viernes 28 de agosto de 2009

EDITORIAL 009

EDITORIAL 009
www.revistaanteojos.com



Agosto es un mes muerto. Pero muerto administrativamente y para según qué cuestiones. Hay cada vez más actividades, más oferta de ocio, más cultura, eso sí. Y eso es maravilloso.

El mes de agosto, caracterizado por el cierre de la mayor parte de las oficinas y administraciones responsables de los pagos a proveedores, ha acabado contagiando al resto de los meses, de manera que desde hace años, demasiadas administraciones ya, salvo las encargadas de mantener bien engrasado el sistema recaudatorio de este país, están haciendo pasar a las empresas por un agosto eterno.
El sistema político, por otra parte, va de cabeza a una mutación que hemos acuñado como Democracia Feudal. No hace falta ser una analista sociopolítico para descubrir por qué.
Pero la vida sigue. Y a ella nos aferramos. En palabras de Daniel Martínez (FAETEDA), La historia nos recuerda que las penurias no arredran a creadores y emprendedores, y además, supone un magnífico caldo de cultivo para nuevas oportunidades.
Septiembre y octubre, para los que queremos trabajar, hacernos visibles, superarnos, crear, emprender, focalizar; y facturar, y cobrar, y posicionarnos y vivir plena y positivamente de nuestra profesión, son dos meses perfectos para un nuevo arranque. Vamos a aprovecharlo convenientemente.
Te presentamos una edición de otoño vestida de verano, con una interesante entrevista a Guillermo Heras, infatigable luchador en favor de los autores de teatro españoles y contemporáneos, preferiblemente vivos. Apoyamos al sector profesional de gestores culturales, que tienen una cita importantísima los días 5, 6 y 7 de noviembre en El Ejido en un Congreso que antes de comenzar ya está haciendo historia. Aplaudimos la idea Canarias Escribe Teatro, de cuya estructura tienes información en el interior, y alabamos iniciativas como la de yotesacodelacrisis.com porque en el fondo todos somos sensibles, cultos y empáticos, pero teniendo cuidadito con la sempiterna picaresca española.
Publicamos la segunda entrega de sólo para profesionales, de Isaac Belmar y agradecemos a Juan Clown que trate esos temas que a todos nos tocan los... las... el alma, con ese toque que los payasos dan a la realidad.

Bienvenido a septiembre y octubre, que tengas un buen arranque de temporada y mucho trabajo. Y que nosotros lo veamos. Disfruta de la edición 009 de la Revista Anteojos. Como siempre, PUNTUALES.

ENTREVISTA a: Guillermo Heras

ENTREVISTA a: Guillermo Heras





Director de la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos y coordinador del programa Iberescena.





Es de los que contestan a los mensajes, los correos electrónicos y a las llamadas perdidas con celeridad, cortesía e interés, y como tiene las cosas claras, el tiempo le cunde. Asiste y se deja asistir, cualidades imprescindibles, hoy por hoy y desde hace mucho tiempo, en alguien que se dedica a gestionar recursos e ideas.





¿Cuál es el objetivo fundamental de la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos?
El objetivo fundamental de la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos es realizar un panorama anual de la más reciente producción dramatúrgica de nuestros autores y autoras vivos. La Muestra tiene un fuerte sello autonómico, pues se trata de salir de una cierta endogamia en la que las producciones madrileña y catalana ocupan un amplio número de representaciones en los festivales, sin darnos cuenta de que en este momento la actividad escénica es muy rica y plural en toda España. La Muestra programa todo tipo de lenguajes, formas de producción pública, privada o alternativa, teatro infantil, de calle y de cabaret, junto a lo que podíamos denominar teatro de sala, siempre que haya, en su esencia, una autoría viva de cualquier autor perteneciente al Estado Español. Por ello también se programa en las lenguas oficiales del Estado, si bien, y dado que la Muestra sirve como plataforma de exhibición para programadores y traductores, generalmente los grupos suelen presentar sus propuestas en castellano. El término contemporáneo, pues, lo entendemos como el de la escritura libre que realice cada autor en este momento, por lo que no entramos en cuestión de géneros literarios, teniendo cabida desde formas tradicionales hasta cualquier propuesta por radical que sea en su investigación.
Junto al tema de mostrar esta radiografía de una selección de las producciones que se hacen en el Estado, nos importa mucho el tema del encuentro profesional, el intercambio de experiencias y la promoción de nuestra dramaturgia en el exterior. De ahí que complementemos con talleres, seminarios, encuentros, presentaciones de libros, etcétera, la propia programación de la Muestra.

En general, ¿se ha visto un aumento significativo de la cuota de autores contemporáneos, y de autores vivos, en la programación teatral en España?
Pues aunque sí observamos un aumento en ciertos teatros de la Red de Teatros Públicos de proyectos de autoría española, aún no es lo suficiente con respecto al número de propuestas que se desarrollan a partir de la autoría viva. Siguen predominando en esas redes programaciones de prestigio, de clásicos, de obras comerciales y, en general, sigue habiendo una desconfianza por parte de estos programadores con respecto a nuestros autores contemporáneos. Sería importante que estas Redes Públicas apostaran mucho más decisivamente por los discursos artísticos del presente, pero con una clara voluntad de ser apuestas de futuro.

¿En qué medida apoya la Muestra la entrada en circulación de autores emergentes, o noveles?
De una manera clara y decidida. De hecho, prácticamente la mitad de la programación de esta edición son autores y autoras emergentes. Algunos de estos nombres: Juli Disla, Eva Hibernia, Carlos Neira, Antonio de Paco, Sergio Faustino, Susana Sánchez, Antonio Cremades y, por supuesto, el estreno del espectáculo Los mares habitados, de C. Alonso, Inma Correa, A. Tabares y O. Alonso, una propuesta de la compañía canaria 2RC, en la que esa interesantísima generación de nuevos dramaturgos que está apareciendo en las islas estará presente en la Muestra. Nuestro compromiso, como ya he expuesto antes, con las dramatúrgicas autonómicas, ha sido constante y éramos conscientes de la deuda que teníamos con el teatro canario. La presencia este año en la Muestra ha sido posible gracias al esfuerzo de esta plataforma que con tanto empeño está desarrollando la compañía 2RC, no sólo a través de este estreno, sino también de sus actividades de talleres a lo largo de todo el año.

Los talleres de dramaturgia, cada vez más numerosos, ¿funcionan? Es decir: ¿Cuánta gente de tantas que participan en estos talleres acaba dedicándose a la dramaturgia?
Nosotros tenemos taller de dramaturgia desde la primera edición. Por aquí han pasado prácticamente todos los autores que además de tener un prestigio por su carrera específica, han demostrado su interés por la pedagogía. Autores como Sergi Belbel, José Sanchis Sinisterra, José Luis Alonso de Santos, José Ramón Fernández, Itziar Pascual, Paloma Pedrero, Ernesto Caballero, Rodolf Sirera, etcétera. También hemos tenido un Taller Estable durante tres años con jóvenes dramaturgos de la Comunidad Valenciana. El índice de participación ha sido altísimo y cada vez más se demuestra las ganas que las jóvenes generaciones tienen de adentrarse en la aventura teatral, más allá de las ansias televisivas o cinematográficas.
Normalmente hoy el concepto de dramaturgia es muy amplio y un autor suele necesitar compaginar su actividad escénica con otras tareas de autoría en otros medios. Pero no nos engañemos, eso también lo hacía Harold Pinter, o ahora David Mamet.

Observamos, cada vez más, una corriente, una línea, una imposición del mercado, una especie de censura (no sabemos muy bien cómo calificarlo) al respecto de qué se escribe y qué se programa actualmente. Producciones ofertadas o demandadas en el mercado actual por unas características determinadas y/o con intérpretes mediáticos. ¿Qué parte de responsabilidad tienen los programadores en esta especie de “censura”?
Pues muchas veces los programadores ejercen de ayatolás. Tienen ese discurso manido de “yo sirvo a lo que le gusta a la gente”. Pero ¿si no hacen una tarea de programar lo que no viene avalado por lo mediático, como va a transformarse el “gusto”? ¿Un programador que trabaja con el dinero de los contribuyentes “sólo” puede tener un gusto? ¿No se está excluyendo a una franja de ciudadanos que quieren ver otro tipo de teatro o danza, al margen de lo consolidado...? Por tanto, está claro, sí existe una cierta censura, la que determina el mercado dominante excluyendo a todo un teatro que no entra en los parámetros dominantes. De cualquier manera, tampoco creo que la cuestión se remita sólo a un juego de buenos y malos. Es momento de hacer propuestas positivas y lograr pactos para que las cosas se transformen y los mercados se abran. Por otra parte también pienso que los grupos y compañías deberían hacer una reflexión, y en algunos casos una autocrítica, para ver si sus propuestas artísticas y de producción son adecuadas para satisfacer a un espectador contemporáneo.

ENTREVISTA a: Rafael Morales Astola

ENTREVISTA a: Rafael Morales Astola



Presidente de la Federación Estatal de Asociaciones de Gestores Culturales (FEAGC), de la Asociación de Gestores Culturales de Andalucía (GECA) y de la Asociación Ibérica de Gestores Culturales (AIGCU).


Nuevas políticas culturales del siglo XXI en la Unión Europea.


Doctor en Filología Hispánica en Ciencias del Espectáculo por la Universidad de Sevilla, docente de los Masters de Gestión Cultural de las Universidades de Granada y de Sevilla, coordinador docente del módulo de Artes Escénicas del Máster de Gestión Cultural de la Universidad Oberta de Cataluña, docente de los cursos de Experto en Gestión Cultural de la Confederación de Empresarios de Andalucía (CEA), autor de diversos libros sobre cine y teatro, y ensayos sobre políticas culturales y gestión cultural, gestor cultural desde 1994 (en el Ayuntamiento de Cortegana y el Ayuntamiento de Sevilla-ICAS), director de grupos de teatro desde 1984 a 1994, coordinador de proyectos europeos vinculados a juventud y a cultura. Y es sevillano.
Está clarísimo que sabe lo que dice.



