PREMIOS OH! DE LAS ARTES ESCÉNICAS DE ASTURIAS

PREMIOS OH! DE LAS ARTES ESCÉNICAS DE ASTURIAS


La Asociación de Compañías Profesionales de Teatro y Danza de Asturias (ACPTA) convocan los Premios Oh! de las Artes Escénicas de Asturias, con los que pretende reconocer anualmente el talento de los profesionales de los escenarios asturianos.

Los Oh! tendrán ocho categorías, siete de ellas a concurso: Mejor Espectáculo, Mejor Espectáculo Infantil, Mejor Dirección, Mejor Intérprete Masculino, Mejor Intérprete Femenino, Mejor Autor o Coreógrafo y Mejor Profesional, abierto a otras secciones, como escenografía, vestuario, iluminación, caracterización… El galardón fuera de competición, el Premio Oh! de Honor, será otorgado por la asociación a la persona o compañía que destaque por su relevancia o trayectoria profesional.

Los galardones Mejor Espectáculo y Mejor Espectáculo Infantil optarán, en representación de Asturias, al premio Revelación de los Max, galardones que anualmente entrega la Sociedad General de Autores y Editores y la Fundación Autor.

A estos galardones podrán concurrir las empresas productoras o compañías profesionales de danza y teatro de Asturias y todos los espectáculos deberán haber sido exhibidos en los escenarios asturianos. Un jurado formado por tres personas relacionadas con el ámbito de las artes escénicas será el encargado de elegir a los mejores del año.
El acto de entrega de esta primera edición se celebrará en el Teatro Jovellanos de Gijón el viernes 5 de febrero de 2010. ACPTA pretende convertir la gala de entrega de los Premios Oh! en una gran fiesta en la que no sólo se celebren los galardones que se entreguen esa noche, sino que se convierta también en el gran encuentro anual del teatro y la danza asturianos.
La iniciativa de ACPTA está presente en otras comunidades autónomas, como los Réplica (Canarias), María Casares (Galicia), los Jara de Teatro (Extremadura) y los Premis Butaca de Teatre de Catalunya, entre otros. Los Premios Oh! siguen también la estela de galardones internacionales que estimulan y premian el trabajo de los profesionales del teatro y la danza como los Max en España, los Molière en Francia, los Olivier en Gran Bretaña o los Tonys de Broadway.

LOS PREMIOS OH! RECIBEN MÁS DE 120 CANDIDATURAS

La Asociación de Compañías Profesionales de Teatro y Danza de Asturias (ACPTA) ha recibido más de 120 candidaturas en la primera convocatoria de los Premios Oh! de las Artes Escénicas de Asturias, con los que pretende reconocer anualmente el talento de los profesionales de los escenarios asturianos.

Diecinueve espectáculos de dieciséis compañías profesionales asturianas aspiran al menos a uno de los siete premios de los Oh!, que corresponden a las siguientes categorías: Mejor Espectáculo, Mejor Espectáculo Infantil, Mejor Dirección, Mejor Intérprete Masculino, Mejor Intérprete Femenino, Mejor Autor o Coreógrafo y Mejor Profesional, galardón abierto a otras ramas de las artes escénicas, como la escenografía, el vestuario, la iluminación, la caracterización o la música original, entre otras.

Las compañías que han presentado candidaturas para la primera edición de los Oh! son las siguientes:
· A Costu Baxu Teatru (“Caleya urbana”)
· El Callejón del Gato Producciones (“La cabeza del dragón”)
· Factoría Norte (“Almaelectra” y “Kuzbú”)
· Fridonia Producciones (“La gran carrera”)
· Higiénico Papel Teatro (“Una casa”)
· Kalatos Producciones (“Convoy de los 927”)
· Konjuro Teatro (“Asturiestein”)
· La Tejedora de Sueños( “Cartas de amor a Stalin” y “Tic-tac”)
· La Vereda Teatro (“Una guerra en mi habitación”)
· Producciones Nun Tris (“Iphigenia”)
· Teatro Demente (“Así hacen todas” y “Sospecho que mi marido es una planta”)
· Teatro Margen (“Tartufo o el hipócrita”)
· Teatro del Norte (“Vania”)
· Teatro Pausa (“¿Y qué más te ha contado Donal?”)
· Teatro Plus (“El tiempo perdido”)
· Zig-Zag Danza (“Future Archeology”)

De los 19 espectáculos que competirán en esta edición, sólo cuatro aspiran al galardón al Mejor Espectáculo Infantil. El resto son candidatos al Mejor Espectáculo. Y todos optarán, en representación de Asturias, al premio Revelación de los Max, galardones que anualmente entrega la Sociedad General de Autores y Editores y la Fundación Autor.

En cuanto al resto de premios, la primera edición de los Oh! ha recibido 15 propuestas para el galardón de Mejor Autor o Coreógrafo; diecinueve directores competirán en su categoría; veintitrés actrices y bailarinas optarán al de Mejor Intérprete Femenina, y otros veintitrés actores y bailarines, al de Mejor Intérprete Masculino. Por último, para el Oh! al Mejor Profesional Vinculado se han presentado veintidós candidaturas.

El jurado de la primera edición de los Premios Oh! está formado por tres profesionales muy implicados con las artes escénicas de la comunidad desde hace años. De todas las candidaturas presentadas, el jurado elegirá tres finalistas por categoría.

Los galardones cuentan también con un premio fuera de competición, el Oh! de Honor, que será otorgado por ACPTA a la persona o compañía que destaque por su relevancia o trayectoria profesional.
El acto de entrega de esta primera edición se celebrará en el Teatro Jovellanos de Gijón el viernes 5 de febrero de 2010. ACPTA pretende convertir la gala de entrega de los Premios Oh! en una gran fiesta en la que no sólo se celebren los galardones que se entreguen esa noche, sino que se convierta también en el gran encuentro anual del teatro y la danza asturianos.

EDITORIAL 011

Acabó, por fin, todo el ajetreo de compras, comidas, compras, regalos, compras, cenas, compras a crédito...
Los afortunados a quienes no les temblaba el pulso al firmar las compras a cargo de la tarjeta de crédito seguramente aún tienen esperanza, pero a quienes la tarjeta ya sólo nos servía para mantener la cartera almidonada estamos viendo venir la pendiente de enero, y la de febrero, y la de marzo...
Afortunadamente la economía está repuntando, en Islandia, claro, porque peor no les podía ir. Lo que es aquí, siendo optimistas, les deseamos un feliz y próspero 2011.

Nos encontramos con Menia Martínez, una dama de la Danza que tiene en su mirada algunos de los recuerdos más importantes de la historia de esta disciplina, y, como son tantos, nos los desvela en dos partes. Estuvimos en la Gala de los Premios Réplica de las Artes Escénicas Canarias, mucho más que una simple entrega de premios, que ha conseguido unir a cuantos rondan en torno a las artes escénicas, público incluido. Hablamos con Esther Ovejero a quien siempre apetece oír cantar.

Les presentamos a Robó. Otro con una visión curiosa de las cosas. Porque más extranjero no se puede ser. Y les aconsejamos leer atentamente el plan de marketing de guerrilla que nos propone el experto en el tema, Isaac Belmar.

Bienvenidos a enero y febrero. Confiamos en que los reyes hayan sido muy generosos. Disfruta de la edición 011 de la Revista Anteojos. PUNTUALES. Y sencillos.

