La Industria cultural andaluza a debate

La Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Andalucía (ACTA) presenta las conclusiones de su congreso anti-crisis.

El Encuentro de Empresas de Artes Escénicas organizado por ACTA se salda con un gran éxito de participación pero con preocupantes conclusiones acerca del estado actual de las políticas culturales.

Del 19 al 21 de abril más de cincuenta compañías profesionales de teatro se han reunido en Chiclana en el El Encuentro de Empresas de Artes Escénicas organizado por ACTA para debatir sobre la situación actual de las empresas teatrales en Andalucía. Una situación preocupante en la que las políticas culturales impulsadas por las distintas administraciones están siendo paralizadas
o disminuidas a causa de la crisis económica.
Ante esta situación, las empresas de artes escénicas han considerado que este era un buen momento para debatir en torno al futuro económico del sector y cuestionar ciertos modelos y prácticas. El presidente de la la Asociación de Empresas de Artes Escénicas, Sergio Casado, ha presentado en rueda de prensa las conclusiones tomadas por las más de cincuenta empresas reunidas en el Congreso, y que serán enviadas a la Consejera de Cultura, con quien mantienen un proceso de conversaciones para llevar a cabo un viraje sustancial en las políticas de exhibición, fundamentalmente en el funcionamientos de los circuitos.
Casado apuntó que las conclusiones que se le presentan a la Junta “no sólo son válidas y razonables, sino además, las únicas posibles para no estrangular al sector de las Artes Escénicas en Andalucía”.

CONCLUSIONES DEL CONGRESO DE EMPRESAS DE ARTES ESCÉNICAS
(por Sergio Casado, Pte. de ACTA)
1. El Sector de las Artes Escénicas vive en la actualidad un excelente momento creativo que se ve reflejado en los numerosos premios que las compañías andaluzas están recibiendo. A saber: 3 premios Max en la última edición a Laví e Bel, El espejo negro y el Mes de la Danza de Sevilla. O los Premios Nacionales de Teatro y Danza a Atalaya TNT y Javier Barón respectivamente.
2. El Sector empieza a notar el factor crisis entre otras cosas por un notable aumento de la morosidad de los ayuntamientos, (un 40% más en 2008), unido a una caída de la contratación. Para un sector económico que factura en Andalucía 20 millones de euros anuales, la tasa de morosidad se sitúa en torno a los 8 millones de euros.
3. El Sector adolece de problemas estructurales endémicos entre los que cabe destacar la ausencia de un marco legislativo adecuado a la realidad en cuanto a la Seguridad Social o Hacienda. Planteamos una revisión seria del I.V.A. al que estamos sujetos, proponiendo una bajada del 16% al 7%. "No tiene sentido que el Estado nos grave con un 16 por ciento de impuestos, cuando en la mayoría de los casos son las propias administraciones las que contratan, perdiendo un 9 % del presupuesto en impuestos,en lugar de destinarlo a la contratación”.
4. El Sector sigue estando bajo una importantísima situación de intervención por parte del Estado, contrastando esto con la total ausencia de medidas reguladoras e incentivadoras en un año tan delicado como éste.

5. En la actualidad se necesitan con urgencia políticas de fomento de iniciativas privadas de exhibición.

6. La situación de total intervención hay que superarla dado que entendemos que aún habiendo dado resultados, en la actualidad imposibilita el desarrollo empresarial, lo que pone en grave crisis la estabilidad y calidad del empleo tanto al personal artístico como técnico y por tanto una permanente hemorragia de talento con el consiguiente más que probable empobrecimiento artístico.
7. Es sumamente urgente un esfuerzo de coordinación de políticas y acciones entre las distintas administraciones destacando especialmente la necesidad de diálogo fluido entre la Junta de Andalucía y las diputaciones, pues de lo contrario se puede caer en un despilfarro del dinero público.
8. Definitivamente creemos que el modelo de gestión de lo público en materia de Artes Escénicas está agotado, necesitando pues iniciar un proceso de búsqueda de nuevas formulas mixtas de gestión de la magnífica flota de teatros absolutamente infrautilizados en muchísimos casos.
9. La administración ha de poner en marcha con urgencia con mucha mayor contundencia políticas de generación de público que ha de traducirse en incremento de las taquillas. Éstas han de jugar un factor fundamental en la financiación del sector. Es importante que el propio mercado, el ciudadano, juegue un papel regulador del sector, y no sólo la Administración, pues se
corre un grave riesgo de caer en un nuevo “despotismo ilustrado”. Explica Sergio Casado en rueda de prensa que “en otras comunidades de España como Madrid, el número de espectadores de teatro fue mayor en 2008 que de partidos de fútbol y esto es gracias a a que la gran oferta teatral de iniciativa privada, donde el público, con el pago de su entrada, decide lo que se programa”.
10. En una sociedad actual donde “lo que no sale en televisión, no existe” es necesario que la radio televisión pública andaluza actúe como dinamizadora de las artes escénicas andaluzas, haciendo una apuesta clara por situar el teatro como servicio público para los ciudadanos. Es incomprensible la escasez de programación de teatro en Canal Sur, a pesar de ser la propia Junta de Andalucía la principal “empresa” programadora de artes escénicas.

Aprobadas dos nuevas medidas para solucionar el pago de deudas de entidades locales a empresas y autónomos

Consejo de Ministros del 24 de abril de 2009
Ministrerio de Economía y Hacienda

- El objetivo es aumentar la liquidez principalmente de pymes y autónomos que tengan deudas pendientes con ayuntamientos.
- Las medidas tendrán efectos en un período máximo de cuatro meses

El Consejo de Ministros ha aprobado un Real Decreto Ley que permite aliviar los problemas de liquidez de empresas y autónomos al facilitar los pagos de sus deudas pendientes con entidades locales.
El objetivo de ambas medidas es complementario y persigue subsanar lo antes posible, y de forma ágil, los problemas de liquidez de las empresas y los trabajadores autónomos que arrastran impagos de los Ayuntamientos. Además, supondrán una inyección de liquidez muy importante que favorecerá la reactivación de la actividad económica para las empresas con este problema. En total, se ha estimado que ambas medidas pueden suponer una financiación de unos 14.000 millones de euros.

En deudamiento de los ayuntamientos
El Real Decreto Ley autoriza a los Ayuntamientos y otras entidades locales a realizar operaciones de endeudamiento para financiar su déficit de tesorería a 31 de diciembre de 2008, incluyendo las facturas pendientes con empresas y autónomos.
Las operaciones de endeudamiento bancario tendrán un plazo máximo de amortización de seis años, con posibilidad de uno o dos de carencia. Desde la concertación de la operación, las entidades locales dispondrán de un mes para cancelar las deudas pendientes con proveedores. El plazo para concertar la operación de endeudamiento es de tres meses a partir de la entrada en vigor del Real Decreto Ley, lo que permite establecer un período máximo de cuatro meses para la ejecución de esta medida.
Los Ayuntamientos tendrán que aprobar un plan de saneamiento por idéntico período al de la operación financiera y deberán presentar al Ministerio de Economía y Hacienda una certificación del pago de las deudas abonadas a sus proveedores.
La estimación del Ministerio de Economía y Hacienda es que esta operación de endeudamiento pueda ascender a unos once mil millones de euros, a partir del cálculo de las entidades locales que ya han remitido la liquidación del 2008 y de una proyección del posible remanente negativo de tesorería del conjunto de entidades locales.

Nueva línea ICO
El Real Decreto Ley también permite la puesta en funcionamiento de una nueva Línea del Instituto de Crédito Oficial (ICO) para avalar por un importe máximo de tres mil millones de euros a las empresas y autónomos con deudas pendientes de pago por parte de los Ayuntamientos. Así, se establece que la garantía final ante posibles impagos por parte de las entidades locales sea su participación en los ingresos del Estado.
La nueva Línea ICO establece un tipo de descuento máximo del 5 por 100 en las operaciones, un porcentaje menor al habitual. Además, con el objetivo de asegurar que las pequeñas empresas y los trabajadores autónomos tengan acceso real a los créditos, se ha establecido un límite de trescientos mil euros por acreedor para evitar que las grandes empresas acaparen los avales.
También se ha establecido un límite por entidad local del 25 por 100 de su participación en los tributos del Estado para el año 2009, con el objetivo de evitar retenciones excesivas en los ingresos de los Ayuntamientos que pudieran crearles problemas en el futuro.

