrales y es el director de dicha Escuela. La idea de hacer una compañía estable, con un lenguaje común y una simpatía, fruto de años de trabajar juntos, fue el origen de la creación de Espacioscuro, amén de dar salida inmediata a actores con ganas de hacer teatro. Hasta el momento han estrenado Sr. Pirandello le llaman por teléfono, de Antonio Tabucchi, Ligazón, La Rosa de papel y Cuento de Abril, de Valle-Inclán, Fedra, de Unamuno y Antígona, de Jean Anouilh. Y ahora se lanzan con estas Flechas del Ángel del Olvido.

Estreno de Produccions del Mar, en el Teatre del Mar.

El 15 de enero Produccions del Mar estrena Camarada K, en Teatre del Mar, de Mallorca. Bajo este título, el autor y director Joan Carles Bellviure recrea algunos de los textos del autor ruso de vanguardia Daniil Kharms (1905-1942). Un espectáculo que nos muestra el contraste entre la dura vida del autor en época estalinista y su obra literaria satírica y delirante.
Camarada K, que permanecerá en cartel hasta el 25 de enero, es un espectáculo de humor satírico y de crítica ácida que muestra, a través de los propios escritos del autor, la vida y el universo particular de este genio de la literatura surrealista rusa.
El espectáculo se configura a partir de los diarios personales, la correspondencia, la producción literaria y la propia vida de Kharms, marcada por la segunda guerra mundial, cuando la represión estalinista arremete contra él y contra casi todas sus amistades.
Tres personajes grises, dos hombres y una mujer, interpretados por los isleños Sergi Baos, Margalida Grimalt y Joan Manel Vadell, son los protagonistas de esta historia que alterna relatos breves, absurdos y surrealistas, con la propia vida del autor, Daniil Kharms, representado por una marioneta de talla humana.
Produccions del Mar es la compañía creada en 2005 por el Teatre del Mar, en funcionamiento desde 1993. Después de años de una programación estable, el Teatre del Mar apostó por la creación de esta productora para dar salida a sus propios montajes. Desde 2006 Produccions del Mar ha producido diferentes espectáculos dentro del programa Teatre i Literatura, un proyecto destinado al público adolescente. En 2007, presentó su primer proyecto para público adulto, Seqüènces, 4 ficcions d’avui, un espectáculo coral creado por cuatro piezas breves de los cuatro directores que componen el consejo artístico de la productora, Joan Carles Bellviure, Biel Jordà, Pere Fullana y Rafel Duran.

Teatre del Repartidor, en la Tantarantana.

Desde el pasado 18 de diciembre y hasta el 18 de enero próximo, en la sala Tantarantana de Barcelona, la compañía catalana Teatre del Repartidor mantiene en cartel la obra de José Sanchis Sinisterra, Terror y miseria en el primer franquismo, bajo la dirección de Pepa Calvo.
La obra de Sanchis Sinisterra, que toma como referencia la de Bertolt Brecht, Terror y miserias del Tercer Reich, está estructurada en torno a ocho escenas diferentes que muestran otras tantas situaciones de la vida cotidiana de los años cuarenta. En estas ocho escenas se habla de hambre, de corrupción, de violencia, de hacinamiento y humillación en las cárceles franquistas, de miserias, de miedo, de represión, del drama de los republicanos que tenían que ocultarse.
Son ocho retazos de la vida de posguerra que el autor construye siguiendo también distintos planteamientos estéticos y escénicos, yendo desde el sainete hasta la alta comedia, porque según él mismo afirma, "cada escena, cada situación, remite a un estilo, a una modalidad teatral diferente".
Y toda esta construcción, en palabras de Manuel Aznar, en la presentación de la obra, "para reavivar nuestra memoria democrática; para luchar contra el olvido de aquel terror y miserias del franquismo, que no fueron exclusivos de los años cuarenta; para luchar contra el peligro del memoricidio", ya que según el autor, "para las últimas generaciones ―las nacidas tras el desarrollismo― toda aquella sorda abyección va camino de confundirse con las guerras carlistas y la rendición de Breda". O, dicho de otra manera, "para que toda aquella sorda abyección franquista no se diluya hoy en la niebla edulcorada de la desmemoria y del olvido".
Teatre del Repartidor ha estrenado, bajo la dirección de Pepa Calvo, cerca de una treintena de espectáculos desde 1993 y tiene en su haber obras tan significativas dentro del teatro y la literatura españoles como pueden ser Don Juan Tenorio, El Lazarillo de Tormes, La Dama Boba o La Celestina, con muchas de las cuales han participado en varias campañas escolares por diversas comunidades del territorio español.