Estuvimos en la Gala de los Premios Réplica 2009

Estuvimos en la Gala de los Premios Réplica 2009

Llegamos temprano para recoger las acreditaciones de prensa y tomarnos un café en la terraza que se abre como un balcón al horizonte del nordeste. Poco tiempo después comienzan a llegar invitados.
Entramos imaginando encontrarnos la típica y, a estas alturas, manida alfombra roja, de hecho, nos reíamos imaginando encontrarla cuando dejamos el coche en los aparcamientos habilitados para la ocasión. Pero casi nos decepcionó no encontrarla al llegar. Y para sorpresa nuestra, apareció ante nuestros ojos al doblar la esquina que lleva a la entrada del auditorio. Volvimos a reír. Ahí está, dijimos, y acto seguido nos tragamos lo dicho, porque lo que vimos fue a una actriz, convenientemente iluminada y armada de agujas, tejiendo la alfombra sobre la que pisábamos, nos miró con un claro gesto que venía a decir algo así como: Estamos en ello, y saliendo de la alfombra nos quedamos observando cómo seguía impasible con su acción.
A las ocho y media en punto se abrieron las puertas para que toda la gente que esperaba entrar se fuera acomodando. Entre tantas caras conocidas, echamos de menos muchos rostros de gente de la profesión, y aunque es cierto que en una sala de trescientas localidades no cabrían todos los que se dedican a las artes escénicas, esperábamos ver a los habituales de los saraos escénicos.
Con la acreditación de prensa colgada al cuello, nos fuimos a la sala de medios, le dimos un repaso a los canapés y decidimos ver la gala en directo, y no a través de los monitores. Nos sentamos en la parte más alta del auditorio y nos dedicamos a observar el escenario, sobrio y elegante, con una gran e color naranja al lado de un uno aún mayor. No fue difícil entender la simbología del asunto.
Entran las autoridades y reconocemos a los máximos responsables de las áreas de cultura de los cabildos insulares más importantes, al alcalde de Tacoronte, municipio que acoge el evento, y al Viceconsejero de Cultura del Gobierno canario. Nos llevamos un pequeño chasco, porque esperábamos ver aparecer a la plana mayor: presidentes y consejeros, apoyando un acto de esta embergadura.
Ocho minutos antes de las nueve de la noche, irrumpe en el escenario el grupo Maracatú, con una sonora batucada que hizo las veces de timbre de aviso, sólo que uno y contínuo. Y a las nueve en punto comienza la gala, tal y como nos habían anunciado. Agradecemos la puntualidad y nos disponemos a no perder detalle, para tener qué criticar luego.
Comenzamos viendo una divertida animación en la que un simbólico ser humano sube una escalera, no sabemos si con la intención de recoger uno de los galardones, y acaba perdiendo la cabeza, en forma de e con tilde, que va a parar al logo de Réplica.
Poco después aparece la presentadora, la televisiva Yaneli Hernández, y cuando quisimos darnos cuenta ya había acabado la gala. En un suspiro se nos pasó.
La presentadora estuvo ágil y resolutiva, e hizo gala del humor al que nos tiene acostumbrados en el conocido programa de televisión en el que trabaja. Parecía representar el papel de presentadora que quiere acabar prontito para poder irse a cenar. De hecho, suponemos que estaba preparado, despidió la gala a los quince minutos de haber comenzado, para, cambiando de tarjeta, pedir perdón a la audiencia.
La conocida voz del actor Juancho Aguiar, leyó un manifiesto en el que la Asociación de Empresarios que promueve los Réplica, y que lleva el mismo nombre, agradecía, conciliaba, invitaba al diálogo y a la participación entre los motores de la cultura para dar al sector lo que busca y necesita: estabilidad.
Los espectáculos, breves, o al menos lo parecieron. Algunos de ellos, como parte de la alegoría de la gala, entregaron las estatuillas de algunas categorías. Fue el caso del circo: un espectáculo de telas delicioso, de manos de Circodedos; la danza, una versión de la muerte del cisne puesta en escena por Ballets de Tenerife, y su bailarín estrella Sergio Pérez; el teatro, a cargo de Troysteatro, que puso en escena el momento del secuestro de Don Luis Mejía, ordenado por Don Juan Tenorio; y los títeres, sin duda alguna lo mejor de la velada. Ignoramos de quién sería obra el guión, pero los diálogos entre el argentino convencido de ser un ente autónomo y la serenidad del castellano consciente de ser un títere, fueron brillantes.
Los técnicos también tuvieron su momento en la gala, cuando uno de los regidores sale a la platea para elegir a dos personas del público para que éstos entregasen las estatuillas a los mejores intérpretes, tanto masculino como femenino.
El resto de actuaciones corrieron a cargo de I+D Danza, brillante y temperamental y de Teatrofia, que logró que la audiencia riera a carcajadas tras el Premio de Honor.
Genial y divertidísimo el papel que jugó la azafata que entregaba los sobres y los premios. Al final preguntamos por ella. Es actriz. Judith Arvelo, se llama.
Comedida, y justificada, la participación de los políticos en el acto. Lo decimos porque suele ser habitual que en actos como este, sean legión los políticos que suben al escenario. A lo largo de la gala de Premios Réplica 2009 subieron tres: Luz Caballero, Consejera de Cultura del Cabildo de Gran Canaria, que entregó el premio a la Mejor Coreografía, galardón apadrinado por esta institución; Cristóbal de la Rosa, Coodinador General de Cultura del Cabildo de Tenerife, entidad que entrega el premio a la Mejor Autoría Teatral; y Alberto Delgado, Viceconsejero de Cultura del Gobierno de Canarias, que entregó el premio al Mejor Espectáculo.
En cuanto al premio de Honor que concede la Asociación de Empresas organizadora de los Réplica, fue entregado por su vicepresidente, José Pedro Hernández.
Nos pusimos a contar y nos pareció que faltaban cosas: más categorías, separar los espectáculos infantiles de los adultos, no meter en el mismo saco la danza y el teatro... pero una vez releído el manifiesto que aparece en el catálogo de la gala, casi entendimos el porqué del asunto.
Todo acabó como acaban estas cosas: música potente y mucho confeti, para que tenga más trabajo el o la encargada de limpiar al día siguiente.
Lo peor, en nuestra opinión, el vacío que pretende hacerse a un acto arriesgado y de gran valor para la profesión y que se lee entre líneas vista la ausencia de algunos. Lo mejor, que por fin alguien ha tenido el valor y la capacidad organizativa para reconocer, por primera vez, en la historia de las artes escénicas canarias, el buen trabajo de las empresas del sector en el Archipiélago.
Enhorabuena al director, aunque francamente, la gala tal vez fuera lo de menos, lo de más, es que alguien sentara las bases como es debido.

ENTREVISTA: Esther Ovejero, presenta su segundo disco: Historias compartidas.

Esther Ovejero, presenta su segundo disco: Historias compartidas.

Hacemos la entrevista por móvil. Ella está en Las Palmas, donde ha ido a grabar un videoclip para una canción de otro grupo con el que ha colaborado, y de paso aprovecha las navidades para regresar a Canarias y tomarse unos días de descanso entre Las Palmas y Tenerife. Tiene poco tiempo antes de marcharse y hay que optimizarlo: playa, ver a la familia, salir un rato con los amigos. Precisamente mientras hablamos está en casa de uno de ellos, preparándose para salir a cenar con otros. Empezamos con la entrevista y acabamos hablando de otras cosas, de otra gente, de otro tiempo. Y dejándole un buen aguinaldo a la compañía de teléfonos.(J.L. Moreno)

Háblame de ‘Historias compartidas’.
Es un disco que he tardado bastante en acabar. Como yo estaba en Barcelona y lo grabé en el estudio de Kike Perdomo, en Tenerife, teníamos que encontrar hueco para grabar, que no tuviera conciertos, que Kike tuviera el estudio libre, y era difícil. En principio iban a ser ocho temas, pero al final compuse dos que me gustaban y los quise incluir. Así que hay diez temas en el disco. Siete son propios y hay tres que no lo son. Uno es de Altraste, Canción de Invierno, una versión con contrabajo, piano de cola y batería. Es una canción muy bonita que tenía muchas ganas de grabar. Los otros dos son versiones de temas muy conocidos: Every breath you take, una versión sólo con bajo eléctrico, a dúo con Charlie Moreno, esa se puede escuchar en mi myspace, y el Imagine, de John Lennon. El resto de los temas es mío. Y hay de todo un poco.

¿Los músicos?
Kike Perdomo, productor también, que grabó los saxos, la mayor parte de los bajos los grabó Martín Leiton, la batería Dimas Machado, los pianos David Quevedo y guitarras hay pocas, algunas las grabó Kike, y los contrabajos son de Paco Perera.

¿Y qué vas a hacer con él, me refiero al disco, lo vendes, lo cuelgas en Internet y que se lo descarguen?
Las dos cosas. Lo voy a poner a la venta en Internet. Seguramente, como he hecho con el primero, con una compañía que se llama La Cúpula. La gente lo puede comprar a través de la web. Y también lo venderé en los conciertos.

¿Te importaría que te lo piratearan?
Hombre, no me gustaría. Preferiría que me ayudaran, pero porque no tengo discográfica detrás y pago yo la edición de los discos.

¿Y para cuándo un concierto de presentación?
Seguramente haré algún concierto, con Xenox Producciones, con los que estoy trabajando ahora. Supongo que a partir de febrero ya tendremos la fecha y el lugar. Espero hacer alguno por Tenerife, Gran Canaria y en otras islas. En Barcelona probablemente también. Intentaré que sea en alguna sala grande. En Luz de gas, que trabajo allí. O en el Jamboree. Pero todavía no tengo nada concreto hasta que Kike termine las mezclas y salga el disco.

¿Qué tiene Barcelona que no tenga Tenerife?
Que curro todas las semanas. Tengo un sueldo a fin de mes por cantar en dos locales fijos. Aparte de mis conciertos ocasionales. Vivo exclusivamente de la música. Y vivo bien. Y hay muchísimos canarios y les va bastante bien. Creo que el nivel de los músicos canarios es muy bueno, que donde quiera que vamos dejamos la marquita. De todas formas, si me va muy bien a la larga, que espero que sí, y puedo vivir de conciertos grandes con mi grupo, y tengo bastantes bolos por ahí, seguramente volveré a Canarias, que es donde me gustaría vivir.

Tú has cantado de todo. ¿Con qué estilo de música te sientes mejor?
Depende del momento, de cómo tenga la voz, de los músicos, de muchos factores. La verdad es que he cantado casi de todo. Ahora estoy cantando bastante rock con mi grupo, porque los temas en directo son bastante roqueros. Creo que lo que prefiero ahora mismo es cantar mis canciones. Me siento muy bien, me gusta mi nuevo grupo y parece que se está moviendo bien y a la gente le gusta. Y, por otra parte, el otro día en el Leal, cantando jazz, estaba muy cómoda con el grupazo que tenía. Y me gustó mucho. Depende del momento.

Después del camino recorrido, ¿hay algo que no volverías a hacer?
Bastantes cosas. Por ejemplo, cuando empecé cantaba en fiestas chungas o en salas de fiesta, así, para bailar, en plan orquesta. Eso no lo haría ahora. Tampoco cantaría por menos de una cantidad de dinero determinada. Y gratis ya no canto. A lo mejor yo podría ir gratis a algo benéfico, por ejemplo, pero los músicos que me acompañan tendrían que cobrar. No sé, muchas veces los empresarios se piensan que el trabajo nuestro no es un trabajo, sino que vamos por amor al arte. En Canarias por ejemplo, según me han dicho, porque yo últimamente no estoy cantando mucho por allí, por lo que se ve pagan casi menos que cuando yo estaba. Y no sólo en Canarias. En todos sitios. En Barcelona también hay locales que cada vez pagan menos. No sé, supongo que como la música es algo divertido parece que no es un trabajo sino que lo haces porque te diviertes, y ellos piensan que te están dando la oportunidad de dejarte un hueco en su local para promocionarte. Y detrás de un concierto hay horas de trabajo, y años. Si quieren algo que valga la pena tendrán que pagarlo.

Hay músicos tocando en la calle que no parecen peores que los que llenan estadios. ¿Quién decide quién va a cada sitio?
La verdad es que no tengo ni idea de quién decide eso. ¿Qué es algo comercial? Lo que se vende, ¿no? Si una discográfica, ya sea porque eres bueno, porque eres primo del dueño, o por lo que sea, te pone el disco muchas veces y la gente lo escucha, por lo menos puede decidir si le gustas o no. Pero si hay músicos que no tienen la oportunidad de ser escuchados en la radio ni nada, la gente no sabe.