¿Cómo surge la idea de realizar este Congreso?
Hace tres años y medio, gracias al liderazgo de las asociaciones autonómicas de gestores culturales de Cataluña, Aragón, Castilla-La Mancha, Extremadura, Navarra, Andalucía y de la Asociación Española de Gestores del Patrimonio Cultural, se reactivó FEAGC, después de un largo período en estado de coma. Tras una fase de reflexión interna y de reforma de los estatutos, se pensó que era el momento de darnos a conocer al sector con una acción relevante. En 2007 había tenido lugar el exitoso Congreso sobre Institucionalización de la Cultura y Gestión Cultural, organizado por el Ministerio de Cultura. Se detectó la necesidad de crear un evento similar desde el propio sector, que sirviera para poner las bases de un nuevo rumbo, el cual nos dirigiera a la conquista de una serie de metas que dan sentido a nuestra organización: el reconocimiento profesional de la gestión cultural, la regulación del sector en cuanto a sus trabajadores y sus empresas, y la implantación de una formación universitaria reglada en gestión cultural. De ahí nace un Congreso en dos partes. La primera se celebró en Toledo, en diciembre de 2008, dando lugar, entre otros frutos, a un decálogo que tiene por misión servir de brújula a nuestra organización, tanto a nivel interno como externo. La segunda parte, ya en El Ejido, es la que nos ocupa aquí y ahora.


¿Cuáles son los objetivos que la Federación pretende alcanzar con este Congreso?
Podemos hablar de tres objetivos principales. El primero es iniciar el camino hacia un Plan Estratégico para la Cultura en la Unión Europea. La gestión cultural es local y global, y nuestro marco territorial internacional viene definido por nuestra pertenencia a la UE. Enclavar estratégicamente nuestra profesión en un discurso europeo es condición insoslayable para consolidar nuestros logros en el nivel local, regional o estatal. Asimismo comunicamos una idea de acción basada en un sentir cosmopolita, que entendemos inherente a la cultura. Europa, incluso, debe ser un paso para comprender el discurso de la gestión cultural como una experiencia humana global, que afecte a todas las regiones del planeta, en pro de una serie de valores que defendemos y propugnamos, como la diversidad cultural, la interculturalidad, el desarrollo humano y económico, la preservación del patrimonio (material e inmaterial), etc.
El segundo objetivo es situar a España como centro de reflexión y difusión de la gestión y políticas culturales del siglo XXI en la Unión Europea. En 2010 le va a tocar a nuestro país la Presidencia de la UE. El Congreso es una buena antesala para que, desde el sector profesional, aportemos nuestro punto de vista, crítico y cooperante a un mismo tiempo.
Una acción concreta en esta línea es crear la Federación Europea de Gestores Culturales; dicho proyecto se completa con una organización que aglutine a profesionales de la UE, Iberoamérica y el Mediterráneo. La gestión cultural es un buen marco para la cooperación y para la construcción de lazos entre personas. Queremos aportar profesionalidad a la cultura, pero también valores sociales.
España es puente a un lado y a otro. Podemos ser una estructura más para lograr un mundo mejor, más habitable, más amable, más tolerante y abierto. Actualmente estamos a la espera de asesoramiento por parte de la AECID,
para darle forma al proyecto.
El tercer objetivo es que este evento se caracterice por su creatividad tanto en sus contenidos como en su difusión, organización y realización. Por ello, no es un congreso clásico: conferenciantes excelentes y audiencia interesada en el tema. Hay tres formatos de ponencia: conferencia de profesionales excelentes, mesas transversales que buscan la alianza de la gestión cultural con los diferentes aspectos que construyen sociedad, y los paneles sectoriales. En los paneles hemos puesto una gran ilusión, pues con ello pretendemos generar una dinámica de debate durante meses y la posibilidad de retroalimentación entre ponente y congresistas incluso en el futuro.
Un año después del encuentro de Toledo, ¿en qué medida la profesionalización de la Gestión Cultural en el marco europeo se ha conseguido?
Podría decir que es pronto para detectar cambios. Pero no lo es. Hemos tenido ya contactos serios y concretos de carácter institucional y profesional para promover la Federación Europea de Gestores Culturales y la Asociación de Gestores Culturales de Europa, Iberoamérica y Mediterráneo. Una vez logradas estas herramientas de trabajo, moveremos cielo y tierra para establecer una interlocución con la UE, con la OEI (que ya está en marcha) y con organizaciones que operen en el ámbito del Mediterráneo.
A nivel español, hemos logrado avances importantes. Hemos recibido una respuesta favorable por parte del Ministerio de Trabajo y del Ministerio de Economía y Hacienda en relación a dos reivindicaciones clásicas: la creación del epígrafe de “gestor cultural” para los trabajadores en el INEM y de “gestión cultural” para las empresas del sector. Igualmente, pronto firmaremos un convenio con la FEMP, para cooperar en el reconocimiento profesional de los gestores culturales en ayuntamientos y diputaciones. Hemos creado tres secciones internas para trabajar en pro de una formación universitaria reglada, de la regulación para trabajadores y empresas, y de las industrias culturales. En breve, habrá un Grado de Gestión Cultural en la Universidad Antonio de Nebrija. Se extienden por todas las comunidades postgrados o masters oficiales en gestión cultural. Todo esto en los últimos meses. Por supuesto, no estoy diciendo que se deba al Congreso de Toledo; todo ello deviene de procesos iniciados hace años, incluso décadas. El mérito viene de muy lejos y de mucha gente e instituciones que empezaron cuando no había nada ni apenas nadie a quien acudir. Sí es cierto que el Congreso de Toledo ha removido las condiciones y ha contribuido, en su medida, a acelerar los cambios a mejor.


¿Qué líneas deberían seguir las “nuevas políticas culturales del siglo XXI en la Unión Europea”?
A los paradigmas de la democratización de la cultura y de la democracia cultural se ha sumado el paradigma de la diversidad cultural. Hay, claramente, una voluntad de sentido de lo humano en el terreno de las diferentes culturas. Dicha voluntad de sentido prevalece sobre cualquier otra consideración, frente a la barbarie y a la sinrazón que asola grandes regiones del planeta. A estos paradigmas se les ha dotado de políticas y planes que han dado mucho de sí, pero que aún no han servido para alcanzar el nivel de prioridad política deseable y necesario. Los gestores culturales, en el sector público y en el privado, desde las instituciones públicas y desde las industrias y empresas culturales, creamos valor social y valor económico. Queremos también crear valor estructural, desde la escuela hasta los centros de proximidad donde desarrollan su actividad los diferentes segmentos sociales, desde la propia cultura y las artes hasta cualquier espacio cívico como hospitales, centros docentes, medios de comunicación, palacios de justicia... Esto implica la existencia de una transversalidad operativa en el pensar y en el hacer. E implica, además, como se afirma en el Plan Estratégico para la Cultura en Andalucía (PECA), la institucionalización de la cultura como derecho y como recurso. Por lo demás, deben ser muchas, muchas personas, muchas instituciones, y muchas empresas, las que aporten esas nuevas pautas, o, mejor dicho quizá, las que pongan sobre la mesa una orientación para elaborar dichas pautas innovadoras para la política y gestión culturales.


¿Qué diferencia a este Congreso de los encuentros celebrados en España hasta la fecha?
Aunque hemos puesto empeño en darle originalidad y creatividad, deseo que la diferencia se manifieste en el sector especialmente tras el Congreso. Queremos que sea diferente por varios motivos. Uno, por incluir la creatividad y la participación previa a la celebración del propio evento. Dos, por presentar públicamente (y a debate) una “hoja de ruta” por parte de un sector profesional que todavía está por consolidar estratégica y estructuralmente. Y tres, por el esfuerzo que ha significado desde el sector profesional lograr, tras tantos años de travesía por la incertidumbre, un paso de gigante en el esclarecimiento de nuestro oficio, de sus compromisos con la sociedad y de su ya imparable cabalgada hacia los nuevos desafíos de la cultura y de la humanidad.

¿Cómo se pueden inscribir en el Congreso los interesados?
A través de la página web www.federacion-agc.es; hay un enlace a todo lo relativo al Congreso. Aunque hay reducciones en los precios hasta el 30 de septiembre, posteriormente a esta fecha mantendremos el plazo abierto. Eso sí, tenemos un aforo máximo de 600 participantes que, teniendo en cuenta el número de preinscritos hasta la fecha, lo vamos a cubrir con toda probabilidad, por lo que recomiendo que los gestores culturales se apresuren a reservar su plaza. La verdad es que el Congreso ha levantado mucha expectación desde varios meses antes de su inauguración.


¿Qué grado de profesionalidad hay en la gestión cultural en España? ¿Encontramos algunos problemas en la administración local?
Es justo reconocer que los niveles de profesionalidad, en el sector público y privado, y en comparación a épocas anteriores, es actualmente elevado. La consideración social que se le dispensa a nuestra profesión también es importante. Las instituciones apoyan nuestra iniciativa. Ahí está el apoyo de la administración central (Ministerio de Cultura), autonómica (Junta de Andalucía) y local (Diputación de Almería y Ayuntamiento de El Ejido). Los programas y planes puestos en marcha en el campo formativo desde los poderes públicos, así como la implantación progresiva de equipamientos culturales en todo el Estado, ha provocado la existencia masiva de una gestión profesionalizada de la cultura. El problema está en la escasez de formalidad reglada en la formación y, en consecuencia, en los centros de trabajo. Esto propicia el intrusismo, el amiguismo, el adanismo en un sector que paradójicamente exige cada vez más profesionalización. La administración local experimenta estas deficiencias en el mismo grado que otras administraciones y que, incluso, el sector privado. Nada escapa a los efectos de la incertidumbre que caracteriza, todavía, al sector.
En la Declaración de Toledo se aboga por una triple alianza: entre políticos y profesionales de la cultura, entre sector público y sector privado, y entre creadores y gestores culturales. Es cierto que esa triple alianza no funciona en muchos lugares. Pero también es verdad que ya funciona puntualmente en algunos casos. La triple alianza hay que rubricarla institucional, estratégica y estructuralmente. Ganará la profesión, ganarán las administraciones y ganará la sociedad.