ENTREVISTA A: Farhad Lak

por Aitor Menta


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Farhad Lak










Ejerce con maestría el oficio de escritor dedicado al teatro.

Solamente le llaman Sr. Lak aquellos a los que debe dinero. Sus amigos le llaman Far. A veces se considera autor teatral. Sobre todo cuando está escribiendo una obra o cuando ésta es representada. La mayoría de las veces se considera escritor, ya que a fin de cuentas eso es lo que hace, incluso cuando escribe teatro. Y, en la secreta intimidad de esta entrevista, confiesa que a veces se considera alguna otra cosa, pero al reconsiderarlo cambia de opinión.

El enfermo incurable al que llamamos teatro sigue agonizando de buena salud (esto es de Carlo Giménez).
Creo que el teatro se encuentra en uno de sus mejores momentos, se va a representar una obra mía. No, hablando en serio. Actualmente hay más salas que nunca, más público que nunca. Dudo que la gente se pueda seguir quejando. Hay mucha variedad en cartel, hay todo tipo de precios y sobre todo hay clásicos y contemporáneos. Nos podemos encontrar autores, directores, actores y público que se están estrenando junto a otros mucho más experimentados. Hemos logrado que el cine no sea competencia. Ahora la gente piratea las películas y las ve en casa, por lo que cuando quiere salir va al teatro. Tal vez no sea políticamente correcto decir esto, pero las descargas de Internet ayudan a la industria del teatro.
La frase me sugiere a pasado. Hace cinco años estaría absolutamente de acuerdo, pero ahora mismo el teatro no agoniza sino que goza de buena salud. Y lejos de ser un "enfermo incurable" es una "sana promesa de futuro". Nos hemos pasado mucho tiempo en el lado oscuro y ahora no somos capaces de ver lo que ha cambiado todo, lo que ha avanzado el teatro y la posición que ocupa en la sociedad. Creo que la gente "de teatro" deberíamos cambiar el chip y dejar de lado el victimismo al que estamos acostumbrados a abrazar y disfrutar de la realidad del teatro actual.

Suponiendo que estuviésemos pasando realmente una crisis ¿en qué medida afectaría a un autor teatral?
¿Crisis económica o teatral? La crisis económica no afecta al autor teatral, él ya vive en la crisis. Y la crisis teatral tampoco afectaría al autor. Afortunadamente, ya está vacunado. Pero de todos modos ¿hay crisis?

¿Qué ha tenido que hacer un autor vivo para que sus obras se representen antes de su muerte?
Más de una vez me he planteado fingir mi propia muerte y seguir escribiendo. Así, los herederos de Farhad Lak podrían ir anunciando nuevos manuscritos (o tarjetas de memoria) con obras inéditas. Creo que el trabajo póstumo es el más productivo, por eso mismo estoy dejando mis mejores ideas para escribirlas después de muerto. Entre tanto, volviendo a la pregunta, deberíamos considerar este hecho como un mero accidente y no como un precedente para próximas representaciones.