¿Algún otro proyecto?
Me gustaría hacer un videoclip con algún tema de este disco. Y tengo algunos temas nuevos y pienso ya en el tercer disco. Me gusta mi nueva banda. Son todos argentinos. Y creo que el próximo lo haré con ellos. También me han propuesto grabar varias cosas. Vamos a ver.

ENTREVISTA: Menia Martínez, historia de la Danza de primera mano. (I)

Menia Martínez, historia de la Danza de primera mano. (I)

Esta cubana internacional, ha sido maestra de compañías como la Ópera de París, el Royal Ballet de Londres, la Scala de Milán, y otras. Esta maestra de maestros nos ha dado la oportunidad de tomar lecciones de historia de la Danza de primera mano, es como si María Antonieta nos hubiera contado el estallido de la Revolución Francesa, no tiene precio. (Sergio Pérez)

¿Cuál fue el camino a seguir para pasar de Cuba a Leningrado? Supongo que no le iba de paso.
No, cuando yo salí de Cuba no iba a Rusia, iba a un viaje de jóvenes por Europa, yo era adolescente. Mis padres pensaron que sería bueno conocer París, donde por casualidad estaba bailando la compañía del Teatro Bolshoi. Conseguí una prueba y me dijeron que por ellos estaba bien, pero que tenían que consultar con el Ministerio de Cultura de la URSS. La beca tardó mucho en llegar, pero finalmente un traductor me entregó un telegrama que decía: “Usted se va a ir a la escuela Vagánova”.

¿Cómo fue la integración con los compañeros y en la escuela?
Al principio no me integraba en la escuela de ballet, vivíamos en un internado que estaba al lado de la escuela, los chicos en el piso de arriba y nosotras abajo, en una habitación con cuatro camas. También me pusieron una profesora de ruso que no sabía nada de español, por lo que las clases eran a base de pantomimas, todo muy cómico.

Supongo que extrañaría mucho su tierra.
Yo al principio lloré mucho, sí que extrañaba a mi familia, soñaba con las palmeras y el mar, con el malecón de La Habana. Para mí fue un gran cambio, otras costumbres, otra comida, todo era diferente. Pero gracias a la convivencia con los alumnos que eran muy cariñosos fue todo más fácil, me decían que con la maestra de ruso no aprendería nada, que donde aprendería sería con ellos en la calle, como en el cine, que me ayudó mucho. Pasaron cinco años antes de volver a Cuba, pero no era sólo un tema de clima, de hecho recuerdo el primer día que vi nevar, estaba en clase de ruso, dejé los libros y bajé, toda la escuela se asomaba en la ventana para ver a la cubana comerse la nieve, y por supuesto me enfermé de la garganta.

¿Cómo conoció a Nureyev? ¿Cuál era su relación?
Durante mi segundo año llegó Nureyev a la escuela con 16 años y lo examinó el marido de mi maestra. Tuve la suerte de poderla acompañar y me acuerdo perfectamente que salió y le dijo a su mujer: Me da la impresión de que es el nuevo Nijinsky.
Ese año fue muy bueno porque también estaba Natalia Makarova, con la que tuve una gran relación y al mismo tiempo Vladimir Vasiliev y Ekaterina Maximova en Moscú. Ese mismo año se graduó también Alla Sizova, fue una buena promoción. Cuando llegó Nureyev, mi vida cambió un poco. Era una persona con gran avidez de conocimiento, le gustó mucho la familia de científicos amigos míos y empezó a tener también como amistades a gente muy culta, solíamos comer juntos y pasar largas veladas muy interesantes. Dos o tres años después, Nureyev se graduó junto con otros bailarines. Durante este tiempo nos hicimos grandes amigos, hasta tal punto de que cuando el director tenía algún problema, y como le tenían miedo, venían a mí a decirme: Le puedes decir a Rudy… tal y tal cosa. Porque aunque dicen que a Rodolfo le cambió el carácter al llegar a occidente, siempre tuvo un humor fatal.

¿Cómo fue el momento de la despedida tras esos cinco años?
Pues sí, llegó el momento de irme a casa, el director de la compañía me dijo que le pidiera a Nureyev que por favor no me acompañara, ya que tenía ensayos importantes con Natalia Dudínskaya, y él me contestó: Te prometí que te acompañaba y te acompaño. Yo tenía que coger un tren hasta Moscú para tomar allí el vuelo, todo el mundo se extrañó de que Nureyev no apareciera por ningún sitio. En cuanto el tren arrancó, Rudy salió del baño, había sobornado al acomodador para poder colarse y esconderse, para viajar conmigo hasta Moscú y se despidió como me había prometido.

¿Cuánto tiempo paso hasta volveros a ver?
Unos años después, el Ballet de Cuba estaba en el Teatro de los Campos Elíseos de París. Yo estaba en el escenario y alguien se acercó y me dijo: Creo que Nureyev está allí arriba. Una señora me entregó discretamente una nota que decía: ¿Podías venir al hotel de al lado del teatro? Porque te quiero ver.
Al llegar, Rudy estaba esperando en la puerta del hotel, cogimos un taxi y me llevó a cenar al Maxim’s. A las cinco de la mañana, me dejó en el hotel, no sin antes ofrecerme varias veces irme con él y dejar el Ballet de Cuba. Nos despedimos con un beso en la boca, como es tradición en Rusia, incluso entre hombres, y tras entrar me preguntó el portero: ¿Ese era el señor Nureyev verdad? y yo respondí orgullosa: El mismo.

CONTINUARÁ

sólo para profesionales

sólo para profesionales

isaac belmar

El plan de marketing de guerrilla.

He aquí una aproximación simple y efectiva al tema del plan de Marketing. Es el enfoque que se le da en el Marketing de Guerrilla y, como todo en esa filosofía, es sencillo y al grano.

Cuando a uno le cuesta más completar el plan de Marketing que ejecutarlo en la práctica es que algo está fallando. Si un plan es demasiado pesado, demasiado engorroso y demasiado suplicio es que algo falla.
Es un enfoque personal, pero la realidad que he visto durante mucho tiempo es que si nos vemos inmersos en esa situación tenemos que ser conscientes de que la mayoría de esas veces el plan nos va a ser poco útil, aunque sólo sea por la manía que le pillaremos. Así que para remediarlo vamos a ver cómo enfoca el Marketing de Guerrilla el tema del plan, ya que resulta sencillo, adecuado especialmente para el pequeño y mediano empresario y, sobre todo, suele ser muy útil en la práctica.
Normalmente un plan de Marketing de Guerrilla consta de siete preguntas. Eso es, siete, no más, pero la efectividad y utilidad de este acercamiento radica en que son siete preguntas cruciales. Si tenemos una buena respuesta para ellas, tenemos un buen plan porque habremos resuelto las cuestiones principales que realmente importan.
A quien sea asiduo de la obra de Jay Conrad Levinson (el padre del Marketing de Guerrilla) ya le sonarán, para los que no, vamos a ver cuáles son y lo que significan.
Pregunta 1.- ¿Cuál es el propósito de nuestro Marketing?
Comenzamos el plan por la base, cuáles son los objetivos que pretendemos conseguir. Si no sabemos lo que queremos, no debe sorprendernos que no lo consigamos. Por eso el primer paso es establecer unos objetivos claros y específicos.
Pregunta 2.- ¿Cuál es el mercado objetivo?
Muchas pymes optan por responder a esta pregunta con un “todo aquel que me pueda comprar”, pero la realidad es que intentar vender a todo el mundo termina con un “no venderle a nadie”.
Debemos definir bien cuál es nuestro mercado o, si no, cuando realicemos nuestros materiales de Marketing, van a resultar difusos y poco efectivos porque intentaremos hablar para demasiados y no convenceremos a ninguno.
Pregunta 3.- ¿Cuál es nuestro nicho en el mercado?
El 99% de las pymes se ve sometido a competencia, es una realidad de la que no se puede escapar, con lo cual ya no basta ser buenos sino especializarnos en algo, en un segmento de mercado al cual tenemos que suplir mejor que los demás.
Las claves aquí son:
- Encontrar un nicho o segmento del mercado lo bastante rentable.
- Que sea un nicho en el que podamos especializarnos, idealmente por especial afinidad con ellos (por ejemplo, si somos una empresa de tecnología quizá sea buena idea enfocarnos a otras empresas de tecnología que no sean reacias a adoptar nuevos productos y entiendan fácilmente cómo usarlos).
- Convertirnos en los mejores para ese nicho concreto.
La gente cuando quiere algo quiere al mejor, no a uno que parece medianamente bueno en muchas cosas, por eso es importante buscar un nicho y ser los reyes en él, los que entienden y satisfacen a esos clientes concretos mejor que ningún otro.
La combinación de ser los expertos en un nicho y luego desarrollar una buena estrategia de gestión de clientes en ese nicho son las claves para una rentabilidad duradera.
Pregunta 4.- ¿Cuál es nuestra ventaja competitiva?
Si no hacemos algo mejor que los demás ¿por qué van a tener los clientes un incentivo para elegirnos? Debemos dar algo que los demás no dan, debe ser relevante y definirlo concretamente en esta parte del plan.
Pregunta 5.- ¿Cuál es nuestra identidad?
¿Somos los más rápidos? ¿Los de mejor precio? ¿Los que siempre están a la última en innovación o los que tratan a sus clientes mejor que nadie y de manera más personal?
Tenemos que tener identidad propia, ser reconocibles y no una más entre las miles de empresas grises y parecidas que hay en el mercado.
Muy importante, definir nuestros rasgos propios, si miramos alrededor toda empresa de éxito tiene unos rasgos de identidad muy claros, es fácil definir los rasgos propios de, por ejemplo, Microsoft o BMW, pero al cliente le resulta muy difícil a veces definir en qué se diferencia una pyme de otra, porque la mayoría no se diferencia en mucho (entre otros muchos pecados capitales).
Labrarse una identidad es muy importante para que luego todas las acciones de Marketing sean coherentes y las refuercen y además se nos reconozca fácilmente por ser los rápidos, los eficientes, los fiables... y no uno más.
Obviamente esta pregunta y la anterior van de la mano.
Pregunta 6.- ¿Qué tácticas, estrategias y acciones vamos a utilizar para llevar a cabo el plan?
Si ya tenemos unos objetivos, un nicho, una identidad y una ventaja, ahora queda saber cómo vamos a llegar desde donde estamos hasta esos objetivos, mostrándonos ante el nicho y resaltando una identidad y una ventaja que sean atractivas.
En esta parte definiremos las acciones a tomar, cuándo se van a ejecutar y quién es el responsable, y las vamos a integrar en nuestra agenda.
Así, cuando llegue la fecha de cada una, podremos ver cómo van y que no se queden olvidadas en la estantería junto con el resto del plan.
7.- ¿Cuál va a ser el presupuesto de Marketing?
Esta pregunta no es más que traducir en números lo anterior, es decir, definir bien cuánto nos va a costar lo que hemos detallado en la anterior pregunta.
Y ya está. Es mucho más práctico dar buenas respuestas a estas siete preguntas que rellenar como podamos incontables apartados de algún complejo modelo visto en algún lado.
Planificar es una herramienta que nos tiene que ayudar a conseguir objetivos, el plan debe ser como un mapa de carreteras para el viaje y no un inconveniente que nos robe tiempo y luego no sirva para nada.