Gianni está castigado y no puede salir a jugar.

Gianni está castigado y no puede salir a jugar.




gianni tosso



Cada vez más gente contesta, al ¿estudias o trabajas?, oposito. Y no es porque quieran hacerse los graciosos o esquivar una clara proposición flirteadora. No. Es que en efecto cada vez más gente pretende conseguir un puesto de trabajo con un salario seguro, con una jubilación asegurada y con las prestaciones sociales a salvo.
Cada vez son más, aunque no del todo certeras, las convocatorias del ICO para autónomos y pequeños empresarios, que en lugar de tratar de salvar una situación insostenible, proponen a las empresas meterse en más líos.
Cada vez son más los impagos de autónomos a la Seguridad Social. Empresarios que se resisten a echar el cierre definitivo y van dejando que las deudas se acumulen con la esperanza de poder ir cubriéndolas con el tiempo.
Cada vez son más las empresas que bajan el telón, definitivamente, en España. Mejor no hablar de cifras.
Cada vez son más las denuncias de empresarios y autónomos por el hecho de que no se facilitan créditos y operaciones bancarias de tal corte para garantizar la liquidez de las empresas.
Pero si consideramos que más de 1,7 millones de empresas (un 51,3% del total) no emplea a ningún
asalariado, y que un 27,9% del total tiene entre uno y dos empleados, es decir, que casi ocho de cada diez empresas tienen dos o menos asalariados, mientras que las empresas que emplean a veinte o más trabajadores sólo representan un 2,7% del total, podemos afirmar que España es un país de autónomos, o al menos, que son éstos quienes mantienen y mueven el sistema.
Y ¿qué hace el sistema a cambio? Entorpecer, sanguijuelear las tetas de la vaca hasta conseguir que desaparezcan.
En cambio, hay que ver cómo son las cosas, al cierre de la edición de esta Revista, el IBEX-35 registra su segundo máximo consecutivo de este año, situándose en los 11303,8 puntos. Qué bien.
Y curiosamente los valores que más suben son los bancarios: Banco Popular (4,60%), Bankinter (3,56%), BBVA (3,34%), Repsol (2,13%), Santander (1%).

Pero como uno es de natural optimisma, sigue adelante, tal y como la mayoría de los empresarios de la cultura hace, reinventando las líneas de actuación cada día, besando cada año de experiencia vivido hasta la fecha y poniendo el ojo en los calendarios que vendrán. Agradeciendo que los bancos ganen cada vez más dinero, porque gracias a ello se podrá invertir mucho dinero dentro de unos meses, en cuanto se allane el camino.
Y con el mismo optimismo, uno mira con la vista puesta en las próximas elecciones generales, en la que todos tendremos la oportunidad que el sistema nos brinda para elegir libremente a nuestro nuevo señor feudal. Trataremos de votar a alguien que sepa explotar a los siervos con mejor mano izquierda, o derecha, que para el caso es lo mismo.
También se entusiasma uno con que haya cada vez más funcionarios, porque en cualquier momento se hace uno con alguno como partenaire y así se agarra a una tabla de salvación para poder cerrar en agosto por vacaciones.
Que esa es otra. El cierre vacacional de este agosto ha sido de batir records. No sólo las administraciones, al menos las que se encargan de los pagos, han cerrado por vacaciones. Han cerrado infinidad de chiringuitos con el sano propósito de gastar menos estando cerrados que permaneciendo abiertos. Incluso muchas empresas de música, danza y teatro han cerrado este agosto, suponemos que para desenchufar conciencias.

Así lo veo yo



Así lo veo yo

Juan Clown y la democracia feudal.



elena aguiar






sólo para profesionales


sólo para profesionales


Los 3 errores más habituales (y costosos) en Marketing.

isaac belmar


¿Comete estos errores en su Marketing? Todos lo hacemos alguna vez, resultan muy costosos y por desgracia demasiado comunes. Por eso vamos a ver cuáles son y qué podemos hacer.
Todos cometemos errores, es algo inevitable y que nos acompañará hasta el último de nuestros días, sin embargo, que sea así no implica que:
a) No intentemos reconocer cuáles son.
b) No intentemos ponerles remedio.
Eso es lo que vamos a hacer aquí con respecto al Marketing.
Por experiencia hay tres errores fundamentales que se suelen cometer por parte de las pequeñas y medianas empresas a la hora de desarrollar el Marketing. Prácticamente ningún negocio se libra de cometerlos en algún momento y, por supuesto, éste que escribe también. El verdadero problema lo tenemos cuando esos errores son una constante, es decir, que sistemáticamente los repetimos y además optamos por la peor de las estrategias, que es cerrar los ojos ante ellos.
El resultado es fácil de adivinar: marketing poco rentable, resultados escasos y frustración, porque en muchas ocasiones y por desgracia para la pyme, el Marketing es sinónimo de eso precisamente, de frustración.
Error número 1: mensajes débiles.
Hoy día es tal el nivel de ruido y competencia que cada vez es más difícil decir las cosas de manera que se nos oiga y, sobre todo, que se nos haga caso. Cuando uno lee la mayoría de los mensajes de Marketing que le llegan puede ver un patrón común que se basa en el “Yo, Yo y Yo”. “Nuestra empresa esto y nuestro producto lo otro”.
Por desgracia nuestra empresa y nuestro producto, el modo en que trabajamos o cómo creamos la iniciativa en su día es algo que sólo nos interesa a nosotros. Al cliente todo eso lo único que le proporciona son ganas de reciclar el folleto o hacer clic para cerrar la ventana de su navegador.
El mensaje adecuado habla siempre y en primer lugar de la necesidad del cliente y luego de cómo puede solventarla con lo que hacemos. El cliente quiere oír hablar de él, sus problemas y cómo puede solucionarlos. Quizá con el tiempo y una relación más sólida, algún cliente quiera saber más sobre cosas de nuestra empresa, pero al principio le importa él y lo que ha venido a buscar, si no se lo decimos de manera rápida y convincente, se va. Así de simple.
Tarea: revisar nuestros mensajes. Eso incluye nuestros folletos, sitio web, tarjetas de visita, cuñas de radio... Poner en primer lugar de todos ellos lo que realmente busca el cliente y comenzar a cambiar cada referencia a nuestra empresa por una referencia a lo que de verdad le importa a aquel a quien nos dirigimos.
Error número 2: disparar a ciegas.
Recientemente en un interesante artículo llamaban a esto spray and pray. Es decir, lanzar el mensaje como un spray a todo lo que se mueva y ponerse a rezar para que alguna semilla caiga en tierra fértil.
La rentabilidad no está en intentar abarcar todo lo posible y vender a todo el mundo, sino en tener un segmento de clientes fieles con los que establecer una relación leal, profunda y duradera.
El camino más rápido para un marketing poco rentable es usar esa “estrategia en spray” de campañas a todo el mundo. Mil teléfonos cualquiera a los que llamar son peores que 20 teléfonos de clientes ideales. Si queremos que nuestro marketing sea rentable y dé frutos en forma de ventas, es hora de plantearnos un marketing de precisión, buscando realmente a quien nos quiera escuchar y quien pueda favorecerse de lo que hacemos, aunque cueste un poco más.
Tarea: definir claramente nuestro cliente ideal. Si ya tenemos clientes miremos quiénes son los mejores, sus rasgos comunes nos indican el tipo de cliente que deseamos atraer y será más fácil definir claramente y por escrito quién es nuestro cliente ideal.
Una vez tengamos un retrato robot de ese cliente ideal debemos preguntarnos: ¿Dónde puedo encontrarlo? ¿Cuál es la mejor manera de contactar con él? ¿Cuál es su necesidad o deseo más urgente (para aplicarlo en la tarea anterior)?
Lo siguiente es refinar nuestro Marketing para que sea de precisión y enfocado en ese tipo de cliente.
Error número 3: no dar seguimiento.
Cada día que pasa es más difícil conseguir una venta “a la primera”, por eso, en vez del enfoque duro de vender es mejor un enfoque de relación paso por paso. Un posible cliente puede no habernos comprado en el momento, pero eso no significa que no lo pueda hacer en el futuro. Hay que dar un seguimiento, sin un seguimiento estaremos perdiendo la mayoría de las ventas porque casi ninguna podrá ser a la primera.
Para eso tenemos que tener en marcha una estrategia de gestión de clientes y contactos, almacenando los datos, pidiendo permiso para comunicarnos con ellos, preocupándonos por suministrarles valor y hacerles la vida más fácil.
El resultado debe ser que, con el tiempo, estemos ahí y demostremos que somos de confianza para cuando le surja la necesidad. Si lo que ofrecemos es un servicio o bien un producto de cierto valor monetario, esta estrategia es todavía más vital.
Tarea: tener una estrategia de seguimiento. Tenemos que crear una relación. El escenario más favorable para nuestro negocio es tener una estrategia de CRM (Customer Relationship Manager), idealmente complementada con un buen software de CRM. Si no la tenemos hay que ponerla en marcha. No implica necesariamente grandes desembolsos, implica preocuparse por el cliente presente o futuro y no perder el contacto, mostrando poco a poco que somos alguien en quien merece la pena confiar. Y si la tenemos preguntémonos: ¿Está funcionando correctamente? ¿Qué tres cosas podría hacer para mejorar su efectividad? Pensemos un momento y anotemos en un papel.