(Ahondando. Igual la ponemos o no, dependiendo de la respuesta a ésta y a la anterior) Los autores teatrales españoles vivos ¿son representados? ¿O tienen que pasar por la cárcel, perder un brazo y pasar a mejor gloria?
Los autores vivos sí son representados, de eso no hay duda. Lo que no se puede hacer es culpar siempre a los directores por representar a los clásicos, sería como recriminar a los autores por escribir en vida. Cada uno es libre de hacer su trabajo como lo considere. Tal vez se podrían representar más obras de autores vivos, y también se podrían bajar los precios de la vivienda. Lo que está claro es que en nuestra sociedad actual, al ser más accesible la literatura y la escritura en sí, han surgido infinitos escritores (yo mismo, uno de esos millones que escriben). Es evidente que habrá más producción literaria y que muchos autores y muchas obras se quedarán fuera del escenario. No tengo datos exactos, pero tengo la convicción de que actualmente se representan más piezas de autores vivos que muertos (incluyo las salas alternativas, obviamente). El teatro no deja de ser un negocio para el empresario, y el cartel debe tener a autores conocidos con obras conocidas y actores conocidos. Incluso las salas subvencionadas deben buscar una mínima rentabilidad, y si no, al menos llenar la sala.
Pero reconozco que perder un brazo o pasar por la cárcel ayuda mucho. Personalmente optaría por el segundo supuesto, ya que sin un brazo sería más difícil (y lento) escribir, y que en la cárcel seguramente dispondría de mucho tiempo para la literatura.
Lo que más rabia me daría ahora es que después de estrujarme la cabeza para responder a esta pregunta, al final no la pongáis. Pero no pasa nada, se puede conservar y cuando muera se hace un especial: "todo lo que dijo y no se publicó".

La inspiración ¿viene y se va? ¿Vive en el piso de arriba? ¿Sólo viene a cenar de cuando en cuando?
La inspiración es un estado de ánimo. Uno puede provocarla o incluso fingirla. Recuerdo que tuve una novia que me abandonó de la manera más vil y a la que siempre estaré agradecido por toda la producción literaria que ello provocó. También hubo una que me quiso mucho pero no provocó más que desidia. Una desconocida me sonrió en la calle y con esa energía estuve escribiendo casi un año. Y otras veces he escrito por el mero hecho de escribir.
La inspiración efectivamente viene y se va, pero se la puede llamar para que baje del piso de arriba y se venga a cenar.

La Escalera de Jacob estrena una obra suya. El Sueño ¿Les deja hacer o va a todos los ensayos no vaya a ser que le cambien una coma?
El director es el primer intérprete de una obra, ¿quién soy yo para decirle cómo ha de interpretarla? Dejando de lado el ego del creador, no soy más que una herramienta al servicio de la obra, y mi cometido no deja de ser el de escribir. Una vez cumplido, me convierto en espectador, orgulloso e ilusionado, que se sienta en la butaca a disfrutar de la representación. Además, si una coma está mal puesta, agradezco la corrección y sobre todo que el director enriquece la obra con su interpretación, igual que lo hacen los actores y finalmente el último intérprete: el espectador. Mi trabajo está hecho, la representación me hace muy feliz.

Cualquier otra respuesta a la pregunta que le habría gustado que le hiciesen.
Me alegra que me hagáis esta pregunta. Pero de haber sabido que la ibais a hacer, me habría ceñido a responder claramente las anteriores preguntas, en lugar de irme por las ramas y acabar diciendo lo que me daba la gana. Por otro lado, respondiendo a esta última pregunta, diré que me hace especial ilusión esta representación por diferentes motivos. Una de ellas es que es la primera obra de teatro que escribí (creo) hará unos quince años. Se publicó hace once años y jamás había sido representada. Por lo que este estreno mundial es especialmente interesante. Si a eso le sumamos que el director leyó esta obra nada más publicarse (hace más de una década) y que pensó entonces que si alguna vez dirigiera una obra de teatro sería ésta… Y pasado el tiempo, efectivamente, éste es su debut como director. Me enorgullece mucho que eligiera esta pieza. Todo ello hace que aún no dé crédito. Me muero de ganas por ver la representación. Y otra curiosidad, que está directamente relacionada con esta última pregunta, es que me he enterado del estreno a través de vosotros. Desconozco la extensión prevista para la entrevista, pero si queréis quitar cosas, adelante. Concluyo con un agradecimiento por haber pensado en mí para esta entrevista (aunque juega a mi favor que a los autores muertos no les podéis entrevistar).