OPINION: Opiniones de un tipo que me presentaron el otro día.

Opiniones de un tipo que me presentaron el otro día.

rené gando


Opiniones de un tipo que me presentaron el otro día en un bar cuando le dije que un riesgo de mi profesión es que los ayuntamientos pagan con meses y a veces años de retraso.

Decía, por ejemplo, que le parecía muy raro eso de que existan ayuntamientos que no pagan las facturas por las actuaciones realizadas hasta muchos meses (y a veces años) después de haber realizado el servicio, porque evidentemente la gente que se dedica al arriesgado mundo de las Artes Escénicas tiene que comer y que vivir, como el resto de las personas, y que, puesto que el tendero, el panadero, el fontanero, la electricista, el colegio de los niños, el dueño del piso de alquiler o el banco en el que tienes la hipoteca, el gasolinero, el fulano del bar, el tipo de la tienda de ropa, el taxista y la señora que vende los cupones te cobran sobre la marcha y no permiten que les dejes a deber, digamos, un año, puestos así uno no podría vivir del Arte Escénico, y que, con todo lo que se apuesta por la Cultura desde las Instituciones, no se podría permitir que el grueso de los profesionales que la sostienen se viera en este irremisible peligro de extinción. Que eso demostraría una falta no sólo de respeto, que también, sino de adecuada gestión de los medios (humanos, en este caso) con que se cuenta para la promoción de la Cultura por parte de los gestores, concejales, interventores y tesoreros implicados (todos con sueldos que se pagan puntualmente cada fin de mes) y, en última instancia, una importante negligencia e ineptitud por parte de los mismos, y que eso no podía creerlo porque le constaba que todos estos gestores, concejales, interventores y tesoreros, eran gente muy capaz, realmente preocupada por la Cultura y respetuosa con los trabajadores y empresarios que la promocionan. Que el Gobierno se preocupa mucho por la promoción y difusión de la cultura en nuestra tierra. Que el importante gasto realizado en la creación de nuevos y grandísimos espacios (anteponiéndolo a otros gastos, de necesidades sanitarias por ejemplo) o las reformas de algunos teatros, para dejarlos en condiciones agradables, eran otros ejemplos de ese interés por lo cultural. Que no veía ningún favoritismo por algunas compañías de renombre frente a las locales, que si se les daba mucha publicidad era porque se trataba de gente famosa, que salía en televisión y todo, porque eran muy buenos, y que todo el mundo debía de enterarse de que venían, porque también habrían costado un pico. Que, al fin y al cabo, las compañías famosas trabajan aquí menos que las locales y que, a la postre, se les hace un volumen equivalente de publicidad y difusión a ambas. Y que las que no trabajan mucho es porque seguro que no tienen la calidad suficiente, porque el dinero tampoco es ilimitado y lo que se contrata es lo que vale, que la calidad es el criterio de contratación, vamos.
Dos horas estuvimos hablando. Y para terminar, para rematarla, al final me dice que me deje de bobadas y que, en cualquier caso, si realmente las compañías tuviéramos problemas, seguro que sería algo del dominio público porque, al tener todas intereses parecidos, seguro que nos llevamos todos bien y probablemente tendremos un sindicato o una asociación o algo así con que pelear por nuestros derechos y nuestras aspiraciones.
Si tienes oportunidad deja que uno de estos tipos que te presentan en un bar te cuente de qué va la cosa. No vas a tener problemas en encontrar a alguno. Es muy fácil. La calle está llena.

OPINION: El Robó y la década de los cyborgs.

Caroteno

Reir con Antonia Baehr.

Antonia Baehr, coreógrafa, directora, performer y realizadora berlinesa, pone en escena Reir (Rire, laugh), en la Sala Triángulo, en Madrid, los días 29, 30 y 31 de enero.
Basada en piezas de Naima Akkar, Lindy Annis, Bettina von Arnim, Antonia Baehr, Ulrich Baehr, Frieder Butzmann o Valérie Castan, entre otros, Rire, laugh es una performance sobre la risa. Antonia Baehr explora este elemento como una entidad en sí misma, dentro de los límites de la música, la coreografía y el teatro gestual. La pieza no pretende ser una comedia, pero la risa es contagiosa y, en ocasiones, negocia por su cuenta con el público al otro lado de la cuarta pared.
En su trabajo, Antonia Baehr no se atiene a las normas preestablecidas. Su método implica una colaboración con múltiples personas, empleando un juego estructurado en el que convergen diferentes reglas. Así, de modo aleatorio, en sus piezas cada persona tiene la oportunidad de ser director, autor y performer en consonancia con otro colaborador. Baehr ha trabajado junto a artistas como Lindy Annis, Gaetan Bulourde, Valérie Castan, Antonija Livingstone, Eszter Salamon, Tamar Shelef y William Wheeler.

Homo Magicus en Zaragoza.

El sábado 2 de enero, en el Teatro Municipal de Utebo, en Zaragoza, la compañía aragonesa de magia y teatro Civi-Civiac representa su espectáculo para todos los públicos Homo Magicus. Innovador y original, con gran poder estético y visual, los elementos escenográficos, la magia, los actores, el sonido y la iluminación, ofrecen al espectador una historia teatral integral, con los alicientes de la sorpresa y de la fascinación de los trucos de magia. Homo Magicus se plantea como un viaje en el tiempo.
Y el 3 de enero, la compañía estará en la Plaza de la Villa, en Ejea de los Caballeros, Zaragoza, con otras dos de sus obras: La feria de los inventos y La carpa mágica, ambas para todos los públicos. Un círculo mágico, cerrado y creado por los propios espectadores, es el escenario de la propuesta de teatro y magia que es la carpa. El público es cómplice y forma parte de la historia porque en esa carpa se hace magia en contacto directo con el público. La feria la componen 25 elementos diversos entre los que se cuentan mesas, artilugios de ingenio, inventos mágicos, cajas misteriosas, espejos surrealistas y caleidoscopios.

Espacioscuro conversa en Lagrada.

La compañía Espacioscuro pone en escena, entre el 7 y el 31 de enero, de jueves a domingo, en el Teatro Lagrada, de Madrid, Conversaciones en la oscuridad, de José Ramón Fernández, dirigida por Miguel Torres, producida por Lagrada e interpretada por Olga Martín, Nuria Garrudo, Arantza Admatud y Julia Quintana.
Conversaciones en la oscuridad son dos historias con la noche como elemento común, dos historias con la realidad del recuerdo y la posibilidad de un futuro, dos diálogos, dos conversaciones en la oscuridad.
Por un lado, Adela, en un bar, trata de sobreponerse y acercarse a la casa donde está Marta. Adela fue su criada y madrastra después. No fue un vínculo apacible. Ambas rememoran el pasado y constatan que lo único que tienen en común es la soledad. Ambas se necesitan. ¿Adela se acerca a la casa? ¿Marta se imagina a Adela? ¿Todo tiene lugar en la realidad o en la imaginación?
En la segunda historia, María vuelve a su pueblo después de diez años. En la estación del tren se encuentra con Irene que se marcha. Las razones por las que una se fue y la otra se va son las mismas. Los diálogos son reproches que se hacen la una a la otra para que una no se vaya y la otra no regrese. María podría ser Irene e Irene podría ser María.

El Teatro Lara tiene Piedras en los bolsillos.

El 14 de enero tiene lugar el estreno en Madrid de la obra Piedras en los bolsillos, una disparatada comedia de la actriz británica Marie Jones, en la adaptación de Juan Cavestany, con la dirección de Hernán Gené y las interpretaciones de Fernando Tejero y Julián Villagrán. Está producción de Lazona y Mesala estrenada el pasado octubre permanecerá en cartel en el Teatro Lara desde el 14 de enero hasta el 21 de marzo, a donde llega tras haber pasado el día 9 de enero por el Teatro Concha Segura, de Yecla, Murcia.
En esta historia “sobre la dignidad humana” y “la importancia del actor como eje de la acción teatral”, un pueblo pequeño recibe la filmación de una película, con toda la logística que acompaña a una productora de cine. Todo ello generará una serie de situaciones delirantes que harán que su vida cambie por completo.
Según Hernán Gené, director de la obra, Piedras en los bolsillos es una obra teatral, una reivindicación del actor como eje indiscutido del hecho teatral. Así es como los dos actores se desdoblan en una enorme cantidad de personajes sin más armas que su propio cuerpo. Un hermoso desafío para todo actor y a la vez un bellísimo homenaje a la esencia del teatro: el actor.

Muda, en el Teatro Pradillo.