EDITORIAL Revista Anteojos mayo/junio 007

Hablábamos hace unos cuantos números del retraso en la puesta en marcha de las medidas del Gobierno a la hora de encarar la crisis y del atasco burocrático que impide que las medidas se pongan en marcha con la debida celeridad, antes de que sea demasiado tarde para reflotar lo que quede en pie de las empresas. Pensando mal, podría ocurrir que tanto retraso sea premeditado, una especie de acuerdo oculto para que las empresas que aún sigan en pie o los empresarios que aún no se hayan quemado a lo bonzo ante la fachada de los ayuntamientos deudores, tengan que seguir pidiendo créditos, que tardan en llegar o se niegan, o ampliar cuentas pólizas sujetas a la usura bancaria.
Hace algo mas de veinte días, se anunció a bombo y platillo que el Consejo de Ministros autorizó al Ministerio de Cultura a suscribir con el Instituto de Crédito Oficial un convenio de colaboración que instrumente la línea de financiación ICO-Industrias Culturales 2009, dotada con veintidós millones de euros, que quién los pillara. Pero tanto bombo no es más que para decir que no sé quién le dijo a alguien que puede pensar en hablar con aquél para ver qué dice de aquello de lo que hablamos. No sé si me entienden. El resultado es que de aquí a que el ICO ponga en marcha el tinglado, habrá menos necesidad que ahora porque habrá menos empresarios a los que ofrecer la solución.

Por otra parte, hace un par de semanas, el Presidente del Gobierno hizo pública una medida directa destinada a paliar los efectos más agudos de la crisis. En concreto, Zapatero anunció la aprobación de una nueva línea de avales del ICO, con el objetivo de destinar 3.000 millones de euros a la ayuda de ayuntamientos y pymes. Este dinero garantizaría el “oportuno cobro de facturas para obras y servicios municipales”, además de facilitar el descuento de recibos por parte de entidades financieras, dado que el Instituto respaldaría el pago del cien por cien del importe y “dará un impulso” al crédito comercial, haciendo frente a la crisis en tres ámbitos diferentes: por un lado, con las pymes, por otro lado, los autónomos, y, por último, los ayuntamientos, actuando sobre la “deuda pendiente” que “tanto” les “dificulta” y para que “tengan un alivio importante”. Zapatero dijo agradecer, además, a las pymes y a los autónomos el “esfuerzo” que hacen ante las dificultades de crédito y liquidez con que se encuentran y subrayó que, con su trabajo diario junto a los gobiernos locales, contribuyen al bienestar de los ciudadanos. En su opinión, señaló, una acción como esta era necesaria para “marcar el rumbo” de la recuperación económica “sostenible, eficiente y renovada”, y bla, bla, bla. Y desde que se dice una cosa como esa, hasta que el funcionario de turno ponga un sello de entrada a la solicitud del interesado igual pasan, al ritmo al que va la cosa, unos dos años.
No sé a ustedes, pero a mi todo esto me trae a la memoria el cuento de los diez negritos. Fíjense, 3.000 millones de euros cuando la deuda genérica de los ayuntamientos ronda los 12.000 millones, según datos de la Federación Nacional de Asociaciones de Trabajadores Autónomos. ¿Será que para cuando el chiringuito este se ponga en marcha sólo quedará un cuarto de las empresas en pie?

OPINIONES sobre la Gala de los Max 2009

Un nutrido grupo de personas, participantes todas, de un modo u otro, en la Gala de los Premios Max en su duodécima edición, nos han dado su opinión. Algunas fueron todo lo breves que pedíamos, otras no tanto, y hemos tenido que ajustarlas.

Carlos Belda. Director.
Estos premios son sobre todo promoción. Plegarte al mercado y salir en los medios. Hemos imitado otro standard más, tipo Oscar y ese tipo de estupideces. Pero bueno, es una forma más de promoción. Y sobre todo promoción para los espectáculos de Madrid y Barcelona, por el centralismo que existe en este país. Se podían haber hecho más cosas, siempre se pueden hacer más cosas. Está bien que se haga en Canarias, nos sale más barato venir.

Pino Luzardo. Pdta. de la Unión de Actores de Canarias.
Estos premios son un reconocimiento a la profesión, nos alienta a seguir produciendo y manteniendo el nivel. Me hubiese gustado que se celebrara aquí en otro momento. Ahora hay problemas económicos, no tenemos trabajo, se cierran teatros, no estamos en las programaciones, y al ser dinero público, también tenemos derecho. En esta gala se ha gastado mucho dinero para un solo día, cuando nosotros trabajamos con menos durante todo un año.

Ángel Calvente. Director.
Un empuje a las compañías, autores teatrales, actores y actrices para seguir trabajando. Simplemente es eso el Max. Está genial, pero el gran premio para una compañía es el trabajo. Si no trabajáramos no habría Max, ni empleo, ni nada. Soy un enamorado de esta tierra. Está bien que se mire para Canarias y no sólo se vea sol, sino que aquí hay compañías con un teatro muy personal, muy canario, con un lenguaje propio. Esta celebración se puede aprovechar como un escaparate.

Eduardo Bautista. Presidente de la SGAE.
Este es un premio único con carácter ecuménico de carácter pluricultural. Reúne una vez al año a la República de las Artes Escénicas, y venir a Canarias supone una ruptura con la metrópoli. Es un premio de todos. Viniendo a las islas se reconoce el esfuerzo de esta región en cuanto a Artes Escénicas se refiere. Y nos reunimos los integrantes de la profesión.Aquellos que vienen a título individual, vienen estavez todos juntos, a esta gran fiesta.

Alberto San Juan. Actor.
Esta es una noche de fiesta y de celebración del trabajo y, por otra parte, es una ocasión para dar a conocer la existencia del teatro en España. Está muy bien la decisión de la SGAE de celebrarlo cada año en una ciudad, porque en todas las ciudades se hace teatro y está bien estimular la producción teatral en todos los lugares.

Fernando Navas. Actor.
La gala es como cualquier celebración, como una boda. Un acto social. Para las Artes Escénicas de Canarias esto supone la guinda a toda la actividad que está desarrollándose de fondo y un espaldarazo al trabajo que se ha venido realizando desde siempre. No sólo la creación de la UAC y asociaciones empresariales, sino el trabajo artístico. Estamos en primera división y podemos militar en ella.

Josefa Suárez. Actriz.
Es muy interesante poder asistir a un espectáculo como este, ser partícipes. Y estando en España, me parece importante participar en la política cultural española. Me alegra que por fin se haga en Canarias, después de doce ediciones. Cierto que no hay suficiente dinero para el teatro, pero estoy convencida de que un gasto como este, una vez cada doce años no sólo no es un problema, sino que puede ser de gran ayuda para la profesión.

Noelia Noto. Actriz.
Esta celebración es una fiesta donde nos reunimos todos los obreros de esta profesión, de todas las categorías. No sólo es una valoración del trabajo por el que estás nominado, sino un reconocimiento a nuestra carrera, para los ganadores y para los nominados. Me he enterado de lo que pasa con el poco espacio que dan las autoridades canarias a los actores canarios. No sé si hacer la gala en Las Palmas puede colaborar a que desarrollen su arte aquí, pero ojalá puedan ser profetas en su tierra.

José Miguel Pérez García. Presidente del Cabildo de Gran Canaria.
Un acto como este, la gala de entrega de los premios Max, supone para esta isla el reconocimiento a una labor importante y constante en el terreno de las Artes Escénicas. Gran Canaria ha mantenido una programación continua de teatro y de danza, al menos el Teatro Cuyás, y acoger este acto nos proporciona una proyección exterior muy importante.

Juan Francisco Ramos. Integrante de Yllana.
Estos premios suponen un reconocimiento a un trabajo. Y un reconocimiento a gente que ha estado muchos años en la profesión y que, a veces, se pierde en el anonimato. En general, sirven para dinamizar el teatro. En esta ocasión, creo que han acertado con la elección de Yllana para la dirección de la gala, porque la gente que hemos traído es muy de abajo, muy de vanguardia. Y lo que hemos intentado, por encima de todo, es un compromiso con el teatro canario.