Pensando en el presente y el futuro de la autoría teatral de Canarias.


El proyecto Canarias Escribe Teatro (Nuevas Voces) nace de la necesidad de potenciar el conocimiento y la visibilidad de la autoría teatral canaria a todos los niveles, es decir, tratar de utilizar todos los medios al alcance para trabajar alrededor de la figura del dramaturgo canario, que hasta ahora ha sido uno de los elementos más desfavorecidos de la realidad teatral, no sólo por el hecho de que muchos de ellos están trabajando alejados de la escena real, es decir, de las compañías profesionales, salvo honrosas y claras excepciones, sino además porque no han sido suficientemente valorados.
El planteamiento se materializa en una serie de acciones en tres líneas fundamentales: la formación, la producción y la reflexión, cuyos objetivos son a medio y largo plazo.
Canarias Escribe Teatro (Nuevas Voces) se plantea como un proyecto de presente y futuro, tratando de potenciar la visibilidad y proyección de la dramaturgia presente y posibilitar la creación de la futura.
Tres aspectos son necesarios para abarcar todo el espectro de las necesidades de un autor teatral. En primer lugar, la formación: en este sentido se plantea un Taller Permanente de Escritura Teatral, que incluye cuatro seminarios maestros con cuatro autores contemporáneos de marcado prestigio nacional. Este taller incluye, y es lo que realmente lo hace necesario y especial, una serie de sesiones permanentes de trabajo entre los seminarios maestros, a fin de que los autores que participen puedan seguir vinculados entre sí, trabajando en coordinación con un dramaturgista, que tiene entre sus objetivos el debate, la crítica constructiva y la elaboración de textos dramáticos. En segundo lugar, pensando en cómo vincular esos textos y esos autores, se realiza la producción de un espectáculo al año. Tal es el caso de Los Mares Habitados, escrito por cuatro dramaturgos, y otra serie de acciones relacionadas con la puesta en escena, como potenciar ciclos de Lecturas Dramatizadas.
La exhibición de los espectáculos producidos bajo el proyecto Canarias Escribe Teatro (Nueva Voces) insistirá en la posibilidad de presentar en festivales nacionales e internacionales la figura de los autores. Para tal fin, se plantean actividades complementarias que den a conocer el conjunto de la autoría teatral canaria, o a los autores y autoras en particular, vinculados a la producción presentada. Charlas, exposiciones o mesas redondas que coincidirán con los días previos o posteriores al evento y que forman parte de la tercera de las líneas de acción del proyecto: la reflexión.
Entre marzo y abril de 2010, se pondrán en marcha unas jornadas de encuentro entre autores y autoras a fin de analizar el estado de la cuestión dramatúrgica canaria. Se está trabajando en el establecimiento de un censo de autores teatrales canarios y una serie de temas de reflexión para las diferentes mesas de trabajo, donde puedan abarcarse todas las generaciones de escritores y escritoras teatrales y todas las sensibilidades creativas contemporáneas.
Este proyecto nace con la visión de ser un proyecto a medio y largo plazo que sea beneficioso para el conjunto del teatro canario, sin excepción. Están invitados a participar y colaborar tanto profesionales como instituciones, y es precisamente el esfuerzo del trabajo en común entre distintas instituciones lo que ha permitido desarrollar el Taller Permanente de Escritura Teatral con mayor ambición y capacidad de inserción en nuestra sociedad, en concreto la participación de la Escuela de Actores de Canarias, Cabildo de Gran Canaria y la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria han permitido contar con mayor presupuesto e infraestructuras que se añaden al principal valedor y patrocinador: SEPTENIO Canarias, que desde el primer momento vio en Canarias Escribe Teatro (Nuevas Voces) un proyecto sólido y necesario para el desarrollo del teatro en Canarias.

I Premios Réplica de Artes Escénicas.


La Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Canarias, Réplica, convoca los primeros Premios Réplica de Artes Escénicas de Canarias.
Para Réplica, la trayectoria y la situación actual del sector de las artes escénicas en Canarias, tanto por número de espectáculos y profesionales como por la calidad de los productos, hacen necesario el reconocimiento del trabajo de las compañías y de los trabajadores del sector en Canarias. Por ello presenta la creación de los Premios Réplica de las Artes Escénicas. Así, la Asociación de empresarios entiende que la celebración de una gala de entrega de premios brinda una inmejorable oportunidad para potenciar y promocionar la danza y el teatro hecho en las islas. El galardón será obra de un artista residente en la región, de elevada y contrastada calidad.
Los galardones serán entregados en el transcurso de una gala de entrega de premios el día 14 de diciembre en el Auditorio de Tacoronte, en Tenerife, y las estatuillas a entregar serán: al Mejor Espectáculo, a la Mejor Dirección, al Mejor Intérprete, Masculino, y Femenino, al Mejor Autor, al Mejor Coreógrafo, a la Mejor Iluminación, a la Mejor Escenografía y al Mejor Vestuario.
También será entregado un Premio de Honor a una personalidad relacionada con el mundo de la escena en base a su relevancia o trayectoria profesional en el ámbito de las Artes Escénicas.
Podrán concurrir a los Premios Réplica de las Artes Escénicas, las empresas productoras, o compañías profesionales, de Danza y Teatro, con domicilio fiscal en la Comunidad Autónoma Canaria.
A la organización de la Asociación de Empresas Réplica, se une el patrocinio del Gobierno de Canarias, y de los Cabildos de Tenerife y de Gran Canaria. El plazo de inscripción finaliza el día 31 de octubre y tanto las bases de la convocatoria como los formularios de los espectáculos pueden descargarse en la página web de la Asociación de empresarios:
www.asociacionreplica.es

Festival Atlántico Sonoro


El Festival Atlántico Sonoro cerró la edición de este quinto aniversario con una afluencia de 2.000 personas que participaron en sus actividades diurnas en el Jardín Botánico del Descubrimiento de Vallehermoso, en las acuáticas del Parque Marítimo del mismo municipio y en los conciertos nocturnos, que se celebraron en el balcón de este maravilloso espacio, y que corrieron a cargo de los grupos Terekitetap, Angélica y Eso no importa.
El encuentro del Silencio resaltó especialmente los valores y las tradiciones gomeras con el taller de tambor y chácaras que se celebró el sábado de la mano de Tanagua. El domingo tuvo lugar el taller de silbo gomero con el experto silbador Lino Rodríguez quien trajo a sus alumnos de las escuelas gomeras donde imparte esta asignatura. Entre los participantes a esta actividad se encontraba el medallista olímpico canario Enhamed Mohamed, al que la organización ha distinguido como Perfil Sonoro. Todo ello en el mismo año en el que se defiende la candidatura del silbo gomero como Patrimonio Mundial de la Unesco.
Estos talleres se impartieron en la zona del Festival dedicada a los Perfiles Sonoros que es el especial homenaje que hace Atlántico Sonoro a personajes relevantes de la cultura gomera, como es el caso del Premio Canarias 2009 de Cultura Popular Isidro Ortiz Mendoza; o los Medalla de Oro de Canarias, Concepción Trujillo, Juan Ramón Hernández, Gumersindo Trujillo y Pedro García Cabrera. Este encuentro, llamado del Silencio, es una iniciativa de la Viceconsejería de Cultura del Gobierno de Canarias en colaboración con el Cabildo Insular de La Gomera y el Ayuntamiento de Vallehermoso. Se encuadra dentro de un plan del Gobierno regional para revitalizar las zonas históricas no capitalinas con actividades culturales y de ocio.


La Tristura, en el Teatro Pradillo.


Del 10 al 20 septiembre, de jueves a domingo, exceptuando el día 19, en el Teatro Pradillo, la compañía madrileña La Tristura, pone en escena la obra Años 90. Nacimos para ser estrellas, ganadora del Premio INJUVE 2008, en el apartado de Propuestas Escénicas.
Este es el segundo trabajo de La Tristura, joven compañía compuesta por Pablo Fidalgo y Celso Giménez, autores de los textos, y por las actrices Itsaso Arana y Violeta Gil.
Con el espectáculo La velocidad del padre, la velocidad de la madre (2006), realizaron una gira por diversas ciudades de España, como Sevilla, Bilbao, Valencia, Madrid o Vigo. En 2008, gracias a la colaboración del Aula de Teatro de la Universidad de Alcalá y de La Casa Encendida, estrenan Años 90 con el que participan en diferentes festivales nacionales e internacionales. Años 90. Nacimos para ser estrellas es un recorrido por la última década del siglo veinte a través de la historia íntima de dos hombres mayores. Un llanto por el siglo veinte. Una historia de amor para contar la historia del mundo. Contra la violencia y la sociedad del espectáculo, los hombres se asocian creando formas de vida diferentes, como alternativa a las vidas comunes.

Bastarda Española, en la Sala Cero Teatro.


La sevillana Sala Cero Teatro celebra su décimo aniversario y es la compañía Bastarda Española la que abre esta temporada tan especial, entre el 17 de septiembre y el 4 de octubre, de jueves a domingos, con Estrella Sublime, que regresa por séptima temporada, tras superar los 30.000 espectadores.
En esta comedia de Marga Martínez y Lola Marmolejo, dirigida por Antonio Campos e interpretada por Lola Marmolejo y Charo Urbano, Lola, camarera sevillana, aguanta a los borrachos de turno mientras ve pasar el despecho de su último hombre. La humillación le hace blasfemar. Para su sorpresa una fantasmal aparición responde y le reprende. Y lo que cuenta Macu es la traslación al mundo del ritual litúrgico de las penas de Lola. Dos mujeres que sueñan, que empiezan a hacerse amigas en un encuentro iniciático.Bastarda Española, fundada en 1998 por Antonio Campos y Lola Marmolejo, se da a conocer con Carmen Confía, primer premio del concurso literario Elena Martín Vivaldi, del Instituto de la Mujer. En 2001, con la incorporación de Marga Martínez, estrena el espectáculo Estrella sublime y en 2003 su último proyecto, Capote de Valentía. Las tres obras conforman una trilogía que refleja la vida cotidiana de los 50, la tradición iconográfica y mariana, y el mundo del toro.