La compañía Pablo Messiez, de Argentina, presenta el estreno absoluto de su obra Muda, entre el 8 y el 17 de enero, de jueves a domingo, en el madrileño Teatro Pradillo, una producción del Teatro Pradillo que cuenta con la dramaturgia y la dirección de Pablo Messiez y las interpretaciones de Fernanda Orazi, Marianela Pensado y Óscar Velado.
Ana tiene un mal día. Hace mucho que todos los días son malos. Ana se mueve, se cambia de casa, se muda. Hasta que por fin llega al sitio que cree buscar: un estudio en pleno centro porteño. Allí, la vecina de arriba y el encargado del edificio aplacarán sus propias soledades a fuerza de colmar a Ana con relatos.
Las ficciones propias, las ajenas, las involuntarias y las premeditadas se convertirán en el motor de la vida, en la materia compartida que les permitirá dejar de estar solos. Con Muda, su nuevo proyecto de dramaturgia y dirección, Pablo Messiez lleva al escenario una obra sobre el poder sanador de las ficciones.
Despojada de artificios y estructurada en torno al texto y los actores, Muda se emparenta con el trabajo de la última generación de creadores argentinos y sorprende por su unicidad y frescura.

La dama boba, en el Teatro Juan Bravo.

El día 15 de enero tiene lugar en el Teatro Juan Bravo, de Segovia, el estreno nacional de La dama boba, de Lope de Vega, de la mano de la compañía Réplika Teatro.
Con la puesta en escena de Jaroslaw Bielski, las interpretaciones de Socorro Anadón, Eva García, Borja Manero, Jorge Munárriz, Antonio Duque, Raúl Chacón, Pablo Castañón, Daniel Gershi, Lorena Roncero, Rebeca Vecino y el vestuario, la escenografía y el diseño gráfico de Agatha Ruiz de la Prada, esta versión de Daniel Pérez de la obra clásica de Lope de Vega busca la adaptación del espíritu clásico a la época actual.
En palabras de Jaroslaw Bielski, parece interesante seguir la estela de Lope y ver en él la vanguardia no sólo de aquella época sino sobre todo de la de hoy. En España estamos habituados a ver nuestros clásicos vestidos de la época del autor, sin pensar que ellos entonces eran contemporáneos y lo que realmente interesaba era la comedia en sí, su trama, su enredo y su mensaje.
Y continúa: Era necesaria una adaptación del texto, tanto para “acercar” su verso al público de hoy, como también para crear una puesta en escena más trepidante y más contemporánea.

Taí Virginia, y su demencia, en la Sala Cero.

Los días 28, 29, 30 y 31 de enero, y 4, 5, 6 y 7 de febrero, en Sala Cero Teatro, Sevilla, la compañía Manuel Monteagudo presenta la obra Taí Virginia, de Guillermo Rodríguez y Manuel Monteagudo, un espectáculo terriblemente humano, cómico, amargo y melancólico.
Taí Virginia es un espectáculo de humor donde el público comparte una hora de la vida cotidiana de una anciana que vive sola en su viejo y destartalado piso. La demencia senil que sufre la señora le provocará diversas situaciones absurdas, surrealistas y cómicas, rompiendo el realismo para, a través de múltiples sorpresas, transportarnos a un final insólito.
Interpretada por Manuel Monteagudo, fundador de la compañía Variedades Manhattan y actor en varios espectáculos del Centro Andaluz de Teatro y de compañías de teatro independiente como Esperpento, La Jácara o Los Ulen, y bajo la dramaturgia y dirección de Guillermo Rodríguez y el propio Monteagudo, esta producción de Producciones Comikaces y Maite Chacón S. L., nos habla de la vejez, la soledad y la locura, combinando humor ácido y negro con ciertas dosis de ternura y patetismo.

Nuevo premio para Timbiriqui Teatro.

La compañía Timbiriqui Teatro ha sido galardonada con el premio al mejor espectáculo unipersonal en el V Festival de Teatro Iberoamericano de Mar del Plata, en Argentina, por su obra Vericueto, un payaso del mundo, dirigida y protagonizada por Luis Monzón. El colectivo teatral comenzó el 1 de diciembre una gira con la que recorre Argentina y Uruguay hasta enero. Este periplo cuenta con el apoyo del programa Canarias Crea del Gobierno de Canarias.
El espectáculo gira en torno a Vericueto, un personaje que va de plaza en plaza, de teatro en teatro, buscando a Variopinto, su amigo de la infancia. Vericueto es un vendedor de narices, risas y sueños que a través de múltiples artimañas busca alegrar a los asistentes, provocando la reflexión y la risa.
Timbiriqui se creó en 1985 y desde 2003 se centró en producciones de teatro cómico. Entre sus espectáculos se encuentran El director (en la foto), Regalo en III actos, o El año que viene..., ganador del premio al mejor espectáculo de clown en el III Festival Iberoamericano de Mar del Plata.
Ha producido el I Festival de Teatro Alternativo Tentenijuá y el Encuentro 3 días de farándula Valsequillo 2007. Para julio de 2010 prepara la organización del encuentro Pásatelo de calle, en Santa Cruz de La Palma.

Premios ADE 2009.

El pasado 7 de diciembre, en el Teatro Español de Madrid, tuvo lugar la entrega de los Premios ADE 2009, convocados por la Asociación de Directores de Escena de España. Estos premios se otorgan anualmente por votación de los asociados.
El resultado de las votaciones fue el siguiente: Premio José Luis Alonso para jóvenes directores, a Javier Hernández-Simón (en la foto), Premio María Martínez Sierra de traducción teatral, a Francisco Lafarga, Premio Rogelio de Egusquiza de iluminación, a María Doménech, Premio Adrià Gual de figurinismo, a Ikerne Giménez, Premio Leandro Fernández de Moratín para estudios teatrales, a Joaquín Álvarez Barrientos, Premio Joseph Caudí de escenografía, a Paco Azorín, Premio Adolfo Marsillach a una labor teatral significativa, a la Unión de Actores de Madrid y Premio ADE de dirección, a Lluís Pasqual.
Las Medallas de la ADE, en reconocimiento a la labor cultural y artística de personas e instituciones, fueron para René Andioc, hispanista y especialista en teatro español del siglo XVIII, Laura Hormigón y Óscar Torrado, bailarines y coreógrafos, y Antonio Díaz Zamora, Emilio Sagi, Salvador Távora, Jesús Cracio y Karla Barro, directores de escena. Y las Tarascas de la ADE, por el apoyo prestado a la asociación, recayeron en el Festival de Teatro Clásico de Olite, y en Vanessa Martínez y la compañía Teatro Defondo.

La casa de Bernarda Alba, en TNT.

La sala TNT, de Sevilla, programa La casa de Bernarda Alba.
Esta producción de TNT regresa después del éxito obtenido en otoño y se mantiene en cartel del 21 al 24 y del 29 al 31 de enero.
Interpretado por mujeres de etnia gitana, sin alfabetizar, que viven en el asentamiento chabolista de El Vacie, y cuyo único contacto con el teatro había sido la participación en un taller, este espectáculo se enmarca en el Proyecto Imarginario que TNT lleva a cabo con sectores marginales y marginados, y se ha llevado a cabo gracias a la Dirección General de Bienestar Social de la Junta de Andalucía y al Ayuntamiento de Sevilla.
La directora, Pepa Gamboa, con la asistencia de Jerónimo Obrador, Silvia Garzón y Marga Reyes, apuesta por sacar la autenticidad, la espontaneidad, el juego, la tremenda energía, disciplina y generosidad de las mujeres que interpretan la obra. La vida y la verdad en escena suplen la falta de experiencia en las tablas. Junto a ellas también actúa Marga Reyes, una de las actrices emblemáticas de Atalaya.
En 2010, Año europeo de lucha contra la pobreza y la exclusión social, el grupo realizará una amplia gira por todo el país que, entre otras salas, lo llevará al Teatro Español de Madrid.

La sombra de Lear, en la Nave de Cambaleo.

El sábado 16 y el domingo 17 de enero, a las 21.00, en La Nave de Cambaleo, en Aranjuez, Madrid, la compañía Ultramarinos de Lucas, de Guadalajara, representa su espectáculo La sombra de Lear.
Un actor se ha empeñado en contar al público La tragedia del Rey Lear, de William Shakespeare. Él solo. Pero, ¿acaso es posible?, ¿es posible? ¡Qué tormento! Un actor, uno cualquiera, ha decidido liarse la manta a la cabeza y una soga al cuello y dejar que las palabras de Shakespeare jueguen con él. Al fin y al cabo, sabe que aquí todo es mentira: palabras, sólo palabras. Un actor, un hombre público, entrega su cuerpo al público. ¡Todo por el público, todo para el público! Atención, hay que hacer un esfuerzo. Al final, el rey se muere.
Ultramarinos de Lucas, creado en 1994 por un grupo de profesionales formados en escuelas como las de Jacques Lecoq, el Teatro de la Abadía, la Escuela de Movimiento de Marta Schinca, o María del Mar Navarro, se ha consolidado como un núcleo estable de trabajo, realizando espectáculos tanto para público adulto como infantil y juvenil, entre los que se encuentran Las aventuras de Huckleberry Finn, Juul, ¿qué te ha pasado?, Quiero una luna y Cosas del mar.

Glengarry Glen Ross, de David Mamet.

Hasta el 17 de enero en la Sala Principal del Teatro Español, en Madrid, y del 25 al 27 de febrero en el Teatro Lope de Vega, en Sevilla, puede asistirse a la representación de Glengarry Glen Ross, de David Mamet, una producción del Teatro Español con dirección de Daniel Veronese y las interpretaciones de Carlos Hipólito, Ginés García Millán, Alberto Jiménez, Andrés Herrera, Gonzalo de Castro, Jorge Bosch y Alberto Iglesias.
La fábula de David Mamet es perfectamente actual: la crisis apremia a una inmobiliaria, que propone recompensar con un Cadillac al mejor de sus vendedores, al segundo con un práctico juego de cuchillos y despedir al peor. Una feroz competitividad se va a establecer entre los trabajadores.
Ensayista, novelista, dramaturgo, guionista y director de cine estadounidense, David Mamet ha escrito inolvidables guiones como El cartero siempre llama dos veces o Los intocables de Eliot Ness, y obras teatrales como Edmond y El criptograma, premiadas con el Obie. Con Glengarry Glen Ross, llevada al cine con Al Pacino, Jack Lemmon y Alec Baldwin, obtuvo el Premio Pulitzer en 1984.