ENTREVISTA a: Francisco Checa Talavera.

por Aitor Menta _______________________________________________________________




Francisco Checa Talavera.

Ha firmado la organización de los mejores festivales de distintas disciplinas.


Además de frío, nieve, aceite del bueno y unas tapas que quitan el hipo, uno se encuentra, desde el momento de la llegada, con una hospitalidad que parecía haber desaparecido como signo identificativo de la especie humana, pero que en Torreperogil está presente en todo momento.
La Muestra de Teatro de Torreperogil, en Jaén, la organiza la Asociación Arena, con la colaboración de la Gerencia de Cultura del Ayuntamiento. Del millón de euros de presupuesto que dedica Torreperogil al área de Cultura, a lo que hay que sumar los irrisorios 5.800 euros que aporta la Diputación jienense (la cifra no contiene errores), la Muestra se lleva 40.000.
Francisco Checa Talavera, justo hasta el día anterior a esta entrevista Alcalde de Torreperogil, Concejal de Cultura y Diputado Provincial por Izquierda Unida, nos recibe como si estuviéramos en casa. La suya, porque así es como lo siente. Y la nuestra, porque así es como nos lo hace sentir.

Coméntenos sobre la Muestra y sobre la Cultura en Torreperogil.
La XXIII Muestra de Teatro de Torreperogil surge como resultado de un trabajo de fondo que se inició hace ahora treinta y tres años, durante los cuales se ha trabajado muy duramente para mantener una línea de teatro comprometido. Se trata de recuperar el teatro socialmente comprometido y moderno, en el sentido en que se tratan temas de actualidad. Variaciones sobre Rosa Parks, de Cambaleo, es un claro ejemplo de ello.
Esta Muestra está encuadrada en el contexto cultural de Torreperogil, que es bastante más amplio. Tenemos un festival de títeres, una buena manera de iniciar a los más pequeños en el mundo de la escena, aunque, si te quedas a la función de esta noche y a las que restan, comprobarás cómo incluso los niños tienen una gran educación y una gran cultura como espectadores. En el otro extremo del trabajo realizado con las Artes E scénicas tenemos el Certamen de textos teatrales Esperpento, llamado así en homenaje al género creado por don Ramón del Valle-Inclán, con diez ediciones en su trayectoria y la once ya convocada.
En mayo hemos editado tanto el accésit como el primer premio: Gustavo Ott, con Monstruos en el clóset, ogros bajo la cama y Antonio García Orellana, con Ícaro, respectivamente. Pero es que, en medio de todo esto, tenemos un festival de teatro de calle y otro de danza moderna. Nos han visitado Volans Danza, Madrépora y Hojarasca de Alicia Soto, así como afamadas compañías de Rusia y Cuba.

Y todo esto, en una población de ocho mil habitantes.
No. Si aún hay más. Porque tenemos el mejor festival de Blues de Andalucía. Aquí han estado grupos como Animals, Los Bravos, Burning, Smash... Y un festival de cantautores, considerado uno de los mejores, que ha contado con Ismael Serrano, Tonxu, Luis Pastor... Y un festival de heavy... ¿Sigo? Y nueve festivales de flamenco, y homenajes a buena gente de la música, como Antoñita Pañuela La Espabilá, nacida aquí, por cierto.