Severiano García. Director.
No tengo claro en qué nos beneficia un acto como este. Teniendo en cuenta los problemas que tenemos aquí, y con lo que ha costado esta gala, podría haberse organizado un gran circuito en las islas. Esto no deja de ser una gala, una entrega de premios. La promoción exterior de las empresas canarias habría adquirido otra dimensión si alguna compañía de aquí hubiera ganado algún premio, como el caso del Teatro Cuyás como coproductor.

Juan Mayorga. Autor teatral.
Estos premios son una fiesta del teatro, una ocasión para encontrarse con gente de toda España. Lo de menos es a quién se dé. Se hace visible el trabajo de gente formidable, en autoría, interpretación, dirección, escenografía, figuración, música. Para el mundo escénico de Canarias es bueno que se encuentre gente de aquí con gente de fuera, eso ya supone vínculos. Por otro lado, me preocupan cosas de las que me están informando sobre la fragilidad del tejido escénico canario.

Vanessa Medina. Interprete de Danza.
Los premios Max suponen un reconocimiento al trabajo, al esfuerzo continuo y diario que hacemos. Y, como decía Teresa Nieto, un regalito que a largo plazo nos ayude a seguir tirando hacia delante y luchando y vendiendo nuestros espectáculos. Yo soy canaria y la danza en Canarias necesita un impulso, necesita mucho apoyo, igual que todos los bailarines que quieren salir, o actores, o músicos. Espero que esto sea un pasito para que la gente pueda salir.

Marcelino Martín. Gestor cultural.
Creo que toda actividad que se haga en Canarias es interesante. Cierto que es necesario cubrir primero las muchas necesidades existentes antes de celebrar actos como este, pero también es cierto que si esperamos a tenerlos cubiertos, tampoco se podría hacer nada. Un acto como este es un reconocimiento a la profesión. Esta gala está planteada como un espectáculo y como tal funciona correctamente.

Joseba Gil. Productor.
Todos los reconocimientos al trabajo, sea por el público o por los compañeros, da a las artes mucha promoción, y quizá haga que el público conozca mejor a sus actores, actrices, autores y autoras. Puede suponer un apoyo para las Artes Escénicas en Canarias. Ahora los propios artistas deben presionar, hay que aprovechar estas galas, que viene gente a nivel nacional, y hablar con los políticos y responsables y reivindicar todas aquellas necesidades que tengan.

Enzo Scala. Director de teatro y de la Escuela de Actores de Canarias.
Esta gala está en la óptica de la sociedad del espectáculo. Entre los premiados hay pocas palabras del teatro como obra. Se habla de espectáculo. Hace algunos años no se entendía así. No creo que esto aporte mucho a nivel de creatividad. Es un buen momento de reflexión, la gente se ve, se saluda, es una buena proyección de Canarias y se genera un movimiento económico en su entorno, pero a la profesión no creo que esto la ayude mucho.

Jon Maya. Coreógrafo.
El Premio Revelación obtenido es como llegar al Max al mejor espectáculo. Hay muchas categorías que son inaccesibles para las compañías y espectáculos de las autonomías. Es una gran alegría y un reconocimiento. Queda la esperanza de que el premio sirva para dar a conocer el trabajo y se pueda distribuir mejor. Si la gala puede aportar algo a Canarias o no es un tema espinoso. Es una inversión organizar todo esto, con la necesidad que pasan bailarines, actores, compañías.

Mireia Gabilondo. Directora.
La celebración de los Max es una fiesta. Lo primero es pasárnoslo bien, reconocernos unas cuantas cosas y dar una felicitación a alguna gente, aunque no estén todos los que debieran estar. Es un reconocimiento que viene bien sobre todo para nosotros mismos. Si luego sirve para que se vendan los espectáculos, fantástico. Pero está bien porque quiere decir que algo se está haciendo, que hay movimiento y vida y cosas que contar y que disfrutar.

Estuvimos en la gala de los premios Maxll

Estuvimos en la gala de los premios MaxII 2009

Decidimos ir en barco porque hay quien no soporta los viajes en avión. Canarias está mal comunicada en avión, de modo que imagínense en barco. A nuestra llegada nos recibe toda una tropa de guardias civiles, en un control. La farlopa debe ser que llega por vía marítima. Nos alojamos (con l) en un hotel céntrico, para que todo quede en paseos cortos, y después de la ducha nos vamos camino del Teatro Cuyás, paseando tranquilamente por la calle Mayor de Triana, un hervidero en el cual cada uno va a lo suyo, lleno de gente en la calle, llena la calle de tiendas, vacías las tiendas de gente. Nadie nos reconoce mientras paseamos salvo una señora que nos pide sacarse una foto con nosotros confundiéndonos con el equipo de trabajo que hizo las reformas de su casa hace unos meses.

Por realizar una prueba que se nos ocurre de pronto, subimos a un taxi y le pedimos que nos lleve hasta la Sala Insular de Teatro. El taxista nos da un paseo por la ciudad durante el cual vemos dos cartelitos anunciando la gala de esa misma noche, y como nadie sabe dónde demonios está esa sala de teatro, nos devuelve al punto de partida después de la gira turística, sin cobrarnos, menos mal.

Cruzamos un par de calles sin que nadie nos reconozca y sin reconocer a nadie y llegamos hasta el Teatro Cuyás. Preguntando llegamos hasta el lugar donde se recogen las acreditaciones. Nos encontramos con los responsables de la sala de prensa, que lo tienen todo previsto, y pasamos el trámite sin problemas, con placer casi.

En la entrada al backstage (con perdón) hay otro hervidero, con caras conocidas, tanto de técnicos, como de operadores de cámara, como de actores. Notamos cierto cúmulo de nervios, y de cansancio, entre el personal. Parece que los ensayos, agotadores, resultaron divertidos, pero no dejaron de ser una paliza.
Comienzan a llegar los invitados a la Gala y comienza el reparto de volanderas donde puede leerse el manifiesto reivindicativo de la Unión de Actores de Canarias, con respeto pero con contundencia. Algunos de los invitados van pasando por delante de los fotógrafos para facilitar la labor de los periodistas, para dejarse ver o para dejar patentes sus ínfulas. Los periodistas gráficos descargaron sus flashes sobre los que posaban porque les daba la gana, sobre los que no quisieron hacerlo y acabaron subiendo, y sobre el cebo que pusimos nosotros mismos, desconocido todo él. Toda esta hoguera de vanidades y el atasco en el que estuvo metida la guagua que traía a los invitados, provocó un retraso de unos veinte minutos en el inicio de la gala. Gala que los periodistas disfrutamos en la sala de prensa. Y no nos faltó de nada, la verdad. Excelente el tratamiento a todos los medios.
Y la misma gala, para el público, pasó en un suspiro que duró dos horas y media, treinta minutos que se fueron de control.

Con el eje central del rollito del presentador de despejar la x, resuelta al final con ayuda del bufón (ver foto), fue desarrollándose una gala amena, divertida a ratos, con entregas rapiditas y algún discurso solidario y razonable. Lo mejor de la gala, Sexpeare, el homenaje a Paco Rabal (su mujer, Asunción Balaguer, en la foto superior) y la organización. Que el hecho de que un micro falle o que no llegue a tiempo una estatuilla entra dentro de lo asumible. En cuanto a qué fue lo peor tenemos algunas dudas. Estamos entre Ron LaLá, que por lo visto gustó a algunos de los presentes, y que consideramos que no debieron estar, no por calidad, sino porque estaban entre los candidatos; el monopolio de Yllana, que colocó en la Gala prácticamente todo lo que le dejaba dinero en comisiones, y la desmedida e incomprensible presencia de tanto político sobre el escenario.

Con esta gala creemos que pasa tres cuartos de lo que debe haber ocurrido con las típicas papas arrugadas con mojo, pero a la inversa. Verán. Las papas arrugadas con mojo picón son conocidísimas en todo el mundo y son deliciosas, y sin duda, quien no las conozca tiene algún problema de aislamiento. Pues bien, si alguien que no las hubiera probado antes hubiese comido una de las que sirvieron en el aperitivo, habría acabado jurando sobre la Biblia, que era lo peor y más repugnante que jamás probara, y con razón.