La Cabra, busca novio.


Del 4 al 26 de septiembre, viernes y sábados, la compañía argentina La Cabra, de Valeria Alonso, compañía residente en la Sala Triángulo, en Madrid, representará en esta misma sala la obra Boyfriend, una creación de la propia Valeria Alonso.
Interpretada por Valeria Alonso, Marina Borner, Ana del Arco, Marianna Miozzo y Teresa Rivera, Boyfriend es un proyecto artístico que combina danza contemporánea, teatro y vídeo.
El espectáculo reflexiona mediante el humor sobre las relaciones entre los hombres y las mujeres, sobre las formas de conquista, de convivencia, de imágenes establecidas en el universo del amor.
Una mujer vestida de novia llora desesperadamente por el espacio, llora, grita y corre. Busca algo desesperada. ¿Busca a su novio? ¿A un novio? ¿A cualquiera?Los vínculos que impone la sociedad, el legado familiar, los medios de comunicación. Todo ello dispara en las mujeres un modelo concreto de feminidad, un camino aparentemente escrito y que se manifiesta en su cuerpo, en su forma de ser y de pensar en relación con los demás. Boyfriend habla de los deseos femeninos, en un ambiente ambiguo entre lo que ellas deciden y la degradación y manipulación que les imponen la cultura y la sociedad.

2RC Teatro, estrena Los Mares Habitados.


2RC Teatro, Compañía de Repertorio, estrena los días 3 y 4 de octubre Los Mares Habitados, en el Centro Cultural Cine de Sardina del Sur, en Gran Canaria. Una propuesta escénica que cuenta con el director canario Carlos Alonso Callero, premio José Luis Alonso 2007 de la Asociación de Directores de Escena de España, el impulso estético de la escenógrafa Alicia Pardilla y la participación de los intérpretes Naira Gómez, Víctor Formoso, Cata Blánquez, Carlos de León, Natalia Rocamora y del equipo artístico de 2RC Teatro.
Los Mares Habitados nos habla de los sueños de miles de seres humanos que dejan atrás sus hogares en busca de una oportunidad. Cuatro historias originales de Antonio Tabares, Irma Correa, Carlos Alonso Callero y Orlando Alonso, que hablan de la soledad y la angustia de quienes viven con la esperanza de una existencia digna, en un planeta deshumanizado. Cuatro cuentos sobre ese “purgatorio” que construimos los países “desarrollados” para encerrar a los que no nos convienen económicamente.
El espectáculo navega sobre mares llenos de trampas y laberintos. Busca, desde nuestro punto de vista privilegiado y trágico como puerta a Europa, alzar la voz con una de las herramientas de comunicación más antiguas e interesantes en esta era tecnológica: el Teatro. Canarias siente la inmigración en su carne y en sus arrecifes, Canarias quiere crear puentes con la realidad.
Los Mares Habitados surge del proyecto Canarias Escribe Teatro (Nuevas Voces), cuyo objetivo es el fomento y la difusión de la autoría teatral canaria. Un intento de reflexión sobre la inmigración, visto desde nuestra insularidad y con el lenguaje de nuevos autores y autoras canarios.

Persones Perdudes.


Josep Costa, del 10 de septiembre al 4 de octubre, en su sala de Barcelona.
Persones Perdudes (Lost Persons Area), que recibió el Premio Octubre de Teatre en 2007, sitúa la acción entre el otoño de 1960 y el invierno de 1963. Teddy, un prestigioso escritor, visita a Maggie para decirle que le han comprado los derechos de una novela para hacer una película, pero que la productora no la quiere a ella como protagonista. A lo largo de ocho escenas asistimos al proceso de degradación física y mental de Maggie y a su trágico final.
Lost Persons Area es el cartel que aparece en una fotografía de Elliot Erwitt. En la fotografía unas mujeres esperan a alguien que se ha perdido o que no quiere volver. Los personajes de esta comedia son personas frágiles, en un mundo que no lo es. Una actriz deseada por hombres y mujeres, adicta al alcohol, estimulantes y tranquilizantes, un escritor famoso, un joven que quiere ser actor y otro personaje del que es mejor no saber nada. A través de unos personajes inspirados en personas reales, Marilyn Monroe y Truman Capote, la obra presenta un mundo de ficción que no resulta extraño. Se reconocen los personajes e, incluso, se puede llegar a pensar que las cosas fueron precisamente así.

Divorciadas, evangélicas y vegetarianas.


Los días 2, 3 y 4 de octubre, abriendo la próxima temporada del Teatro Cuyás, en Las Palmas de Gran Canaria, Profetas de Mueble Bar recupera, una década después de su estreno, Divorciadas, evangélicas y vegetarianas, de Gustavo Ott, con Carmen Sánchez, Blanca Rodríguez y Yanet Sierra y dirigida por Juan Ramón Pérez, Fernando Navas y Carmelo Alcántara.
Esta es una divertida comedia que canta a la amistad entre tres mujeres en crisis. Un espectáculo lleno de humor y ternura, de mensaje positivo, de realidades humildes y de grandezas minúsculas.Gloria, que está mal, se encuentra con Beatriz, que está muy mal, y se la lleva a ver a su amiga Meche, que está peor. Al día siguiente, deciden ir juntas de excursión para ver amanecer e iniciarán un camino que no habían pisado antes.

Bonnie y Clyde, de Teatro Galo Real.


La Compañía Teatro Galo Real, en colaboración con Teatro Lagrada, pone en escena del 22 al 26 de septiembre, en el Teatro del Retiro, en Madrid, la obra de Guillermo Berasategui e Iván Luis, dirigida por este último, Bonnie y Clyde, con las interpretaciones de Andrea Jaurrieta, Guillermo Berasategui y Carlos Gracia.
Este es el tercer montaje de la compañía, tras Othello y El Mercader de Venecia. Bonnie y Clyde es un texto de creación propia, en el que cambian completamente de género y estilo. Una obra dramática, pero salpicada de ciertos momentos cómicos y a veces paródicos, con la que ya han conseguido el premio a la mejor escenografía, en el primer Certamen de Teatro Independiente Ciudad Lineal Escena, el pasado mayo.
La obra está basada en hechos reales. Los autores han buceado en la historia rescatando diversos pasajes importantes y personajes reales, y añadiendo otros ficticios para destacar y potenciar ciertos elementos.El resultado es una obra tipo documental con escenas reales, que alternan con algunos testimonios, en la que sólo tres actores representan a los 24 personajes, salpicada de flash-backs, flash-forwards y con un lenguaje que en muchos momentos roza lo cinematográfico.

Fedra, en el Bellas Artes.


Del 11 de septiembre al 18 de octubre, el Teatro Bellas Artes, de Madrid, pone en escena la obra Fedra, en versión de Juan Mayorga y bajo la dirección de José Carlos Plaza. Esta producción de Pentación Espectáculos cuenta con las interpretaciones de Ana Belén, Alicia Hermida, Fran Perea, Chema Muñoz, Javier Ruiz de Alegría y Víctor Elías.
Según su director, José Carlos Plaza, este espectáculo se construye “desde hoy sobre el mundo mitológico, atemporal e indefinido”. Y continúa: “No vamos a traer a Fedra, Teseo o Hipólito hacia nosotros, no los vamos a vestir de gángster o con jeans. Vamos a intentar ir hacia ellos. A ver si se nos pega un poco de su grandiosidad y nos limpia tanta mediocridad que van acumulando sobre nosotros”.
Juan Mayorga, que para su versión se ha basado no sólo en el Hipólito de Eurípides, sino en la Fedra de Séneca y en la de Racine, afirma: “He optado por situar la fábula en el tiempo mítico, renunciando a su actualización o a su ubicación en un momento histórico. El tiempo mítico es siempre actual y contiene todos los tiempos históricos”. Aunque, para Mayorga, si bien la tragedia se alimenta del ejemplo de los grandes maestros, la palabra y la teatralidad deben ser las de una tragedia para nuestro tiempo.

Valie-Abramovic-Regina.


Los días 23 y 24 de octubre, en el Centro Párraga, en Murcia, Regina Fiz representa Valie-Abramovic-Regina.
En 1969, Valie Export realiza Aktionshose; Genitalpanik (pantalones de acción; pánico genital) paseándose con unos pantalones sin entrepierna y metralleta en mano por las filas de un cine porno. Amenazados tanto física como psicológicamente, por el arma y por el cambio ontológico de una imagen de genitales reales, los espectadores abandonan el cine. Es su intento por desmantelar el régimen de visión patriarcal y las estructuras de poder que favorecen imágenes de “feminidad”.
Veintiséis años después, Marina Abramovic reconstruye la pieza durante siete horas en el Guggenheim de New York, dentro del ciclo Seven Easy Pieces. Abramovic se pregunta cómo es posible recrear esas performances si el autor ya no las hace, ¿en qué condiciones deberían hacerse? Ahora Regina Fiz, vinculada en su trayectoria a cuestiones de género, recrea de nuevo esta acción implicando su cuerpo. Un cuerpo en diálogo con el espectador y con el trabajo previo de Export y Abramovic, concibiendo la pieza Valie-Abramovic-Regina como un tríptico: la foto de Valie Export de 1969, el vídeo de Abramovic de 2005 y su propia acción en vivo durante cinco horas.


¿Y si te canto canciones de amor?