¿Y cómo? ¿De dónde surge todo esto?
Pues de las asociaciones, por supuesto. Son las asociaciones quienes proponen las actividades, y si estas tienen la suficiente capacidad organizativa y si el proyecto tiene interés general, claro, el Ayuntamiento corre con los gastos. Así han surgido cosas muy interesantes: encuentros con escritores, ilustradores. Somos el enemigo a batir en el ámbito de la Cultura, porque sin excesivos recursos hacemos muchas cosas, dando a conocer la cultura de carácter general. Cuando comenzamos estábamos en torno a los siete mil habitantes. Y sacar una obra de Lope de Rueda a la calle era algo complicado, o la Cantante Calva, de Ionesco. Recuerdo que el encargado del sitio donde ensayábamos era ciego y nos oía ensayar. Qué pensaría aquel hombre entonces, en aquellos tiempos de censura. Ahora el público está educado. Son muchos años de trabajo educando al público, y eso ha dado como resultado que, programes lo que programes, nuestro público lo ve y lo acepta y lo entiende. Y no te he hablado de Por Fin Teatro, de Teatro en la escuela, de los cuentacuentos... La cultura nos preocupa. Tenemos asegurada la educación pública de los niños de cero a tres años, a costa del Ayuntamiento.
Tenemos un claro interés social. Y aunque la individualidad no hace una historia, aquí cada uno lucha por todos, con sus hobbies, haciendo aportaciones a la idea global de la cultura que se fomenta desde el Ayuntamiento. Un ambiente plenamente cultural desde la infancia.
Este es un pueblo comprometido con la izquierda, con la idea social de la izquierda. Aunque se ve venir la prostitución política.

EDITORIAL enero/febrero 2009

EDITORIAL

Llegan tiempos difíciles. Mejor dicho, llevamos largo rato ya metidos en tiempos difíciles. Tras las pérdidas de ventas de la campaña navideña de turroneros y jugueteros se acerca el carnaval, gracias al cual constataremos que lo de al pueblo, pan y circo, sigue absolutamente vigente. Pero antes de llegar a ese punto, convendría que echásemos un breve vistazo a por qué los jugueteros y los turroneros han vendido menos. Los pequeños empresarios, que son en definitiva quienes mueven a este país, y los de la Cultura en particular, han tenido y continúan teniendo serios problemas para cobrar sus facturas. Sobre todo son los Ayuntamientos quienes más retrasan el pago de sus facturas, llegando a darse casos verdaderamente escandalosos. Una de las conclusiones a la que uno llega es a la de que las empresas del sector están financiando la cultura de España, y otra que las empresas culturales españolas tienen moral para largo, porque siendo una profesión difícil y siendo apaleados desde las administraciones, continúan tratando de mantener en pie su empresa, sus puestos de trabajo y su dignidad. Pero las deudas, algunas eternas, tienen sus consecuencias, por supuesto, y entre ellas están la precariedad que se provoca en el empleo del sector, la imposibilidad de realizar previsiones, la dificultad de emprender nuevos proyectos; y de mayor capacidad para romper nervios: impago de facturas a proveedores, sanciones de esa misma Administración, caída en las garras de la usura bancaria, impago de nóminas...El impago de nóminas trae, entre otras muchas consecuencias, el hecho de que no haya quien compre turrón, por ejemplo. También trae como consecuencia inmediata el asesinato cruel de ese gordo que viste de rojo y que se hace llamar Noel, y el recuerdo salvador de que los Reyes Magos les llevaron al niño sólo, exclusivamente, tres regalos. De modo que haciendo de tripas corazón, dejamos de regalar en Navidad, recortamos en Reyes, y dejamos que el carnaval, en el que con pintarse ya se está disfrazado, nos permita un momento de desconexión de la desastrosa realidad económica a la que se obliga desde la Administración.Sobrevivirán los más fuertes, como siempre. O aquéllos que acepten que la colaboración es la herramienta que puede mantenerlos a salvo. Los que tengan capacidad, o bemoles, para mantener el tipo en tanto llegue la cacareada ayuda del Gobierno, trabada en una burocracia obsoleta, o hasta que los ayuntamientos, principales deudores morosos, se dignen a cumplir con sus obligaciones. Les habrán llamado para reclamar los impagos, pero seguro que los concejales encargados de tus facturas pendientes, estaban de vacaciones, o comprando regalos, o turrón. Porque ellos sí que pueden.

OPINIÓN: Gianni está castigado y no puede salir a jugar.