Si uno no conoce qué se cuece en el mundo de las Artes Escénicas de la región, tras esta gala, debe pensar que todo funciona excepcionalmente bien en las Islas Canarias, en lo que respecta a Danza y Teatro, pero lo cierto es que lo único que ha funcionado perfecto por aquí en los últimos tiempos, en cuanto a Artes Escénicas se refiere, ha sido esa gala, lo demás no llega ni a mediocre.

Tras el aperitivo, de casi cuatro horas de duración, los invitados se fueron a la fiesta prevista, menos aquellos que no se habían retirado antes discretamente, entre ellos la mayor parte de los políticos, salvo dos: la Consejera del Cabildo, que estuvo al pie del cañón en esto, y ojalá le dedicara la mitad de esos esfuerzos a la profesión de la isla, y el Presidente del Cabildo.

Nosotros nos fuimos a recuperar algo de nuestro ser callejero y localizamos un bar de cerveza y tortilla. A la mañana siguiente, tras el desayuno, salimos a pasear a la calle Mayor de Triana, un hervidero en el cual cada uno va a lo suyo. Nadie nos reconoció durante el paseo, ni nos pidieron autógrafos. Las tiendas estaban vacías a pesar de que la calle estaba llena de gente. Nos fuimos hasta el Teatro Guiniguada, para rezar una oración por el eterno descanso de su alma, cerrada a cal y canto desde hace años y enterrada bajo capas y capas de desidia administrativa y política.

En la terraza, tomándonos la última cervecita antes de tomar el barco de vuelta a casa, preguntamos a la camarera si sabía dónde estaba la Sala Insular de Teatro, no supo qué contestarnos.

Jesús Cimarro

Jesús Cimarro.

Empresario y Productor Teatral, Presidente de la Asociación de Productores y Teatros de Madrid, Vicepresidente de la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas productoras de teatro y danza de España, director de la empresa productora Pentacion Espectáculos, director del Teatro Bellas Artes de Madrid, Premio Max 2005 al Mejor Empresario Privado de Teatro, autor del libro Producción, Gestión y Distribución del Teatro en España, y aún le queda tiempo para dar cursos, hacer almuerzos de trabajo, mantener una buena relación con los colegas y hacer entrevistas. ¿Llevará una S en el traje que lleva bajo el uniforme de trabajo?

Aitor Menta

Hace unos meses decía usted que se encendían luces de alerta (¿roja?), pero que por lo pronto, el teatro sorteaba la crisis ¿Sigue pensando lo mismo?
Sigo pensando lo mismo. En los teatros de Madrid y Barcelona, que la mayor parte funcionan a taquilla, el público sigue acudiendo a ver las funciones de teatro, música y danza, aunque hay una bajada lógica por ser fin de temporada.

Esos son los grandes centros de producción teatral, y sin duda sobreviven. ¿Pero que ocurre con el resto del país, en el que una bajada se nota aún más?
Según los datos que tengo, depende de los espectáculos y de las ciudades, no se puede hacer un balance uniforme de la situación. Hay teatros que van bien y teatros que van mal, hay espectáculos que van bien y espectáculos que van mal.

Trabajar, es indudable que se trabaja. La danza y el teatro continúan en activo, y facturan, pero ¿cobran?
Este es el mayor problema que tenemos en la actualidad. Al igual que el resto de empresas del país, a nuestro sector le ocurre lo mismo, que trabajamos pero estamos teniendo unos graves problemas de morosidad. Esto ocasiona un gran perjuicio a las empresas del sector por la falta de liquidez. Como no se ponga remedio, la situación puede ser catastrófica y nos podemos encontrar con el cierre de muchas empresas antes de finalizar el año.

El Presidente del Gobierno anunció la aprobación de una nueva línea de avales del ICO, con el objetivo de destinar 3.000 millones de euros a la ayuda de ayuntamientos y pymes. Este dinero garantizaría el “oportuno cobro de facturas para obras y servicios municipales”.
Ojalá, pero según los datos de que disponemos, las Administraciones Públicas deben más de 12.000 millones de euros, como se puede ver va a ser muy difícil que llegue algo de ese dinero de ayuda a las empresas del sector cultural. Opino que aquí harían una gran labor las Administraciones Autonómicas, a través de sus Consejerías de Economía y Hacienda, para poder crear algún tipo de acuerdo entre las Asociaciones del sector y entidades tipo ICO, como por ejemplo en Madrid, que estamos trabajando con Aval Madrid, para poder hacer lo que antes se llamaba endosar las facturas de los impagados de las distintas administraciones.

En su opinión ¿se necesitan más líneas de crédito, se necesitan más subvenciones, o con cobrar las facturas pendientes podría pasarse de la alerta roja a la naranja?

Lo que se necesita es un acuerdo entre las distintas administraciones para que las facturas no tuvieran más de 60 días de carencia, y a partir de dicha fecha, automáticamente, tendrían que pagar intereses. Otro punto que yo creo que la nueva Ministra de Cultura debería plantearse y luchar por conseguir, es una Ley de Mecenazgo para la cultura, en condiciones. Y por último las tan cacareadas ayudas fiscales, la bajada del IVA del 16% al 7% sería una inyección económica muy importante para el sector de las Artes Escénicas.

Josep María Pou, actor.

Josep María Pou, actor.La gente sabe que este es un oficio como otro cualquiera, en el que si uno emplea muchas horas de trabajo, tiene lo suficiente para ganarse la vida.

Coincidimos en Barcelona, en una cafetería céntrica, especialidad en bocadillos a ocho euros el menos contundente, durante un receso para recuperar fuerzas que hacía momentos antes de la representación de Los chicos de historia. Quedamos para entrevistarnos con él un poco más adelante, y como quiera que su agenda está abigarrada, y con letra menuda, acordamos realizarla telefónicamente. Cumplimos ambos, pero al menos nosotros, nos quedamos con ganas de seguir charlando con este hombre durante una hora más.

Aitor Menta

Tras algo más de cuarenta años en la profesión ¿Sigue habiendo gente que le pregunta de qué vive?
(Risas) No. Quizá porque la gente que me sigue, que me conoce, no sólo compañeros de la profesión, sino también el público, me ven continuamente en todas partes, ven que no paro de trabajar, con lo cual, por poco ejercicio mental que hagan, deducen que vivo de esto. Recuerdo que hace años, un político, cuyo nombre no voy a decir, pero que ocupaba un cargo muy importante en este país, se acercó a saludarnos al termino de la función, y nos hizo una pregunta parecida: ustedes, aparte de esto ¿qué hacen para ganarse la vida? Lo cual da una medida del concepto que ciertos políticos tienen del hecho de ser actor. Por suerte ese concepto ya ha pasado. La gente sabe que este es un oficio como otro cualquiera, en el que si uno emplea muchas horas de trabajo, tiene lo suficiente para ganarse la vida.