Los jueves de septiembre, en Espacio Temporal, de Madrid, La Encina Teatro representa ¿Y si te canto canciones de amor?, de Dino Armas, adaptada y dirigida por Paco Sáenz, interpretada por Ángel Ferrero y Esther Izquierdo y producida por Está Por Ver Producciones.
Una comedia profunda de diálogos inteligentes entre dos seres inseguros que comparten apartamento: Pachi, maestra desordenada e infeliz, y Fidel, un gay incomprendido y abandonado por su pareja. Abrumados por el peso de sus vidas deciden suicidarse juntos, el 24 de diciembre a las 12 de la noche. Los trabajos de La Encina Teatro presentan algo en común: el juego de las pasiones y de las emociones desde la creación del autor hasta la percepción del público.

Emotikon, de Ados Teatroa.


Ados Teatroa presenta su espectáculo Emotikon, creado y dirigido por Garbi Losada, que continúa en gira por distintos festivales internacionales. Podrá “verse” los días 11 y 12 de septiembre en FiraTàrrega y 6 y 7 de octubre en el Festival de Molina de Segura.
Emotikon es una aventura sensitiva, una experiencia teatral en el interior de un complejo de arquitectura textil que introduce al público en un universo casi sin luz en el que se amplifica la percepción de los estímulos auditivos, táctiles, olfativos y gustativos.
El espectáculo propone un nuevo juego de relación con los espectadores, que renueva el ritual escénico. El público, en pequeños grupos, está constantemente inmerso en el centro de la escena y es parte de ella.

¡Luz, más luz!, de HelenaTurboTeatro.


HelenaTurboTeatro pone en escena ¡Luz, más luz!, el 24 de septiembre en el Auditorio de Tacoronte, el 2 de octubre en la Casa de la Cultura de Los Realejos y el 10 en Icod de los Vinos.
¡Luz, más luz!, es un espectáculo basado en textos de Mercedes Pinto, adaptados por Paco Monge y protagonizado por Guacimara Gil y Carmen Hernández. La dirección corre a cargo de Helena Romero.
Se trata de una semblanza emotiva y colorista de la propia autora, un abanico que evoca su apasionada biografía y parte de su original repertorio creativo. La intención ha sido presentar una pieza que muestre la visión de una mujer canaria comprometida y compleja, una mujer que se adelantó a su tiempo.

Siempre Fiesta, de Cuarta Pared.


Entre el 3 de septiembre y el 4 de octubre, la compañía Cuarta Pared representa, en su sala de Madrid, la obra Siempre Fiesta, de Luis García-Araus, Susana Sánchez y Javier G. Yagüe, bajo la dirección de este último y con las interpretaciones de María Antón, Luciana Drago, José Melchor, Javier Pérez-Acebrón, Asu Rivero y José Sánchez. Es la historia de una familia que vive en una fiesta constante. Pero el mantenimiento de su modo de vida acaba convirtiéndose en algo insostenible que descompone el núcleo familiar. Una fábula social sobre la búsqueda de la felicidad. Con esta obra, la compañía pone en escena un teatro actual, con un lenguaje innovador y diferente, que busca la sorpresa continua produciendo experiencias intensas en el público.

TEATROFIA sigue Echando raíces.


La compañía de clown TEATROFIA representa Echando raíces los días 3 de octubre, en el Teatro Auditorio de El Sauzal, y el 11 en el Festival de Teatro de Icod de los Vinos.
El espectáculo de humor sin palabras expone y critica en clave de clown, el maltrato que la sociedad da a nuestro entorno.
Tres individuos, interpretados por Antonio Conejo, Juan Luis Moreno y Juan Reyes, se van de acampada para pasar una sola noche. En ese espacio de tiempo asolan de tal manera el monte, que, cuando se han ido, no hay modo de reconocer si hubo vida allí alguna vez. Basuras, incendios, tala de árboles, caza furtiva... En fin, lo que todos hacemos en casa alguna vez.En el apartado técnico está Elena Ramos, que casi participa como una actriz más.

Medalla de Oro del Liceu 2009 para María de Ávila.


Dentro de los actos de conmemoración del décimo aniversario de la reapertura del Liceu, la comisión ejecutiva decidió entregar diez medallas de oro a diez personalidades de reconocido prestigio y con una estrecha vinculación personal y profesional con la escena. El acto de entrega tiene lugar el 1 de octubre de 2009, día de la inauguración de la temporada operística 2009/2010, aunque en realidad la temporada empieza en septiembre, con el English National Ballet.
La mujer cuyo nombre está ligado para siempre con el del Conservatorio Superior de Danza de Madrid, nació en Barcelona en 1920, y se ha convertido en figura clave de la danza en nuestro país.
María de Ávila comienza sus estudios de ballet clásico y español a los diez años con Pauleta Pamiés, en el Liceu de Barcelona. Rápidamente entró a formar parte del Ballet del Liceu, y en 1939 ya era primera bailarina. Durante este tiempo trabajó como partenaire habitual del bailarín Juan Magriñá y protagonizó inolvidables interpretaciones como la de El Amor Brujo en 1939, junto a Vicente Escudero. El Premio Santa Isabel (1965), el Premio San Jorge (1974), la Medalla de oro de la ciudad de Zaragoza y la de las Bellas Artes, y la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio, son algunos de los galardones con los que cuenta María de Ávila, directora también de dos compañías nacionales de danza de 1983 a 1986.

El Blue Lady de Carolyn Carlson sin Carolyn Carlson.


El histórico solo de Carlson bailado por un hombre veinticinco años después, durante los días 10, 11 y 12 de octubre en el Mercat de les Flors.
Carolyn Carlson vuelve a llevar a los escenarios su solo legendario, Blue Lady, interpretado esta vez por el gran bailarín y coreógrafo finlandés Tero Saarinen. Carlson toma como referencia la figura del onnagata, un actor/espía masculino travestido que interpretó papeles femeninos durante el barroco. La evolución de la obra pasa por ser reinterpretada por un hombre, Tero Saarinen, con una personalidad enigmática y una técnica profundamente original con rasgos de una clara ambigüedad y androginia. Carolyn Carlson es directora artística del Centre Choréographique National Roubaix Nord-Pas de Calais, Francia, desde 2004. Su carrera profesional, iniciada en 1965, la ha llevado a dirigir ballets como el del Teatro de La Fenice de Venecia y el Ballet Cullberg de Estocolmo y ha sido artista residente del Ballet Nacional de Finlandia y el City Theater de Helsinki. En junio de 2006 recibió el primer León de Oro concedido a una coreografía por la Bienal de Venecia.

Cetradanza, Animales de compañía.


La formación aragonesa Cetradanza está en los días 12 y 13 de septiembre en la Plaza de las Naciones, y con entrada gratuita, dentro de FiraTàrrega 09.
Esta compañía, compuesta por los bailarines Ángel Campo, Eva Cortés, Janet Rühl, Anrd Müller y Javier Sangrós y con un largo recorrido en el mundo de la coreografía, la creación de espectáculos y la pedagogía, nos ofrece una pieza centrada en la cotidianidad y la relevancia de las pequeñas cosas. Partiendo del concepto de sencillez crea un espacio donde todos los gestos toman significado de forma natural, no impuesta. Aun así, la coreografía fomenta una cierta ambigüedad, con el objetivo de que el espectador haga su propia interpretación y asuma el rol de (re)creador artístico.
FiraTàrrega nació en 1981 gracias a la iniciativa del entonces alcalde de Tàrrega, Eugeni Nadal, y fruto de una confluencia de ideas. Para encaminar este proyecto, Nadal contó, desde el primer momento, con la complicidad de Xavier Fàbregas, jefe del Servei de Cinematografia i Teatre de la Generalitat de Catalunya y de Joan Font, director de Comediants.

Me Amontono, Crónica de la incertidumbre.


Me Amontono. Crónica de la Incertidumbre está en FiraTàrrega 09 del 24 al 27 de septiembre. Me Amontono nace en un año en el que la compañía Losdedae, por distintas circunstancias, se ha visto afectada, surgiendo la necesidad de comunicárselo al público y hacerlo partícipe de la situación. Chevi Muraday (Premio Nacional de Danza 2006) crea una historia onírica y sugerente, apoyada por una escenografía compuesta de ropa blanca, de la música de Ricardo Miluy y de un trabajo muy físico de los bailarines de Losdedae. Este trabajo es la continuación del solo Ni Moderno ni Belga, creado a partir de una pregunta que se hace el coreógrafo sobre en manos de quién estamos, de donde surge la reflexión acerca de la situación actual de la danza en España.
Treinta y una son las coreografías en el repertorio de Losdedae, creada en el año 1997 por el bailarín y coreógrafo Chevi Muraday y que a comienzos del año 2007 consiguió una residencia en la ciudad de Alcalá de Henares, lugar en el que se instala amparando un proyecto de promoción y difusión de la danza contemporánea.

Compañía Linga, en el TNT.


La séptima edición del TNT, Terrassa eN movimenT, comienza el jueves 1 de octubre en el Teatro Alegría con el espectáculo La Kitchen, de la compañía suiza Linga, de los coreógrafos Katarzina Gdaniec y Marco Cantalupo.
La Kitchen retrata, en el espacio de una cocina, las relaciones familiares y la violencia doméstica, utilizando un especial vocabulario para hacer frente a situaciones políticas y sociales. La formación creada en 1993 posee el apoyo conjunto de las ciudades de Pully y Vaud, y de Pro Helvetia, Fundación Suiza para la Cultura, y suele estar invitada a los eventos más importantes en la escena contemporánea internacional.Katarzyna Gdaniec nace en Polonia, estudia en la Academia Vaganova de San Petersburgo, gana el Prix de Lausanne y en 1985, se incorpora al Ballet del Siglo XX en Bruselas. Marco Cantalupo nace en Génova, entra en la escuela del Teatro alla Scala de Milán y en la Ópera de Hamburgo, baila con la Ópera de Hamburgo, en el Staatstheater de Gelsenkirchen, el Ballet Nacional de Portugal, Ballet de la Deutsche Oper de Berlín, Stadttheater de Berna y el Béjart Ballet Lausanne.