Gianni está castigado y no puede salir a jugar.

gianni tosso

Érase una vez, en un remoto lugar de lo más profundo de la comarca, un bosque cuyas raíces sobresalían del suelo por la imposibilidad de éste de contenerlas por mucho más tiempo, amenazando incluso con romper el equilibrio natural de aquel bosque, que había sobrevivido a mil y una pruebas que el destino le puso a lo largo de los siglos.
En el bosque aquel vivían en paz, toda la paz que pueden mantener entre sí omnívoros y carnívoros, un innumerable número de especies, algunas de las cuales se consideraban extintas en otros lugares del país. Y entre las especies animales que habitaban el bosque existía una variedad de cerdo bípedo que había desarrollado la capacidad de emprender iniciativas de la más variada índole, individual y grupalmente. Vivían en paz con el entorno, tratando siempre de mantenerlo en las mejores condiciones para que, de esa manera, la vida continuara desarrollándose tan plácidamente como lo había hecho hasta entonces.
Moradora también de aquel enorme espacio era una especie de lobo de aspecto amable y bonachón, de estilizada figura y cuidados modales. Al amparo de las leyes dictadas para evitar la desaparición de esta especie, cuya extinción pudo haberse producido de no haber sido convenientemente legislada su protección, la población había aumentado hasta niveles peligrosos para el equilibrio natural del bosque, provocando que la especie evolucionara de tal manera que los clanes acabaron agrupándose en castas y organizando una sociedad piramidal en la que unas castas gobernaban sobre otras.
La explosión demográfica, y sobre todo, la organización de estos, avivaron el temor que la especie porcina tuvo siempre a la cánida. Y los muy cerdos habrían logrado ser sedentarios de no haber sido porque la presión demográfica de la población de lobos trajo como consecuencia directa la invasión de las parcelitas en las que los marranos desarrollaban su existencia, teniendo que huir constantemente de las dentelladas, el acoso y las rapiñas con que eran asediados, convirtiéndose de ese modo en la primera especie porcina nómada.
Tanta presión tanta presión hubieron de soportar los cerdos bípedos que habían desarrollado la capacidad de emprender iniciativas de la más variada índole, que comenzaron a involucionar, de manera que dejaron de crear y de emprender y comenzaron a temerse los unos a los otros como yo os he temido, y se les empezó a olvidar que tenían la capacidad de andar sobre dos piernas, y una vez a cuatro patas se dedicaron a hozar y a gruñirse los unos a los otros como yo os he gruñido y a aislarse los unos de los otros hasta dejar de hacer aquellas actividades grupales que les socializaban, para convertirse en unos marranos egoístas pendientes únicamente de rebozarse en su propio barro.
Apercibidos los lobos del inesperado cambio de actitud de los cerdos, comenzaron a atacarles cada vez con más asiduidad y con mayor crueldad, convirtiéndoles en la especie despensa para la raza superior estructurada en castas, de estilizada figura y de modales cada vez menos cuidados que consiguieron convertirse en bípedos, logrando con ello que su preponderancia y su dominio sobre otras especies, sobre todo la porcina, ahora meramente de índole ganadera, estuviera fuera de toda duda.
Y así acaba la historia de una especie que pudo haber sido y no fue, que prefirió atacarse a sí misma, que se dejó arrastrar por la inercia hasta el fango, que abandonó la lucha antes de iniciar la batalla, conformándose, sólo por esconder su propia vergüenza, con su pequeña parcelita, que ahora defiende, con gruñidos, de las miradas codiciosas de sus congéneres. Y que hoy por hoy ha asumido que viviendo a cuatro patas se está cómodo y bien.
Y así comienza la historia de unos carnívoros despiadados que aprendieron a andar erguidos, a acallar a base de dentelladas los quejumbrosos gruñidos de unos puercos a los que antes o después acabaremos por ver extinguirse.

OPINIÓN: De una cultura de la uniformidad a una cultura de la diversidad.