Ballet de Víctor Ullate en Villajoiosa.

El Ballet de Víctor Ullate abrirá la temporada 2010 del Teatre Auditori de Vilajoiosa, el 16 de enero, con su espectáculo de danza Beethoven. El programa Beethoven, que se estrenó el 8 de febrero de 2008 en el Teatro Albéniz de Madrid, está compuesto por Tres, una coreografía de Eduardo Lao, director adjunto de la Compañía, sobre la Sonata nº 2, Sonata nº 5 y Sonata nº 14 (Claro de Luna), lo que Eduardo Lao ha querido plasmar en esta sugerente coreografía son las diferentes facetas de una relación entre tres personas. Cuenta a través de un paso a tres lo que sucede cuando una tercera persona aparece en una relación, ya sea de amistad, de amor o de cualquier tipo. Un triángulo de emociones que se apoya en las tres obras de Beethoven; y Pastoral, sobre la Sinfonía nº 6 de Beethoven. A éstas se ha añadido Après toi, un montaje muy personal para el Maestro Ullate, homenaje a Béjart, quien comenta: Hay determinadas obras que también son parte de la imagen de determinadas personas, como me sucede con la sinfonía nº7 de Beethoven, pues va intrínseca en el recuerdo de Maurice y siempre la asociaré con él.

Fedra, en Teatros del Canal.

Entre el 13 y el 31 de enero, se puede disfrutar de Fedra, ballet flamenco que pretende contar la historia de un arquetipo de la literatura dramática universal a través de un lenguaje distinto, tratando de unificar la manera de contarlo que tuvieron autores teatrales como Eurípides, Racine, Séneca o Unamuno.
Este espectáculo de danza flamenco, dirigido por Miguel Narros, llega a los Teatros del Canal con la galardonada con el Premio Nacional de Danza, Lola Greco, como protagonista.
La obra gira en torno a la historia de Fedra, segunda esposa de Teseo, que se enamora de su hijastro, Hipólito, interpretado por Amador Rojas. Este amor la avergüenza hasta el punto de querer quitarse la vida, lo que dará lugar a diferentes acontecimientos.
Con esta obra se quiere aprovechar también para rendir un homenaje a la bailaora Manuela Vargas, última intérprete de este papel. La música es de Enrique Morente, mientras que la coreografía corre a cargo de Javier Latorre.

Ananda Dansa en Sevilla.

El circo de la mujer serpiente, de Ananda Dansa, está del 20 al 24 de enero en el sevillano Teatro Alameda.
El circo de la mujer serpiente es un espectáculo en el que la danza, el humor, los clowns y el ilusionismo son los protagonistas. Por el escenario desfilará toda una fauna colorista de personajes rescatados de las ferias ambulantes. Un viaje en el tiempo hacia un pasado reciente en el que se mezcla lo insólito, el asombro y el prodigio. Un espectáculo inspirado en las carpas italianas y las casetas de feria de los siglos XIX–XX.
El espectáculo está creado y dirigido por Rosángeles Valls y Edison Valls, y coreografiado por Toni Aparisi.
Tras el Premio Nacional de Danza 2006, tres premios Max y los numerosos galardones recibidos por su última obra Alma, la compañía valenciana, artífice de una trayectoria comprometida y poética, vuelve a los escenarios con una obra en clave de humor que experimenta con la danza-clown y el ilusionismo.

El BNE en el Teatro Calderón.

El Ballet Nacional de España está en el Teatro Calderón del 28 al 31 de enero con Escuela Bolera.
El BNE es, de las unidades de producción del Instituto Nacional de la Artes Escénicas y de la Música (INAEM), una de las de mayor proyección internacional como embajadora de nuestra cultura en el mundo. La Compañía ha evolucionado en concordancia a los tiempos y ha sabido preservar el interés por todos los estilos del baile español, interpretando coreografías de Escuela Bolera, flamenco, danza española estilizada, entre otros. Por otro lado, se ha conjugado tradición con modernidad y no se han olvidado aspectos fundamentales como la formación con la puesta en marcha de nuevos proyectos.
A lo largo de sus 30 años de funcionamiento, se han interpretado en los teatros más prestigiosos del mundo obras emblemáticas como Medea de José Granero, Danza y Tronío de Mariemma, Ritmos de Alberto Lorca, Fandango de Soler de José Antonio, El Sombrero de Tres Picos en las versiones de Antonio y de José Antonio, El Concierto de Aranjuez de Pilar López o Bodas de Sangre y Fuenteovejuna de Antonio Gades. En la temporada actual, el BNE presenta en su programa La Leyenda, Aires de Villa y Corte, Golpes da la Vida, Elegía-Homenaje (a Antonio Ruiz Soler) y El Café de Chinitas, coreografías de José Antonio.
El Ballet Nacional de España ha obtenido el reconocimiento internacional de crítica y público con la concesión de diversos premios, destacando entre otros el Premio a la Crítica al Mejor Espectáculo Extranjero (1988) en el Metropolitan de Nueva York; Premio de la Crítica Japonesa (1991); Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo (1994) en el Teatro Bellas Artes de México; Premio del Diario El País (1999) al espectáculo Poeta y los Premios de la Crítica y del Público (2002) a la coreografía Fuenteovejuna, de Antonio Gades en el VI Festival de Jerez.

V.I.T.R.I.O.L. en el SaT! Teatre.

V.I.T.R.I.O.L. de Jordi Cortés, dentro de la programación del Mercat de les Flors, los días 15, 16 y 17 de enero en el SaT!-Teatre de Barcelona.
Producido por Alta Realitat, V.I.T.R.I.O.L. es un montaje que nace a raíz de un taller de danza integrada que tuvo lugar en abril en Barcelona y que impartieron Adam Benjamin y Jordi Cortés.
V.I.T.R.I.O.L. cuenta con siete intérpretes en escena, entre los cuales hay bailarines y actores profesionales. Lo que hace único y diferente al montaje es la incorporación de dos personas con minusvalías físicas (Isabel Palomeque y Adolfo Colmenares).
Para Isabel Palomeque es la primera experiencia y contacto con el mundo de la danza y del escenario. Por el contrario, Adolfo Colmenares es bailarín y ha participado con compañías de danza y teatro como Lanónima Imperial, Mudances-Àngels Margarit, Sol Picó y Carles Santos, anteriormente a su pérdida de la visión. Adolfo es la segunda vez que participa en un montaje de Jordi Cortés.
El espectáculo se complementa con un Taller de Danza Integrada que impartirá, entre el 18 y el 22 de enero, Marisa Brugaroles en la fábrica Fabra i Coats.

Compañía Nómada.

Los zuecos van hacia sus buenos hábitos, de la Compañía Nómada, está los días 30 y 31 de enero en La Fundición, de Bilbao; los días 6 y 7 de febrero en Igualada, y 27 y 28 en Escena Miriñaque, en Santander.
Con coreografía de Daniel Abreu e interpretado por Roberto Torres, el espectáculo se fundamenta en el trabajo de investigación del movimiento y en el cuerpo como motor de la acción y argumento coreográfico.
Daniel Abreu ha desarrollado un estilo muy personal basado en las imagenes y el desarrollo de las mismas como cuadros poéticos ajeno a los argumentos narrativos explícitos, ahondando en la parte más visceral y emocional del hecho fotográfico. La acción física y su exposición, ayudada de un trabajo particular de dirección, origina una composición en un formato cercano al cine.
Este trabajo coreográfico se adentra en el cuerpo y su presencia. Lo que es y lo que él explica. El uso de lo cotidiano puede tener un fin mayor que el previsible: coger un objeto y darle vueltas hasta ver en él lo poético de la existencia. Mantener con vida el uso y la costumbre, hecho que no deja de ser más que un modo de estar.

Teresa Nieto estrena La Mirada (2009).

Teresa Nieto en Compañía presenta La Mirada (2009) en el Teatro Tomás y Valiente, de Fuenlabrada, el 6 de febrero.
Con coreografía y dirección de Teresa Nieto, y con Sara Cano, Jesús Caramés, Daniel Doña, Vanessa Medina y Teresa Nieto.
Teresa Nieto es Premio Nacional de Danza y es en este momento, cuando sus últimos trabajos no paran de recibir premios y el aplauso unánime de un público bastante más amplio del que suele atraer la danza contemporánea, cuando se plantea recuperar una de sus primeras coreografías, como reflexión, como ejercicio íntimo, por la necesidad de reencontrarse y también por puro placer. La obra se adentra en las aguas de la nostalgia de los sentidos, crea y transmite sensaciones dentro de un ambiente sensual, nocturno, evocador, y nos sumerge en un clima lleno de sutiles sugerencias, en ese mundo interior y antiguo que nuestra memoria intuye y recrea. Vestidos de novia; imágenes poéticas, fundidos de imágenes casi cinematográficos, coreográficamente hablando hecho con mucho gusto, calidad de los intérpretes, elección y composición musical muy acertada y una magnífica luminotécnica.

Zuri: Candela.