¿Tras estrenarse como director de teatro, con tanto éxito por cierto, qué prefiere hacer durante estos próximos cuarenta años, actuar o dirigir?
Actuar, por encima de todo actuar. Soy sobre todo, y por encima de todo, actor. Si se publicara algún día una biografía sobre mi, quiero que junto a mi nombre figure la palabra actor. Lo de dirigir es la expresión de un deseo que siempre me tentó y que yo hago con muchísimo gusto, y que a tenor de los resultados de las tres únicas funciones que he dirigido hasta ahora y que he empezado a dirigir hace tres años, en una etapa posterior a la consolidación de mi carrera como actor, y ha sido casi por necesidad. Hacía muchos años que algunos productores, incluso desde instituciones públicas, teatros públicos, y algunos compañeros, me decía que debía dirigir, por mi visión de la puesta en escena, y yo siempre me había negado. Me considero, por encima de todo actor, yo quise ser actor, soy actor, y no quiero ser otra cosa que actor. Lo que pasa es que yo había dicho, dirigiré cuando surja de mí la necesidad de dirigir, no simplemente por aceptar propuestas que me hace otra gente. Y ocurrió hace cinco años, cuando cayó en mis manos un texto, el de Edward Albee, La Cabra, y dije, esto quiero hacerlo no sólo como actor, sino como director, con mi propio punto de vista. Porque creo que ser director consiste en eso, contar una historia desde tu punto de vista, propio y personal. Y esa quise hacerla yo, porque sí que quería sentirme responsable de esa historia, de que le llegase al publico a través de mis manos, de mis ojos, mi punto de vista. Y me lancé a ello, y no sólo como director, sino como productor además, arriesgando mi propio dinero y mi prestigio. Por suerte salió estupendamente bien. La Cabra fue un espectáculo que estuvo tres años en cartel por toda España, que se llevó todos los Max, un buen montón de premios nacionales, y demás. Ante esa acogida maravillosa y por el hecho de que durante la producción descubrí un mundo nuevo que me apasionaba casi tanto como el de actor, repetí la experiencia con Los chicos de historia, con la que inaugure el Teatro Goya el año pasado y sigo representando ahora, y que ahora comienza su gira por España. Es una experiencia muy singular, en la que estoy además sobre el escenario, y requiere un desdoblamiento muy difícil y nada habitual. Y ha vuelto a surgir. La segunda función en el Teatro Goya se la ofrecí a Concha Velasco, como protagonista, y ella me sorprendió diciéndome, vale, de acuerdo, pero con la condición de que la dirijas tú. Es la primera vez que una superestrella como Concha me pone esa condición, y eso me hizo pensar que si una gran estrella como ella me pide que la dirija, significa que mi trabajo como director es válido. Y ha sido muy gratificante descubrir la sensación de verme dirigiendo sin estar a la vez sobre el escenario. Me he metido en la historia con una pasión desmedida, quizá superior a mis anteriores experiencias como director. Ahora me encuentro en un punto de meditación. En este momento tengo varias ofertas para dirigir, y eso viene por el éxito que han tenido las anteriores producciones.
Pero ya ves, cuando llego a mi casa y me encierro en mis pensamientos, tengo claro que por encima de todo soy y quiero ser actor, y que ningún proyecto como director podrá cambiar eso. Si puedo compaginarlo, dirigiré, pero si tengo que elegir entre dirigir e interpretar, hasta el día de mi muerte elegiría interpretar.

¿En qué anda metido ahora, y con quién?
La gira en catalán de Los Chicos de historia, pero al mismo tiempo ensayando con la misma compañía, en una labor puramente esquizofrénica, en castellano. Por la mañana ensayamos en castellano y esa mismo noche se hace la función en catalán. Absolutamente esquizofrénica la situación. Y en 10 días (29 de abril), debutamos en el Teatro Arriaga de Bilbao, iniciando allí la gira en castellano. Y sigo con La vida por delante, con Concha Velasco, y leyendo cientos de libretos, pensando en las próximas cosas, pero con nada concreto, sobre todo porque hasta 2010 casi no me queda tiempo libre.

Ha estado siempre a caballo entre Barcelona y Madrid. ¿Llegará el día en que el resto de las ciudades españolas estén a la altura?
Siendo catalán soy de los que se fueron a Madrid para empezar esta carrera, y estudié allí, y hasta estos últimos años no me he incorporado a mi comunidad natal para hacer teatro. Casi los treinta primeros años de mi carrera han transcurrido en Madrid. Y sí, estos últimos diez años he estado manteniendo dos casas, una en Madrid y otra en Barcelona. Pero siendo realista, los dos grandes centros de producción teatral están en estas ciudades. Históricamente. Con mas oferta teatral. Y con tantos teatros como tienen estas ciudades, es normal que la oferta de trabajo se concentre en estas dos. Pero con la llegada de las autonomías, presupuestos concretos, por suerte la situación está girando y hay otros puntos importantes de producción en España: el País Vasco, Canarias, Andalucía, con centros estables, teatros públicos, y con producciones propias girando por toda España y llegando a Madrid. Fíjate que me encantaría incorporarme a una producción que naciera en otras comunidades, como Las Palmas o Tenerife. Las propuestas que me han llegado lo han hecho en momentos en que, por motivos de agenda no podía aceptar.

¿Qué proyecto o personaje le falta?
Muchos, pero no sé aún cuáles. Aunque sigo leyendo todos los textos que me envían, o caen en mis manos, con la esperanza de encontrarlo. He tenido la suerte de hacer El Rey Liar, de Shakespeare, con el que disfruté mucho. Pero, no tengo manías al respecto, cualquier personaje de cualquier autor, nuevo o viejo, si considero que como actor puedo ofrecerle mis vivencias y hacer un buen trabajo de actor, estaría encantado de hacerlo. Tal vez por eso estoy siempre atento a todo lo que ocurre y a todo lo que se escribe.

Miguel Navarro, coreógrafo y director de Ballets de Tenerife.

Miguel Navarro, coreógrafo y director de Ballets de Tenerife.Aunque la sociedad tinerfeña es extremadamente sensible en las artes, en Canarias la danza es hoy por hoy sólo una anécdota.

Este murciano de nacimiento pronto se traslada a Barcelona donde comienza su contacto con la danza. Ha sido primer bailarín de compañías tan importantes como: Gran Teatro del Liceo de Barcelona, de allí a Burdeos como bailarín estrella, y de allí a París, al Ballet de la J.MF. Pierre Lacotte Paris, Teatro alla Scala Milano, Opernhaus Zürich, Ballet Royal de Wallonie, etc.

Sergio Pérez

Tu primer puesto importante fue como Primer Bailarín Estrella del Liceo de Barcelona. ¿Qué diferencias ves entre el Liceo de la época y el de ahora? ¿Qué diferencias hay entre las compañías de la época y las actuales?
La diferencia es bastante grande y en muchos aspectos: para empezar, en la técnica, puesto que hoy existe una técnica más depurada, aunque ya en mi época teníamos una técnica fenomenal, pero sobre todo es en el ambiente de las compañías. Cuando llegaba alguna de ellas a Barcelona; el London Festival Ballet o el Ballet del Marqués de Cuevas era un acontecimiento enorme, no solo para el público sino para nosotros los bailarines porque era un mundo en el que tenías que ser elegido para entrar en él, hoy no se le da tanta importancia a esas cosas, hoy es un trabajo como cualquier otro, para nosotros era algo muy grande y que te cambiaba la vida, en todo caso a mi me la cambió.

¿No te parece curioso que en plena dictadura y represión, existiera un ballet estable en el Liceo de Barcelona con programación fija y que hoy, en pleno siglo XXI eso ya no exista?
Pues sí, mira, eso es como la Codorniz. Era gente con mucho ingenio y muchas ganas de hacer cosas, y como no existía una libertad absoluta, conseguíamos muchas más cosas que ahora. Además no contaba tanto el dinero. Hoy en el arte todo el mundo quiere sacar tajada, cuando antes se hacían maravillas con dos duros.

Cuando te decides o te llaman para salir de España ¿te lo planteas o estabas decidido a irte?
Es verdad que me mandaron un contrato desde Francia, pero yo estaba loquito por marcharme. Aquí no había libertad, y yo sabía que, si quería labrarme una carrera en la danza clásica, no podía ser en la España de entonces, porque sólo existía el Liceo, ya que en Madrid no había nada. Lo que yo quería no estaba en España, por lo que decidí tirar para adelante y no mirar atrás.

Cuando notaste que estaba llegando el final de tu carrera como bailarín, ¿qué sentiste? ¿tenías ganas de pasar página?
No tenía ningunas ganas de pasar página. Yo he sido muy feliz siendo bailarín. En el momento de colgar las zapatillas sientes cierta desorientación y vacío. Piensas: aquí, que me siento fuerte, me siento yo, sé lo que valgo y lo que soy… ¿Qué viene ahora? ¿Qué va a pasar? Te en cuenta que para una persona normal, con 40 años se es joven, pero para un bailarín es el final de una etapa. La fuerza y la energía no duran toda la vida, y la danza requiere frescura y juventud.

Cuando dejaste de bailar, se puede decir que estabas predestinado a tener un puesto importante en algunas compañías europeas. ¿Crees si te hubieras quedado en Europa hubieras tenido uno de esos puestos?
En todo caso lo hubiera intentado, por supuesto, pero creo que sí. Y aunque por temas privados decidimos venirnos a España, la lógica hubiera sido seguir fuera e intentar esa nueva aventura como director y coreógrafo en una formación de categoría, de las que tuve varias propuestas, y que, aunque no eran grandes capitales, sí que hubiera tenido un teatro y una compañía a mi disposición.