A dos centímetros del suelo.


Mar y Anuska están A dos centímetros del suelo en el Teatro Lagrada de Madrid entre el 3 y el 6 de septiembre. Aquí no se cuenta una historia, se cuentan muchas historias. Todas basadas en un juego de dos: el que abraza y el que se deja abrazar, el que empuja y el que es empujado, el que da y el que recibe. Habla de cómo, hacia dónde y cuándo se inclina la balanza, de cómo mantener el equilibrio, de querer y dejarse querer, del respeto mutuo y sobre todo de no dejarse caer.
Anuska Alonso comienza sus estudios de danza clásica en Vigo. Ha trabajado como intérprete para la compañía de Danza Losdedae, de Chevy Muraday, 10&10, de Mónica Runde y para Carmen Werner en la Ópera Macbeth. En la actualidad trabaja como intérprete para la Cía. de Danza Daniel Abreu. Por otro lado Mar López comienza sus estudios de danza contemporánea en Gijón. Ha trabajado como intérprete para La ligne folle, dirigida por Madelyne Reant, dónde realiza la asistencia a la dirección y Arrieritos, con 13 Rosas.
Otro valor de esta pareja de intérpretes de danza, al margen de los obtenidos en virtud de un trabajo esmerado, es el de ser, en los tiempos de autocensura que corren, de esas a las que Youtube elimina sus vídeos debido a sus términos de uso. (foto Nerea Goicoetchea)

Petit, en el Teatro Arriaga.


Soirée de danza, de Roland Petit, del 16 al 18 de octubre en el Teatro Arriaga.
Este programa está concebido alrededor de la personalidad artística de uno de los mejores coreógrafos del mundo y una invitación a viajar a través de su obra y de las fuentes de inspiración de un artista que no deja de sorprender por la juventud, modernidad y originalidad de sus ballets.
El programa se abre con tres piezas con música de Pink Floyd, a continuación Coppelia y Carmen y sigue con La rose malade. La segunda parte se abre con Ni Dieu ni diable, continúa con Rendez-vous y un homenaje a Charles Chaplin en Charlot danse avec nous. Y se cierra con L’Arlessienne, de Bizet, y Cheek to cheek.
Mención aparte merece la presencia, entre el escogido grupo de bailarines, de Lucía Lacarra y Tamara Rojo.Nacido en Villemomble, en Francia, en 1924, Roland Petit es una leyenda viva de la danza. Comenzó a estudiar con diez años en la Escuela del Ballet de la Ópera de París. A los veinte, se marchó para formar su propia compañía, el Ballet des Champs-Elysées. Poco después crea los Ballets de París y comienza a coreografiar para importantes compañías internacionales.

Curiosa la cara de tu padre, Melendi.


Tras el éxito de su pasado concierto en La Riviera, Melendi continúa su gira Curiosa la cara de tu padre, en septiembre.
El día 10 de septiembre estará nuevamente en Madrid, en el Arena, con ocasión de la Feria Internacional Enlaces, encuentro de los sectores empresarial, social, cultural e institucional de cerca de 140 países, que se celebra en el Recinto Ferial de la Casa de Campo entre los días 10 y 13 de septiembre.
En el concierto, Melendi interpreta temas de su último álbum, Curiosa la cara de tu padre, y repasa aquellos otros éxitos de su carrera, como Caminando por la vida o Con la Luna llena.
El artista está, además, el 5 de septiembre en Sant Andreu de la Barca, Barcelona, el 12 en el Campo de fútbol de Logroño, el 17 en la Plaza de la Catedral de Oviedo, el 18 en Fuensalida, Toledo, el 19 en Guadalajara, el 25 en Zaragoza y el 26 en Salamanca.

Altraste, la ocasión de verlos en directo.


Altraste, una banda de seis músicos formada en el año 2000, está en directo el 19 de septiembre en Güímar, Tenerife.
Altraste comenzó con su andadura con un formato acústico con Nolo Hernández como vocalista, Fabián Yanes a la guitarra, el bajista Dioni Luis y el percusionista Mariano León. Al año siguiente se incorporarían Mingo Ojeda, a la batería, y más tarde José Bencomo, también como guitarrista.
Ya conformados como banda de rock, el grupo ha editado dos trabajos discográficos: Escucha Atentamente (2003) y el más reciente Peces Naranja (2006).
Por el camino, Altraste ha compartido escenario con multitud de artistas como Javier Ruibal, Loquillo, Bunbury, Jorge Drexler, Albert Plá o Luis Eduardo Aute y ha contado con el apoyo de músicos de la talla de Caco Senante, Fernando Ortí o del ingeniero de sonido Pepo Schermann para sus trabajos discográficos.
La madurez de la banda, que actualmente prepara el lanzamiento de su nuevo trabajo Un gran plan, se muestra en su segundo trabajo discográfico y su gira nacional 2007 de Peces Naranja, donde Altraste muestra un estilo muy definido, propio y personal, con bases poperas y la conjunción de matices de rock y funky, e influencias de las diferentes culturas que más han arraigado en su trabajo.

Juan Perro 2009, el tour continúa.


Juan Perro continúa en su gira de regreso, aunque en realidad nunca se ha ido, y recala en Las Palmas de Gran Canaria el 17 septiembre, el 18 en Arrecife, Lanzarote, y el 19 en Santa Cruz de Tenerife.
Juan Perro se echó la manta al hombro y quedó con unos pocos amigos bajo la parra de una venta para montar el repertorio del Vuelve Juan Perro Tour 2009. En gira, una selección de cuatro álbumes históricos, Raíces al viento, La huella sonora, Mr. Hambre y Cantares de vela, trabajos que ampliaron el horizonte de la canción en español y se presentan en público, con aires mestizos de La Habana y de Nueva Orleans, canciones que Juan Perro ha estado puliendo en los últimos años.El artista ofrece un show cargado de los clásicos cosechados en casi treinta años como músico, pero en el que también suenan temas inéditos. Viene de la mano de Norberto Rodríguez a la guitarra, Ronald Morán, al contrabajo, Moisés Porro, percusión y Santiago Auserón, voz y guitarra, y este repertorio se supone incluirá temas como Duerme zagal, José Rasca, Malasaña y Poco talento, del álbum Algo se está cociendo.

Rodolfo Mederos en el Alfredo Kraus.


Rodolfo Mederos está en concierto, junto a la Orquesta Típica, el jueves 29 de octubre en la Sala Sinfónica del Auditorio Alfredo Kraus, en Las Palmas de Gran Canaria.
Rodolfo Mederos, destacado renovador de la música popular argentina, se nutrió de la tradición para reinterpretarla creando un lenguaje personal que se iría enriqueciendo con el paso de los años.
La Orquesta Típica está compuesta por trece integrantes y se articula de la siguiente manera: cuatro bandoneones: Rodolfo Mederos, Rodolfo Roballos, Fernando Taborda y Javier Sánchez; cuatro violines: Luis Sava, Eleonora Votti, Cecilia García y Nicolás Tabbush; viola: Rubén Jurado, violonchelo: Fernando Diéguez, guitarra eléctrica: Armando de la Vega, piano: Ariel Azcárate y contrabajo: Sergio Rivas. El propio Mederos define a su Orquesta Típica como “una formación en la que no falta ni sobra nada; una comunidad en movimiento que avanza, estremece, sorprende y en ocasiones, se diluye”.

Vargas Blues Band en estado puro.


El 4 de septiembre en la Plaza de la Cruz Roja, en Murcia, la Vargas Blues Band calienta motores para iniciar nueva gira internacional con la presentación de Comes Alive With Friends, hasta la fecha último disco de la formación, grabado en diciembre de 2008 en la Sala Breogain, en Vigo, con la colaboración de Devon Allman, Raimundo Amador, Jorge Salan y Claudio Gabis.
El 15 de octubre 2009 están en la Sala Caracol, en Madrid; el 25 en Bargas; y a partir de ahí, Wendelstein, Kassel, Rheinland-Pfalz, Leverkusen y Celle los días 28, 29, 30 y 31, y de noviembre los días 1 y 2.
En el repertorio se incluyen temas nuevos y compuestos especialmente para el proyecto Comes Alive With Friends, además de una versión del clásico de Neil Young, Down by the River que sirve como carta de presentación para este nuevo trabajo.

Benito Cabrera continúa en gira.


Benito Cabrera continúa su gira de conciertos, y colaboraciones, en el Archipiélago Canario. El 13 de septiembre actúa en La Laguna, en Tenerife, con motivo de las fiestas de El Cristo. También en Tenerife, el 20 de septiembre está en Guía de Isora, y el 25 en San Miguel de Abona. Ya en octubre, y antes de sus actuaciones en Argentina y China, está el 4 en el Auditorio de Tenerife y el 25 en El Tanque.
Productor musical, compositor e intérprete de timple, Benito Cabrera es un músico que realiza una prolífica labor en el panorama de la música popular. Es el primer concertista que consigue llevar el timple al ámbito sinfónico. Ha interpretado una importante cantidad de obras junto a varias formaciones como la Orquesta Sinfónica de Tenerife, la Orquesta Clásica de La Laguna o la Orquesta Sinfónica de Córdoba. Tiene en su haber un total de siete discos publicados: Concierto de timple, Timple y orquesta, con la Orquesta Sinfónica de Tenerife, Notas de viaje, El color del tiempo, Travesías, Puente del Sur, y su más reciente Contrastes.
Este último, editado en 2008, utiliza el doble sentido, haciendo referencia tanto a la utilización de trastes, como a la variedad de nuestra cultura, cincelada desde la multiculturalidad y el mestizaje.
Nos encontramos con varios cortes en los que la música coral sirve de sustrato al sonido del timple. La banda habitual da vida a un repertorio de fusión de varios sonidos y culturas (Canarias, Europa, América y África), siempre con el norte de la búsqueda de un sonido personal que sondea nuevos caminos, sin abandonar la personalidad que caracteriza el trabajo de los últimos años que, básicamente, consiste en una re-lectura de la música tradicional del archipiélago hacia estéticas más contemporáneas.