De una cultura de la uniformidad a una cultura de la diversidad.
isabel delgado

La crisis financiera marca el fin de un modelo cultural cuya doctrina es el fundamento del libre mercado.
Noam Chomsky

Vivimos en una sociedad obsesionada con los grandes éxitos. Elaboramos y seguimos con atención las listas de libros más vendidos, las películas más taquilleras o los índices de audiencia de los programas de televisión. Sin embargo, la economía está cambiando y ya no se rige por estos varemos. El panorama de muchos sectores, sobre todo del entretenimiento y la cultura, ha cambiado de tal forma que estamos en un entorno que ya nada tiene que ver con el de hace cinco años.
Todos hemos conocido la noticia de Russian Red, una joven madrileña que comienza colgando sus canciones en MySpace y consigue convertirse en un producto musical de éxito internacional. Este y otros casos de artistas descubiertos en la red, se deben a un cambio importante en los modelos de negocio de muchos sectores, pero es en el ocio y la cultura donde se aprecia más acusado.
Las nuevas tecnologías han permitido a los consumidores tener acceso a un sinfín de productos que sería impensable encontrar en una tienda o en un centro comercial por grande que sea. La reducción en los costes de almacenamiento y distribución que permiten las nuevas tecnologías y el fácil acceso a la información convierten a este modelo de negocio en un éxito asegurado.
¿Estamos asistiendo al fin de la cultura de masas? ¿Vamos hacia una sociedad donde la publicidad ya no dicta la demanda? ¿Donde triunfa la diversidad?
Actualmente sabemos que los gustos de la gente han sido forzados a concentrarse en unos pocos grupos musicales, productos de consumo y hobbies, pero que los intereses de las personas son mucho más variados de lo que pensaba el mercado. En la era de Internet por fin nos podemos explayar libremente. Es el ascenso del frikismo, el triunfo de los raros.
Las ventas ya no son lo que eran y ello debido a la inclusión de Internet que ha hecho posible que una suma agregada de artículos que se venden en pequeñas cantidades pueda sumar más que los productos superventas. El análisis del consumo de películas, libros y música, muestra cómo Internet ha hecho posible un nuevo mundo, en el que la combinación de ventas modestas y títulos minoritarios iguala las ventas de los grandes títulos.
Las consecuencias económicas son considerables. Se pueden vender más productos durante más tiempo a un mayor número de gentes. Las implicaciones sociales y culturales, sin embargo, son tal vez mayores. De una cultura moldeada por el mercado de masa estamos pasando a un mercado de nicho, verdadera explosión de diversidad.
Hoy día existe un acceso directo e ilimitado a la cultura y a los contenidos de todo tipo, cada vez menos dominado por los grandes medios de comunicación.
La TV puede transmitir un programa a millones de personas con una eficiencia inigualable pero, sin embargo, no puede transmitir un millón de programas a una persona. Algo que Internet hace de lujo.
Se está produciendo, también, una democratización de las herramientas de producción. Y no se limita a un campo en concreto, sino que se expande a sectores como la música (con los programas domésticos de creación y producción), cine (con la proliferación de las videocámaras digitales y los programas de edición electrónica), el periodismo (con los blogs), etc. La principal consecuencia de todo esto es que los consumidores han pasado de ser pasivos a activos, de simplemente consumidores a también productores. Todo ello derivará en un crecimiento de productos creativos a un ritmo jamás imaginado.
Esto es lo que explica Chris Anderson en su libro La larga cola. El futuro de los negocios está en vender menos de más. Las largas colas no son previamente filtradas por los requerimientos de la distribución ni por ninguna de las personas involucradas (las editoriales, los ejecutivos de los estudios cinematográficos, los cazatalentos, los gerentes, los políticos). Si la elección de estos intermediarios decidía antes qué era bueno o no, qué era arte o no, quién debía estar y quién no, en este nuevo paradigma cada nicho selecciona en función de sus necesidades, produciéndose la entrada en el mercado de nuevos productos culturales, existiendo más variabilidad y flexibilidad para aquellos productos minoritarios.