Llevas treinta años en Tenerife y tu trabajo con Ballets de Tenerife siempre ha ido a contracorriente, y sé que te has encontrado más obstáculos que apoyos. ¿Qué sientes hacia la sociedad tinerfeña?
Obstáculos como tal no, pero sí me he encontrado apatía por parte de mucha gente. El clima influye mucho, piensa en esos países del norte donde no se hace vida en la calle, porque hay un frío de muerte, y la gente se mete en los teatros. Cómo quieres que vengan al teatro en Tenerife, en pleno verano, a sudar como pollos, pudiendo estar en Los Paragüitas tomándose una cerveza. Y aunque la sociedad tinerfeña es extremadamente sensible a las artes, en Canarias la danza es hoy por hoy sólo una anécdota. Los políticos necesitan cosas que le paguen políticamente y de inmediato, si no, no les interesa.

Esa es la cruz, pero la cara es que Rosalina Ripoll y tú, a través del Centro Internacional de Danza Tenerife, habéis formado a cientos de bailarines, muchos de ellos de gran calidad, y algunos con proyección profesional, algo que no pueden decir todas las escuelas de Canarias. Supongo que esto es una satisfacción, ¿no?
Si que es una satisfacción, pero también es una tristeza saber que no tienen aquí una salida profesional fiable y que siempre tengo que aconsejarles, muy a pesar mío, que se vayan de aquí para labrarse una carrera.

Pregunta obligada: ¿Cómo ves la danza en Canarias?
La danza en Canarias está plagada de una serie de personas que tienen una gran labia y nada más. Nosotros demostramos lo que sabemos hacer, no sólo hablamos y pasilleamos.

¿Qué crees que necesita España para ser competente con el resto de Europa, en cuanto a danza se refiere?
Creo que es competente en cuanto al material, que son los bailarines, y que están saliendo de buenísima calidad y a manta, lo que hace falta es otra mentalidad; que no solamente exista la Nacional, Ullate y poco más. Necesitamos teatros que funcionen a pleno rendimiento todo el año, que inviertan en nuevas creaciones que se puedan exportar. No tenemos esa cultura de la cultura. Quizás necesitamos que pasen un par de años y que haga más frío (risas).

¿Qué próximos proyectos de Ballets de Tenerife nos puedes contar?
Te puedo decir que el próximo 30 de mayo habrá una programa conmemorativo con motivo del Día de Canarias, con Pedro y el Lobo por la mañana y Cantos Canarios interpretados en directo por la Banda Municipal de Música de Santa Cruz de Tenerife, todo ello en el García Sanabria, además, estamos ultimando los preparativos de nuestro próximo estreno, del que no sé fechas fijas todavía.

Un bailarín: Rudolf Nureyev
Un coreógrafo: Jeromme Robbins
Un maestro: José Parés
Un compositor: Maurice Ravel
Una ciudad: París
Un País: Francia
Un deseo para el futuro inmediato: que la cosa cambie antes de que me muera (risas)
Si no fueras bailarín...: sería bailarín
¡Venga mójate!, si no fueras bailarín…: creo que escritor

OPINIÓN: Gianni está castigado y no puede salir a jugar

Gianni está castigado y no puede salir a jugar

gianni tosso



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Callejeros. Es pronunciar la palabra callejeros y venírsenos a la cabeza la imagen de un grupo de intrépidos reporteros que patean las calles, de manera rriesgada, en busca del filo de la noticia, a la caza de los problemas sociales más sangrantes, y de los friquis de la sociedad.

Supongo que debe ser duro bajar hasta los infiernos, cámara en ristre, para poner en evidencia la decadencia a la que han tenido que llegar muchos de los habitantes de este país, y exponerse a las imprevisibles reacciones de los que aparecen en los reportajes.
Ahora que, viendo una serie de documentales, llega uno a la conclusión de que todos los que aparecen, habitualmente: clanes étnicos familiares, prostitutas, travestis, drogadictos, vendedores de drogas, friquis varios cuya obsesión es la de tapizar en piel de leopardo el interior de su coche o beber hasta el coma etílico en cualquier parque patrio; son dados a contar sus experiencias y sus desdichas. Es decir, que una vez salvado el escollo de llegar hasta ellos, en cuanto se les pone una cámara y un micrófono delante, unos cantan por soleares, otros se chutan lo que no está escrito mientras cuentan sin inflexiones cómo vendieron a sus hijos para comprar una dosis, otros se tragan sin respirar una botella de aguardiente y otros enseñan los implantes de silicona mientras dan saltitos para demostrar su calidad, otros declaran abiertamente, y sin escrúpulo alguno, que adulteran la droga con tal o cual mierda.
Es indudable que un repaso de cuando en cuando a la España profunda nos recuerda adónde podemos ir a parar como se nos cruce más de un cable, pero hay
otros reportajes posibles que uno estaría encantado de ver. Aunque seguramente resultarían mucho más difíciles de conseguir que un especial sobre violadores y asesinos en serie.

En esta misma España de truhanes, pablos, rinconetes y cortadillos, que poco o nada hemos avanzado en el camino hacia la normalidad ética, la picaresca oficial sigue estando a la orden del día. Desde casos como un funcionario que utilice la línea de la oficina para pasarse media hora al teléfono con cualquier amigote, hasta el que se lleve para casa los paquetes de folios DIN A4 como si fueran suyos, o el que concede beneficios a algún coleguita, pasando por los que acceden a un cargo público y comienzan a hacer eso mismo de los teléfonos, los folios y los favores a gran escala, es decir, malversación y robo. Sería fabuloso que los callejeros dedicasen una serie especial, seguramente habría para dos o tres temporadas, a documentar este tipo de acciones. A lo mejor ocurre como con los travestis o los drogadictos, y van y dicen ante las cámaras que en determinado momento le concedieron una licencia a fulano de tal para construir en un paraje natural, que vendieron y compraron y volvieron a vender el mismo terreno para que determinado coleguita se beneficiase, o que la mentira ya no es la expresión o manifestación contraria a lo que se sabe, se cree o se piensa, sino una herramienta de uso político.
A todos, quiero suponer, nos entraría ese mismo sentimiento encontrado que nos surge después de ver a los habituales reportajes. Una sensación a caballo entre el joder hay gente para todo y el los pobres y qué otra cosa van a hacer si es que
la vida les ha llevado a eso. Y así encontraríamos una justificación a ese modo de actuar de quien de pronto se encuentra con una poltrona, que acaba considerándola suya por derecho divino y con la completa libertad de usar o abusar de ella.

A lo peor resulta que no, que los callejeros no encontrarían a nadie dispuesto a salir en este tipo de reportajes a pie de calle en los que se retrataría la realidad de una España choriza hasta decir basta y no habría ni para un cortometraje. Y como no lo vemos, igual nos mantenemos en la creencia de que no existe, y de que lo único que existe, lo único que afea el paisaje de este suelo patrio son los desechos que aparecen en los actuales y recurrentes reportajes de callejeros.

OPINIÓN: Atrapados en nuestra propia telaraña.

Atrapados en nuestra propia telaraña.

isabel delgado ____________________________________________________________________

Hace unos días, mi amigo y dramaturgo Nacho Cabrera, publicaba en su muro de facebook la siguiente frase de Juan Marsé: “La piratería no es el mayor problema que tiene el cine español. El gran problema es la falta de talento”. Un amigo la continuaba, diciendo, “... que se suple con grandes dosis de amiguismo y politiqueo”.

Efectivamente, en estos momentos existen grandes carencias en el mundo creativo. Unas carencias que no se deben sólo a la falta de talento, sino a la confianza excesiva en el propio talento. Lo que lleva a olvidar que la voluntad, la dedicación y el compromiso son esenciales para aportar algo mínimamente interesante. Si añadimos el bajo nivel de conceptualización sobre estética, historia de las artes, antropología y la falta de conocimientos profundos sobre la especialidad en la que se está trabajando, nos aproximamos a la definición de lo que podríamos llamar el Pseudo-artista. Reconocido por dedicar gran parte de su tiempo y esfuerzo a potenciar habilidades sociales que le permitan ocupar puestos de influencia.