Zuri forma parte del cartel de la 6ª edición del Reggae Splash Festival de Barcelona, que celebra además este año el 10º aniversario de sus creadores, Nyahbingi crew, como colectivo dedicado al reggae. Será el sábado 16 de enero en la Carpa Avinguda Mistral.
El resto del cartel lo componen Tippa Irie, Chukki Starr, Lovella Ellis, Hermano L, Benjammin, Kinky Bwoy, Prince Osito, Reverendo Ragga, Aniki, Hektor Banton y Sr. Wilson, todos ellos acompañados por Nyahbingi Sound.
Zuri es un polifacético artista malagueño de larga trayectoria en el mundo de la música y el espectáculo en general. Capaz de tocar varios instrumentos, además de cantante, es productor y compositor. Sus raíces empezaron en la música rock hasta que se encontró con el flamenco y su dedicación le llevó a aprender guitarra y cante durante un periodo largo de tiempo, que abarca desde mediados de los 90 hasta parte de la década actual, que le ha servido para aplicar estas enseñanzas a otros géneros musicales, conformando un estilo propio. Ha colaborado y formado parte de grupos de la talla de Ojos de Brujo, Danza Invisible, Chico Fargas, La Carmen, y ha compuesto bandas sonoras para multitud de compañías de circo y teatro. También ha hecho trabajos para publicidad y ha producido en su estudio a grupos de estilos tan variados como rap, pop, reggaeton, metal o flamenco.

El esperado regreso de Obus.

Obus regresa con Cállate, un nuevo trabajo, que cuenta con doce temas.
Fortu y Paco demuestran una vez más estar en plena forma y lo demuestran con temas como Corre Mamón o Es lo que hay. Auténticos bombazos de Rock’n’roll que además cuentan con colaboraciones de auténtico lujo como Carlos Tarque, de M-Clan, en Él es Rock’n’roll, una canción dedicada a Juan Luis Serrano (Bajista de Obus); además han colaborado con la banda de Hip-Hop Duokie en Mal Rollo, un tema que con toda seguridad no va a dejar indiferente a nadie.
Cállate fue grabado durante los meses de noviembre y diciembre en los Estudios Noisy Sound, de Madrid, y ha sido producido por Fernando Montesinos, y mezclado por Bori Alarcón en Monterprícipe Estudios.
La gira de presentación comienza el 13 de febrero en Zaragoza, y luego están, el 20 de febrero en Madrid y el 26 en Barcelona, para continuar todo marzo.

Trestrece, en la Sala Taboo.

Los Trestrece están en la madrileña Sala Taboo el 28 de enero.
Antes, 12 de enero, pasan por el Búho Real, también en Madrid, y luego continúan: el 11 de febrero en el Picnic Club de Madrid, el 12 en la Sala Matisse, en Valencia, el 13 en la Sala Stereo, en Alicante, y el 26 en la Sala Begood, en Barcelona.
La historia del grupo se remonta a finales de 2000, cuando Javier Ruiz actúa con su anterior banda, The Nash, en el emblemático local Neoyorquino CBGB’s, quedando cautivado por la magia y el espíritu de la Nueva Ola que aún por entonces pervivía en el ya desaparecido local, aportándole el nombre para el futuro proyecto (se hallaba en el nº 313-315 de la calle Bleecker).
Fue a principios de 2008 cuando Trestrece inicia la grabación de Una Señal, su primer disco, realizado a medias entre Mallorca y Estados Unidos.
Grabado en Urban Produccions (Mallorca), ha contado con la colaboración de músicos de la talla de Toni Toledo, Sergio Martínez, Carlos Pilán y Chus Coll. El disco ha sido finalmente mezclado por Ian Love, guitarrista de Rival Schools, Onelinedrawing, etc. en su estudio de Nueva York, quien también ha colaborado aportando guitarras a Mediodelmar y Bienvenidos a ninguna parte.

Jesús Méndez en concierto.

Jesús Méndez está en el Teatro Barakaldo el 29 de enero acompañado por la guitarra de Manuel Valencia.
Jesús Méndez nació en el seno de una de las sagas cantaoras más importantes que ha dado Jerez, la de los Méndez, cuyo buque insignia ha sido La Paquera de Jerez.
Jesús es un cantaor muy joven, nació en 1984, pero con un eco que sabe añejo. El cantaor de Jerez es un gran conocedor y estudioso de un amplio abanico de estilos, pero es capaz de sentir el dolor de una seguiriya o la majestuosidad de la soleá, sin olvidarse nunca del arranque genuino de su Tía Paquera. Fue uno de los triunfadores de la XLII Fiesta de la Bulería de Jerez del pasado 2009 .

Brodas Bros en Teatre Victòria.

Brodas Bros en el Teatre Victòria del 14 de enero al 14 de febrero. La compañía Brodas, creada en el año 2006 por los hermanos Pol y Lluc Fruitós, lleva por primera vez uno de sus espectáculos de hip hop a un teatro de gran formato.
El espectáculo está dirigido por Lluc Fruitós y cuenta con la dirección escénica de Joan Gràcia, de Tricicle. Une en un escenario lo mejor del hip hop en un espectáculo que combina baile, música y actitud.
Los hermanos Fruitós y otros miembros de la compañía han girado por todo el mundo para crear un espectáculo global; mezcla de las influencias del hip hop que han ido recogiendo por todos los rincones del planeta.

Reelegida la Junta Directiva de FAETEDA.

Daniel Martínez de Obregón, reelegido presidente de la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (FAETEDA) hasta 2013.
FAETEDA es la organización estatal de las artes escénicas que engloba 15 autonomías y 17 asociaciones que reúnen a más de 400 compañías, productoras, distribuidoras y exhibidoras de teatro y danza de todo el estado y que generan más del 80% de los espectáculos escénicos del territorio español.
Daniel Martínez es presidente del Grup Focus y presidente de l’Associació d’Empreses de Teatre de Catalunya (ADETCA).
La junta directiva elegida en la asamblea general de FAETEDA celebrada en Valladolid el 2 de diciembre está compuesta por: Daniel Martínez de Obregón, ADETCA (Cataluña), presidente; Jesús Cimarro, APTEM (Madrid), vicepresidente; Joan Muñoz, AVETID (Valencia), vicepresidente segundo; Anna Rosa Cisquella, CIATRE (Cataluña), vecepresidenta tercera; Pilar López, ESKENA (Euskadi), secretaría general; Rosa Garnacho, ACPTA (Asturias), tesorería; Jacinto Gómez, ARTESA (Castilla y León) y Sergio Casado, ACTA (Andalucía), vocales.
FAETEDA está integrada por la Associació Balear d’empreses productores de teatre i dansa, Asociación Cántabra de Empresas Productoras de Artes Escénicas, Asociación de Compañías Profesionales de Teatro y Danza de Asturias, Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Andalucía, Associació d’Empreses de Teatre de Catalunya, Asociación de Productores y Teatros de Madrid, Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Aragón, Asociación de Empresas Productoras de Artes Escénicas de la Comunidad de Madrid, Artes Escénicas Asociadas de Castilla y León, Associació Valenciana d’Empreses de Teatre i Dansa de la Comunitat Valenciana, Associació de Companyies de Teatre Professional de Catalunya, Asociación Galega de Empresas de Artes Escénicas, Asociación de Compañías Profesionales de Artes Escénicas de Castilla - La Mancha, Empresas de Producción Escénica Asociadas, Asociación de Empresas Teatrales de Extremadura, Asociación de Empresas Productoras de Artes Escénicas de la Región de Murcia y Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Canarias, Réplica.

ESCENIUM 2010 y el público.

La cuarta edición de Escenium congrega en el Palacio de Congresos Euskalduna Jauregia de Bilbao, los días 10, 11 y 12 de febrero, a alrededor de seiscientos profesionales de la creación, distribución y programación del sector escénico nacional e internacional.
Nuevas figuras representativas del panorama escénico se incorporan a la programación de Escenium 2010. Es el caso de Mary Ann Devlieg, Roger Tomlinson o Franky Devos.
La mesa redonda inaugural cuenta con la presencia de la secretaria general del IETM, la Red Internacional de Artes Escénicas Contemporáneas, Mary Ann Devlieg. La especialista belga ha trabajado en el sector de las artes escénicas a nivel internacional, con énfasis en la política, la diversidad y la formación profesional. Roger Tomlinson, consultor de marketing y especialista en comercialización y desarrollo de la audiencia, y Franky Devos, experto holandés en comunicación cultural y públicos jóvenes, participan en la primera sesión temática de Escenium 2010.
Además de la presencia de estos tres expertos internacionales, el Foro Internacional de las Artes Escénicas contará con Alberto Fernández Torres, director de Estrategia y Comunicación Interna de Endesa, especializado en el estudio socioeconómico del sector escénico; el profesor de la Universidad del País Vasco Patxi Azpillaga, que coordina las actividades culturales y organiza los Encuentros Bilbao Arte y Cultura; y el director del Mercat de les Flors, Cesc Casadesús.
Otros destacados participantes son la mexicana Lucina Jiménez y el canadiense François Colbert, así como el profesor de la Universidad de Valencia Manuel Cuadrado y la docente de la Universidad del País Vasco, Victoria Ateca, entre otros.
Por otro lado, Escenium 2010 apuesta por su difusión en las diferentes redes sociales existentes y está presente en plataformas como Youtube, Twitter, Flickr, Slideshare, Delicious o Facebook.
La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública organiza este encuentro de carácter bienal, mediante un convenio de colaboración con el Ayuntamiento de Bilbao, la Diputación Foral de Bizkaia y el Gobierno Vasco.
El cuarto foro cuenta también con la colaboración del Ministerio de Cultura a través del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Cultura.

Festival de Música de Canarias.