Brad Mehldau en el Pérez Galdós.


Brad Mehldau Trío recala el 20 de octubre en el Teatro Pérez Galdós de la capital grancanaria, única parada española en su gira por toda Europa.
El pianista de jazz Brad Mehldau ha grabado y actuado sin parar desde la década de los 90. El formato más utilizado por Brad Mehldau durante todo este tiempo ha sido el trío. En 1996 llega a un acuerdo con Warner Bros. para la realización de sus cinco primeros trabajos discográficos, y es a partir de 2004 cuando firma su primera grabación para Nonesuch, el Brad Mehldau live in Tokio. Después de diez años de grabaciones con el trío de Mehldau, el músico Jorge Rossy fue sustituido en 2005 por Jeff Ballard. Su primer disco con el nuevo trío, Brad Mehldau Trio Live, tuvo un éxito sin precedentes y fue considerado por la crítica como uno de los mejores tríos de la década.
Mehldau es ante todo un improvisador, que sorprende y maravilla por la espontaneidad de sus ideas musicales. Esto le ha llevado a que artistas de la talla de Joshua Redman, Pat Metheny, Charlie Haden, Lee Konitz, Michael Brecker, Wayne Shorter o John Scofield hayan solicitado su colaboración para grabaciones y actuaciones. Su música ha sido incluida en películas como Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick, y Million Dollar Hotel, de Wim Wenders, ha compuesto la banda sonora de la película francesa Ma Femme Est Une Actrice, y también compuso, por encargo del Carnegie Hall, dos obras para piano y voz: The Blues Estuaries y The Book of Hours, que fueron estrenadas en 2005 por la aclamada soprano de música clásica Renée Fleming. (foto Michael Wilson)

Martirio, 25 Años en directo.


Martirio, celebrando los 25 Años en directo, está en el sevillano Teatro Lope de Vega, el 29 de septiembre.
Martirio ha dado aires nuevos y renovados a la copla española y se ha sumergido en el jazz, la bossa nova, el tango argentino y las músicas sudamericanas. Ha obtenido una nominación al Grammy Latino por su disco Mucho Corazón y un Premio de la Academia de la Música Española por Acoplados, junto al maestro Chano Domínguez. Su disco Primavera en Nueva York, producido por Nat Chediak y Fernando Trueba y que contó con jazzistas americanos de auténtico lujo que elaboraron una suite basada en boleros, fue galardonado con el Premio al Mejor Disco de Fusión en la XI Edición de los Premios de la Música.
25 Años en directo fue grabado en directo en la Sala Luz de Gas, de Barcelona, en octubre de 2008. (foto Jesús Ugalde)

Los Chicos del Coro, en Málaga.


El jueves 24 de septiembre, a las 21.00, en el Teatro Municipal Vicente Espinel, de Ronda, Málaga, con motivo del lanzamiento del nuevo álbum de la Coral de Saint Marc, Los Chicos del Coro (Les Petits Chanteurs de Saint-Marc) ofrecerán un concierto donde interpretarán las canciones de este disco grabado en Palma de Mallorca y Lyon. También podrán escucharse otros temas de su repertorio y de la película que protagonizaron con tanto éxito.
Creado en 1986 por su director Nicolas Porte, este coro mixto, Maestría de la Capilla de la Basílica de la Fourviere de Lyon, es considerado como uno de los mejores coros de pequeños cantores de Europa.
Su repertorio da preferencia a la música Sacra, desde el Gregoriano hasta el Siglo XX, reservando un lugar muy importante también a la música contemporánea.
El coro ha editado de forma individual seis discos que, junto al comercializado con la banda sonora de la película Los Chicos del Coro, lo convierten en uno de los de mayor discografía, con un millón y medio de álbumes vendidos y una gira triunfal por el mundo entero.

Moisés Márquez. Desde el Minibar.


Moisés Márquez, con sus Cartas desde el Minibar, está el 3 de septiembre en Las Terrazas, en Gran Canaria, el 12 en El Pinar, en El Hierro; y los días 18, 19, 25 de septiembre y 10 y 11 de octubre, en Firgas, Maspalomas, Valsequillo, Ingenio y nuevamente Maspalomas. Todo esto justo antes de iniciar una gira por México que le mantendrá muy ocupado hasta el 9 de noviembre, recorriendo gran parte de ese país. Con él viaja Joana Cerpa, una joven cantante grancanaria que ha pasado por formaciones tan distintas como Hora Punta, Clave de Soul o Musical Sueños.
Moisés Márquez regresa con su segundo trabajo discográfico llamado Cartas desde el minibar. Un puñado de canciones que han surgido durante su última gira, en esos escasos momentos en los que la hoja de ruta y los compromisos le han permitido un respiro para escribir. El artista vuelve renovado, pero sin perder la esencia, con once nuevas canciones que han crecido en la vía pública, a pie de calle y dentro de la variedad musical.
Un nuevo disco con olor a nostalgias, a falta de tiempo, a precaria realidad y a esperanzas. Historias que han surgido en las listas de espera de algún aeropuerto, en algún taxi o en cualquier bar. Crónicas que luego pasan a ser canciones, cuando el autor las retoma, para darle forma bajo la tenue luz de alguna lámpara de mesa, teniendo cerca la generosidad del minibar.
Cartas desde el minibar es un conjunto de canciones relatadas por Moisés Márquez, donde el autor susurra al oído y canta desde el salón de su casa o en la habitación de un hotel, donde la palabra es tan cercana que te cautiva inmediatamente como por arte de magia.

XI BAD.


La undécima edición del BAD, Bilbao Antzerkia Dantza, Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao, se celebra entre el 29 de octubre y el 8 de noviembre, en distintos escenarios de la capital vizcaína, como La Fundición, el Teatro Arriaga, la Sala Bilborock y el espacio La Merced, entre otros, con vanguardistas propuestas de compañías nacionales e internacionales.
El BAD está comprometido con la difusión de la creación escénica contemporánea menos convencional, prestando atención a nuevas dramaturgias, artistas emergentes e interdisciplinariedad. Teatro de texto, visual, danza, instalaciones, performances y otras disciplinas conviven en el Festival, que cuenta con varios apartados.
Citas con la escena reúne a diferentes agentes de la industria teatral en unas conferencias sobre creación, producción y distribución de espectáculos. El BAD Zinema lleva creaciones audiovisuales de actualidad al Museo de Bellas Artes de Bilbao. La sección Itineris Apur BAD, que se desarrolla en el metro, un autobús o el salón de una vivienda, traslada al público a espacios menos convencionales. El PRE-BAD, con anterioridad al festival, presenta el trabajo de una compañía.
Workshops, vídeo-danza, foros y encuentros profesionales completan el programa de este XI Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao.

Miradas al Cuerpo 2009.


Del 3 de septiembre al 4 de octubre, en el Teatro Lagrada, en Madrid, tendrá lugar el II Festival Internacional de Danza, Miradas al Cuerpo 2009, con funciones de jueves a domingo.
Miradas al Cuerpo es una apuesta por la danza contemporánea emergente. Si en la primera edición se cuestionaba el uso de lenguajes ajenos al cuerpo, este año la atención recae sobre la coreografía y los criterios de los coreógrafos para preparar sus creaciones.
Jóvenes valores nacionales y extranjeros, que hacen del pequeño formato un sello de calidad, sin prejuicios y con ideas arriesgadas, muestran su trabajo en este encuentro en el que también el público participa activamente en las mesas redondas y en los talleres de composición.
La idea es captar a un público amplio, ya que, según comenta Maite Larrañeta, directora artística del Festival, es hora de abandonar la idea de que la danza es un arte de minorías y reconocerle su gran capacidad de comunicación.
Este año el Festival cuenta con las actuaciones de Mar + Anuska, con A dos centímetros del suelo, Central de Movimiento, con La Aparecida, Pretty Flowers, que presenta Fuera de servicio (en la foto), Diana Bonilla + Shahar Dor, con la pieza Duet y Alumnos del Conservatorio Superior de Danza, con una Selección de piezas cortas.


29º FiraTàrrega.


Entre el 10 y el 13 de septiembre se celebra la 29ª edición de FiraTàrrega, que presenta espectáculos de disciplinas diversas, de calle y de sala.
Entre ellos, varios espectáculos de danza serán presentados en la Fira por compañías nacionales e internacionales. Danza en sentido amplio, con formas muy diversas, desde la danza contemporánea hasta el hip hop, desde el solo intimista a la danza de gran formato, con el nexo común de usar la calle como espacio escénico.La programación cuenta con la reconocida Cía. de Dansa Sol Picó, que llevará a Tàrrega Sirena a la plancha (en la foto), Premio Max al Mejor Espectáculo de Danza en la edición 2009, la coreógrafa Blanca Arrieta y su compañía Ciento Cincuenta Cuerdas, con el estreno absoluto de Chalada, los catalanes Nats Nus con su nuevo espectáculo Trastos; Claire y Olivier, con el espectáculo para todos los públicos Adiooos, la Cía. Roberto G. Alonso, que presenta el espectáculo Agua al higo y a la pera vino, la compañía británica Motionhouse, que pone en escena Underground, la Cía. de Dansa Mariantònia Oliver, con Petita Lula, la aragonesa Cetra Danza, que presenta Animales de compañía, Studio Funky The Group, con el espectáculo Strongbox y, finalmente, la compañía andaluza REA Danza con Instrucciones del uso. (foto Óscar de Paz)

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