Este tipo de pseudo-artistas, acompañados de los correspondientes pseudo-intelectuales, suelen ser característicos de la Cultura Provinciana. Cultura propia de los lugares alejados de las capitales. Se trata de un sector que congrega personas casi siempre educadas pero no cultivadas, que viven sopesando información.

La Cultura Provinciana, surge en lugares donde la educación ha iniciado su desarrollo medio, pero que carece de personalidad creadora. El Pseudo-artista busca el reconocimiento social y un hueco en la élite de intelectuales que existen en cualquier región.
Pero el problema no es geográfico, se debe al fracaso en materia de desarrollo. Cada manifestación artística necesita un impulso material y uno espiritual que establezca su posición en la vida diaria de ese lugar. Allí donde no se lee, no se escribe y no se ve teatro, no se hace. La superposición de lo culto y lo popular es una utopía de políticas culturales. El merengue genera merengue y la buena literatura despierta las musas dormidas.
La Cultura se gesta en el individuo, no es un proceso de masas. El consumo de la cultura puede ser masivo, pero su creación nunca lo será. Por ello, no pueden existir artistas como existen obreros. Y por la misma razón, no todo el que escribe, pinta o compone es un creador.

El Provincianismo es la ideología imperante en unas Instituciones Culturales donde gobiernen personas afiliadas a la Cultura Provinciana. La misión de estos gestores es dar crédito y autoridad a los pseudocreadores e instaurar mecanismos, espacios y reglas que tiendan a reafirmar su condición de artistas. Así consiguen asegurar su permanencia en la institución, manteniendo complacidos a los agradecidos.
Si el Provincianismo llega a generalizarse en una población se adueñará de la cultura y frenará a toda persona que no compartiendo esa corriente, intente crear su espacio propio. El miedo a perder el poder es menor al miedo a enfrentarse al verdadero talento. Cuando los criterios favorecen al joven artista, comienzan a encumbrarlo, pero rodeándole del mismo hilo con que luego lo atarán en corto, por ser quienes primero lo ayudaron.

El trasfondo de este artículo revela también una triste realidad, las vivencias dentro de una institución provinciana y la interacción con dicha cultura, puede involucrarnos de tal forma que en algún momento nos corrompa y nos atrape irrefutablemente en su telaraña.

Teatre de Ponent, nueva coproducción.

foto david ruano

El 8 de mayo, a las 21.30, en el Teatre de Ponent, de Granollers, Barcelona, se estrenará La América de Edward Hopper, escrita y dirigida por Eva Hibernia.
Una coproducción entre el Teatre Nacional de Catalunya y el propio Teatre de Ponent, que se mantendrá en cartel los días 9, 10, 14, 15, 16 y 17 del mismo mes. El día 20 pasará al Teatro Bretón, en Logroño, los días 22, 23 y 24 a la Sala Planeta, de Girona, y entre el 27 de mayo y el 14 de junio estará en la Sala Beckett, en Barcelona.
Vera y Tomás son una joven pareja. Accedemos a su intimidad poco convencional, donde la comunicación fluye a través de los juegos. Por motivos del trabajo de Tomás siempre se están trasladando de un lugar a otro. Vera accede a la historia de Miranda y su padre, un par de judíos emigrantes que escapan de la
Segunda Guerra Mundial.

La producción de este espectáculo se encuadra dentro del Projecte T6. Un interesante programa que el Teatre Nacional de Catalunya dedica a la promoción y al estímulo de la escritura teatral contemporánea, con los objetivos básicos de combatir el aislamiento creativo de los autores dramáticos y de permitir que su escritura responda a unas expectativas de estreno sólidas y adecuadas a sus textos.

Producciones Karrusel, Animales Nocturnos.

La compañía Producciones Karrusel mantendrá en cartel la obra Animales nocturnos, de Juan Mayorga, reciente premio Max al mejor autor teatral en castellano, bajo la dirección de Carlos Bolívar, entre el 21 de mayo y el 14 de junio, en el Teatro Lagrada, en Madrid.
Animales Nocturnos cuenta la historia de dos parejas que viven en la misma vecindad, donde sólo se saludan, hasta que un día, uno de ellos decide dar el primer paso de acercamiento hacia la otra pareja, que son extranjeros, y valiéndose de la ley de extranjería, obliga al otro a que le haga compañía, le dé conversación, le lea poemas, le cuente chistes, le acompañe a dar una vuelta; aprovechando que no tiene sus papeles en regla crea un vínculo de dominación, asegurándose de tenerlo a su entera disponibilidad.
Son vidas llenas de secretos, de soledades, de miedos, de insomnio y sometimientos. La situación de la emigración permite indagar, en esta obra, en la riqueza de esos mundos interiores de los personajes, en situaciones que existen pero que a menudo pasan desapercibidas por su cercanía.

Els Joglars, continúa su gira.

Els Joglars representará La Cena, escrita y dirigida por Albert Boadella, el 1 de mayo en el Teatro Calderón, de Alcoi, Alicante, los días 9 y 10 en el Teatro Tívoli, Burjassot, Valencia, el 16 en el Gran Teatro de Manzanares, Ciudad Real, del 22 al 24 en el Teatro Cuyás, en Las Palmas de Gran Canaria y el 26 en el Auditorio Insular, de Puerto del Rosario, en Fuerteventura; el 6 de junio en el Teatro Auditorio de la Universidad Carlos III de Madrid, de Leganés, del 10 al 14 en el Teatro Calderón de la Barca, en Valladolid y el 18 en el Teatro Circo, de Albacete. La Cena es una sátira que se centra en el tema del medio ambiente y el cambio climático.
La obra se inicia a través de la preparación de una cumbre internacional sobre cuestiones climáticas celebrada en el Parador Nacional, y en la que el Gobierno español se responsabiliza de la cena de clausura. En dicho ágape, se pretende deslumbrar a los mandatarios extranjeros ofreciendo un menú encomendado a un
genio gastronómico, como demostración de la alta cocina vanguardista respetuosa con la ecología y el medio ambiente. Este es el motivo a través del cual se nos va introduciendo en algunos aspectos esenciales, entre ellos, la impostura y la frivolidad con que las administraciones políticas tratan estas cuestiones.

El Espejo Negro, en Mallorca.

“Es-Puto” Cabaret, el espectáculo de títeres corrosivo y burlón, con las marionetas más excéntricas y descaradas del mundo, creación de la compañía
malagueña El Espejo Negro, dirigida por Ángel Calvente, estará en el Teatre del Mar, en Mallorca, del 14 al 17 de mayo.
Este espectáculo para adultos es una invitación deshonesta a la risa cómplice, al arte, a la provocación, y, sobre todo, una invitación a reírse de uno mismo. Tras el telón espera la vieja y subversiva estrella del transformismo, Marianna Travelo: voluptuosa ex-cantante de tugurios de dudosa reputación y corista mayor de una troupe de monstruos surgidos de la más inverosímil fantasía.
En el veinte aniversario de su creación, El Espejo Negro, reciente premio Max al mejor espectáculo infantil con La vida de un piojo llamado Matías, vuelve a sus orígenes recuperando el humor más transgresor y los personajes más esperpénticos e irreverentes de su repertorio. Con un lenguaje propio, esta compañía revolucionó el teatro de marionetas para adultos y rompió moldes creando espectáculos originales en los que los títeres no dudan en reivindicar y mostrar diferentes maneras de entender la vida, el sexo, la religión y la política sin ningún tabú.

Viento Sur Teatro, homenaje a Lope de Rueda.

Los próximos días 8, 9 y 10 de mayo, la compañía andaluza Viento Sur Teatro representará, en la Sala Cero Teatro, de Sevilla, la obra De Pasos. El último suspiro de Lope de Rueda, con textos de Lope de Rueda, y adaptación y dirección
de Juan Luis Corrientes.