El 26º Festival de Música de Canarias contará con tres obras de estreno mundial absoluto, dos de las cuales son fruto de la filosofía de encargos que este certamen, organizado por el Gobierno de Canarias, viene desarrollando desde sus orígenes. En la cita por antonomasia del invierno musical europeo se estrenan este año los trabajos del inglés Mark-Anthony Turnage, el argentino Esteban Benzecry y la canaria Laura Vega (en la foto).
Se suman así a la larga nómina de compositores de las últimas décadas que han estrenado sus partituras en el Festival, tanto del panorama internacional, baste citar los nombres de Luciano Berio, Stockhausen, Henze, Gubaidulina o Penderecki, como nacional, Tomás Marco, Luis de Pablo, Francisco Guerrero o Jesús Rueda, entre otros muchos, sin olvidar la promoción de los compositores canarios.
Precisamente el primer estreno de este Festival vendrá de la mano de la joven grancanaria Laura Vega (Las Palmas de Gran Canaria, 1976), que dará a conocer su concierto para piano y orquesta In Paradisum, en la interpretación de José Luis Castillo al instrumento solista y la Orquesta Sinfónica de Tenerife dirigida por su titular, Lü Jia, los días 15 y 16 de enero en Tenerife y Gran Canaria, respectivamente. Laura Vega cuenta ya en su catálogo con varias obras concertantes, entre las que sobresale la singular Imágenes de una isla para orquesta y silbo gomero.
El estreno internacional encargo de la presente edición corresponde al británico Mark-Anthony Turnage (Essex, 1960), un compositor de influencias jazzísticas, poseedor de un estilo muy personal caracterizado por su fuerte impulso rítmico, las armonías de jazz y una orquestación colorida con uso destacado de la percusión. Su obra Texan Tenebrae será estrenada por la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Vladimir Jurowsky el día 21 de enero en el Auditorio de Tenerife y podrá escucharse el 23 en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria.
Rituales amerindios, del argentino Esteban Benzecry (Lisboa, 1970), es el tercero de los estrenos que ofrece el Festival de Música de Canarias en la 26 edición. En esta ocasión se trata de una obra encargo de la Orquesta de Goteborg, que será la responsable de su interpretación, el 19 de enero en Tenerife y dos días después en Gran Canaria, bajo la batuta del destacado director Gustavo Dudamel.
La música de Esteban Benzecry intenta una fusión entre los ritmos y raíces latinoamericanas tomando como fuente de inspiración las diferentes corrientes estéticas de la música contemporánea europea creando así un lenguaje personal.

Clásicos 2010 del Teatro Juan Bravo.

La Diputación Provincial de Segovia vuelve a organizar el ciclo Clásicos, que, como en años anteriores, se celebra en el Teatro Juan Bravo. Este ciclo ha llegado a convertirse en una importante cita cultural de la ciudad desde que en 2006 iniciara su andadura con una programación de clásicos contemporáneos dentro de las artes escénicas.
Figuras de talla internacional, como Ángel Corella, Julio Bocca, Aida Gómez, Sara Baras, José Martínez o Tamara Rojo, en danza, Amparo Rivelles, Marisa Paredes, María Jesús Valdés o el teatro Negro de Praga, en teatro, y José Carreras, Raphael, María Dolores Pradera, Ainhoa Arteta o Cristina Gallardo-Domás, en música, han desfilado por el escenario del Juan Bravo dentro de la programación de estos ciclos.
Clásicos 2010 comienza el 8 de enero con Fedra (en la foto), una producción de Pentación Espectáculos dirigida por José Carlos Plaza. El 23 de enero, la siguiente actuación corre a cargo de Paloma San Basilio, que presenta su nuevo trabajo, PSB, un espectáculo íntimo, con su voz como protagonista acompañada por piano, saxo y bajo. El 6 de marzo es el turno del Orfeón Donostiarra, un grupo de noventa integrantes con unas 130 grabaciones en su haber. Siguiendo con el ciclo, el 16 de abril estarán Los Niños Cantores de Viena, con obras del renacimiento y contemporáneas. Por último, cerrará Clásicos 2010 una de las principales representantes de la nueva generación de directores de España, Inma Shara. Será el 30 de octubre con el recital Música de cine.

Ellas bailan solas en DT.

DT Espacio Escénico programa en Madrid el IV Ciclo Ellas bailan solas, entre el 28 de enero y el 27 de febrero. Esta cuarta edición del ciclo se compone de cuatro espectáculos de otras tantas compañías.
El Curro DT, la compañía de DT Espacio Escénico, abre el ciclo con Impávida luna llena, el jueves 28, viernes 29 y sábado 30 de enero a las 20.30, diez piezas sencillas, independientes, basadas en Unos cuantos cuentitos cortos, de José Ignacio Frión. Continúa A Tempo Dansa, los días 11, 12 y 13 de febrero, también a las 20.30, con Búscame… hasta que te encuentres, espectáculo unipersonal con el que Pepa Cases cierra su Trilogíame…, uniendo el teatro, la música y la danza. A la misma hora el 18, 19 y 20 del mismo mes, Clara Graziolino y El Taller de abajo representan Silenzio. Violeta, una obra de poesía visual y danza que habla de la confusión que pueden generar a veces las palabras a la hora de comunicar. Y cierra este cuarto ciclo el espectáculo Cadena de Sombras, una pieza de la compañía Baba de plata inspirada en un texto de Valle-Inclán, los días 25, 26 y 27 de febrero, a las 20:30.
DT Espacio Escénico es un lugar para exhibir espectáculos arriesgados, con lenguaje escénico mixto y utilización de escenarios no convencionales.

X Festival Escena Contemporánea.

La décima edición del Festival Escena Contemporánea se celebra en Madrid entre el 19 de enero y el 14 de febrero. Cuarta Pared, Pradillo, la Nave de Cambaleo, en Aranjuez, Lagrada, La Casa Encendida y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, junto a las que se suman este año, Matadero Madrid, Triángulo, Teatros del Canal y el Centro de Arte Dos de Mayo, son las salas encargadas de dar acogida a este encuentro de 2010.
Veintitrés compañías de teatro experimental, acciones de calle, danza, performance o arte sonoro de todo el mundo, se darán cita en esta edición, que tiene como líneas argumentales la mirada hacia el otro y el optimismo.
El Cirque Ici, Antonia Baehr, Shantala Shivalingappa (en la foto), Óskar Gómez y el tándem Zimmermann & de Perrot, entre otros, conforman algunas de las apuestas del encuentro. A la programación se suma el Ciclo de Autor, que este año estará dedicado al dramaturgo británico David Hare.
En esta edición, el festival presta especial atención a jóvenes artistas españoles, como David Fernández, Pablo Palacio, Sonia Gómez o Paloma Calle, y a compañías madrileñas como La Tristura.
El Festival centra su programación en propuestas escénicas arriesgadas, teatro no convencional, nuevas dramaturgias y piezas multidisciplinares, y se ha convertido en un referente a nivel nacional e internacional, sirviendo de marco para el debate sobre tendencias, límites y fronteras del teatro del siglo XXI. En el año 2009 obtuvo el Premio Max de Nuevas Tendencias y el Premio a la Mejor Programación Teatral de España, de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca.

Teatralia 2010.

Entre el 29 de enero y el 21 de febrero regresa Teatralia, el Festival de Artes Escénicas para niños y jóvenes que organiza la Comunidad de Madrid, en su edición número catorce.
Teatralia 2010 se desarrolla en un total de sesenta y cinco espacios escénicos, repartidos por cuarenta y seis municipios de la Comunidad de Madrid, incluida la capital, que acogen a treinta y tres espectáculos, de compañías nacionales e internacionales, en un total de 253 funciones.
Como en cada edición, los espectáculos se dirigen a toda la infancia, desde bebés a adolescentes, mostrándose las artes escénicas en todas sus disciplinas y en la tendencia de la creación actual de fusionarlas sin límites.
Además de la exhibición de espectáculos, este XIV Festival de Artes Escénicas organiza actividades paralelas, entre las cuales destaca el Encuentro Teatralia, en Alcalá de Henares, que se desarrolla del 9 al 13 de febrero. Un marco para el intercambio profesional, que abarca trece espectáculos, una exposición de libros desplegables que trae a colación el tema de los cuentos y personajes clásicos, y las llamadas Jornadas de Reflexión, un espacio dedicado a conferencias y mesas redondas, que este año giran en torno al título El ogro en el espejo.
Su carácter internacional y la calidad de la programación hacen de Teatralia un referente en las artes escénicas dedicadas a este sector del público.

Escena Abierta XI.

La úndecima edición del festival Escena Abierta, que se celebra en Burgos, propone un total de trece representaciones y un estreno absoluto coproducido por el propio certamen. Ocho compañías nacionales e internacionales mostrarán un total de catorce representaciones entre los próximos 8 y 17 de enero, en cinco espacios diferentes de la ciudad.
Este año, Escena Abierta vuelve a convertirse en un encuentro donde se experimenta libremente, se analiza, se intercambian vivencias y se buscan nuevos territorios de expresión.
El festival se inicia con las coreógrafas Filipa Francisco e Idoia Zabaleta, con Bicho, eres un bicho, espectáculo que propone un itinerario en el que la presentación de un libro, así como la performance a modo de banquete, serán los protagonistas, el 8 y 9 de enero.
El 9 y 10, está en escena Contra Natura, de Agrupación Señor Serrano, obra que integra danza, performance e instalación. El 12 de enero David Espinosa representa Delirios de grandeza, un solo en el que critica los valores establecidos por la sociedad actual, el poder de los medios de comunicación, la fama a cualquier precio, la globalización y el ritmo de vida acelerado. También David Espinosa, junto a África Navarro, presentan, el 13 de enero, el estreno de Felicidad.es, espectáculo que explora las posibilidades de la mensajería instantánea y en el que el festival participa como coproductor.
La parte internacional llega de la mano de l’Alakran, compañía dirigida por Oskar Gómez desde Ginebra, que participa, el 14 y 15 de enero, con Kaïros, sísifos y zombies, obra que reflexiona sobre la influencia del tiempo en nuestras vidas. Por su parte, Alicia Soto – Hojarasca junto a Post Theater, compañía de Berlín, Nueva York y Tokyo, representan el espectáculo interdisciplinario de danza Super Gravity Zero Gravity, los días 16 y 17.
La música también tiene cabida, los días 15 y 16, con el grupo CaboSanRoque y su espectáculo Torn de nit. El conjunto aprovechó parte del material de las máquinas de una fábrica de galletas para crear una orquesta mecánica completa.
En las pistas de hielo, de Lengua Blanca, una inmersión hacia la propia perplejidad de cada persona, completa, los días 16 y 17 de enero, el programa de esta undécima edición del certamen.
El festival Escena Abierta está patrocinado por el Ayuntamiento de Burgos, el Aula de Teatro de la Universidad de Burgos y Caja Burgos, y cuenta con la colaboración del Centro de Creación Escénica La Parrala.