Lope de Rueda navega en su último suspiro. Después de muchos años sobre los escenarios, de muchas aventuras, a Lope le abraza la muerte, y su cama, donde agoniza, se convierte en un escenario.
Fundada por Jorge Cuadrelli y Maite Lozano, Viento Sur Teatro es una compañía profesional residente en Sevilla, con más de dieciocho años de historia y unas cuarenta obras estrenadas. Es también la fundadora de la Sala El Cachorro, del Corral de comedias de Triana y de la Escuela de Teatro Viento Sur. Desde hace algún tiempo la compañía viene realizando numerosas giras nacionales e internacionales. Representando tanto obras clásicas como de investigación, centra su trabajo artístico contemporáneo en temas de carácter social: emigración, SIDA o educación sexual, entre otros. De pasos constituye todo un homenaje de la compañía a Lope de Rueda, al dramaturgo y actor sevillano, pero
también al hombre vitalista y genial que puso toda su vida en su teatro ambulante.

La Tartana Teatro, en el Teatro Pradillo.

foto david rodríguez

Del 6 al 14 de junio, la compañía madrileña La Tartana Teatro representará en el Teatro Pradillo, en Madrid, la obra infantil de títeres, Vacamioneta, bajo la dirección de Juan Muñoz.
Una vaca cruza la calle sin mirar y choca con una camioneta. Sus trozos de juguete quedan desperdigados y, para repararlos, aparece un viejo juguetero. Juntando la parte de delante de la vaca con la parte de atrás de la camioneta, construye una vacamioneta. A partir de entonces empiezan sus aventuras: lobos y ciclistas, una fábrica de quesos y un atasco, paisajes alpinos y un sueño, un gallo y una cabra. Imaginación a raudales para los niños y guiños divertidos para los adultos.
La Tartana Teatro, a lo largo de sus 29 años de existencia, y a través de obras como La roca y la colina, Frankenstein, Premio Max al mejor espectáculo de teatro infantil en 1998, Las aventuras del Barón, El bosque de Tantatroc, o Piratas, entre otras, ha creado un estilo propio, investigando en manipulación y construcción de títeres. Gran parte de su trabajo es una búsqueda del mecanismo a favor del movimiento, del muñeco y del decorado.

Manolo Caro, en la Sala Triángulo.

Entre el 7 y el 30 de mayo, de jueves a sábados, en la Sala Triángulo de Madrid, Manolo Caro y Luca Nicolaj, de Sevilla, presentan su espectáculo Tan Pancho y con Brío. En este monólogo, interpretado por Manolo Caro y dirigido por Luca Nicolaj, el personaje va dibujando en el escenario un mapa de la vida, invitándonos a explorar con él su sorprendente geografía. Trotando entre pasado y futuro, juega con los sueños y hace malabarismos con la realidad, enredándonos en fantasías y locuras donde la risa siempre está al acecho. De repente el personaje se vuelve selvático, su mirada inquieta es la de una fiera. Imposible saber si está domesticada del todo. Tan pancho y con brío es un viaje tragicómico al centro del corazón, un viaje desconcertante y sugerente en el que todos acabamos dándonos por aludidos.
Manolo Caro inicia su experiencia profesional con la película Pasodoble, de José Luis García Sánchez, y a partir de entonces va combinando teatro, cine y televisión, alternando drama y comedia. Luca Nicolaj llega al teatro por el camino de la danza contemporánea. Realiza su primer montaje en Suiza, Les larmes du vieux crocodyle, y comienza a definir su proceso creativo basado en el trabajo de improvisación.

Profetas de Mueble Bar, en el Teatro Galileo.

La compañía Profetas de Mueble Bar regresa a la cartelera teatral madrileña con Juegos de amor y de azar. El Teatro Galileo acoge desde el 16 de abril hasta el 17 de mayo esta obra de Pierre de Marivaux. No es la primera vez que el grupo hace temporada en Madrid, donde ha representado en los últimos años Gorditas, divorciadas, evangélicas y vegetarianas, Mariquita aparece ahogada en una cesta o La loca amarilla.
Los intérpretes Minerva Santana, Gloria Fuentes, Fernando Navas, José Luis Rubio, Víctor Formoso y Carmelo Alcántara serán los responsables de representar estos Juegos, con los que cosecharon favorables críticas durante su gira por distintas localidades españolas el pasado verano. Tras la puesta en escena de este espectáculo, la compañía tiene previsto prolongar su estancia en el Galileo con una nueva obra, La boda de los pequeños burgueses, de Brecht, que estará en cartel entre el 21 de mayo y el 14 de junio.

Profetas de Mueble Bar se fundó hace 28 años y siempre ha intentado acercar el teatro a todos los sectores de la población, produciendo espectáculos en los que prime la calidad en todos los niveles y forjando una forma de trabajo personal que los ha ido definiendo y diferenciando.

Las Síndrome, en la Sala Cero Teatro.

foto luis castilla

Las Síndrome, el grupo que presenta Síndrome Clown y que componen las actrices y payasas Beatriz Cotobal, Rocío Galán y Rozario Lajurita, regresan para representar de nuevo la obra 5 horas sin “Marío”, la innovadora producción de Síndrome Clown, cuya idea original y dirección corren a cargo de la misma compañía, los días 28, 29, 30 y 31 de mayo y 4, 5, 6 y 7 de junio, en la Sala Cero Teatro, en Sevilla.
Tras el éxito de espectáculos como Este circo no es normal, La prematura muerte de un viajante, Clownquistadores y Estocolmo (se acabó el cuento), entre otros, Síndrome Clown, la compañía que componen Víctor Carretero y Práxedes Nieto, se encuentra en estos momentos de gira con este último espectáculo estrenado a finales de 2008, 5 horas sin “Marío”. En él se encuentran tres mujeres de luto, tres payasas enlutadas, un funeral, la mujer, la amante y el “marío”. ¿Un drama, una comedia, una tragedia, una tragicomedia, una comedia dramática? En cualquier caso, es un momento excelente para darse el gustazo de reírse en un velatorio, porque no siempre se mueren los buenos.

Un dios salvaje, en el Teatro Calderón.

Aitana Sánchez-Gijón, Maribel Verdú, Pere Ponce y Antonio Molero protagonizan Un dios salvaje, de Yasmina Reza, en la versión de Jordi Galcerán que dirige Tamzin Townsend y que estará en cartel en el Teatro Calderón, en Valladolid, los días 19, 20 y 21 de junio.
Dos parejas se reúnen. El hijo de una de ellas, de tan sólo nueve años, ha golpeado al de la otra pareja en un parque. Deciden mantener esta entrevista, para arreglar el asunto con civismo. Benévolos y conciliadores, tienen un discurso común de tolerancia y comprensión. Con la misma sutileza con la que comienzan su conversación, se inicia un cambio de actitud entre ellos. Ese pequeño cambio lleva a otro un poco mayor y así, hasta desembocar en un enfrentamiento abierto que empieza a dejar de lado cualquier acuerdo cívico.
Ambas parejas defienden su territorio, hasta que la lucha comienza entre ellos mismos: todos contra todos. Es el momento en el que surge de dentro de cada uno de esos personajes ese dios salvaje que se rebela contra la insatisfacción de sus vidas.
Reza ha escrito una profunda tragedia, cuyas situaciones, tan extremas como reales, la convierten en una desternillante comedia. Eso sí, dejando intacto el mensaje sobre la complejidad humana.

100 años de Serguéi Diaghilev.

El 18 de mayo de 1909 debutó en el Teatro Châtelet de París la compañía de los Ballets Russes, de Serguéi Diaghilev, inaugurándose así la era moderna del ballet, un proceso profundamente renovador que implicó a los más importantes artistas de su tiempo en varias disciplinas, desde la música hasta la pintura, pasando por el ballet mismo, verdadero soporte y laboratorio.
Picasso, Stravinski, Nijinski, Falla, Anna Pavlova, Miró, Giorgio de Chirico y Balanchine encabezan la enorme lista de personalidades que granaron algunas de las gestas de los Ballets Rusos y que llevaron la danza, con sus revolucionarios montajes, a toda Europa y América.

La huella de los ballets se dejó sentir sobre todos los ámbitos locales que pisaron e influyó en buena parte de los artistas de vanguardia. España es en la historia de los Ballets Rusos el gran hito geográfico junto a la incontestable París. Las temporadas en el Teatro Real y el Gran Teatro del Liceo, las giras por toda la geografía peninsular y las largas estancias del conjunto en San Sebastián y Barcelona, son acontecimientos llenos de un rico anecdotario. Con el espíritu de
Serguéi Diaghilev al frente, pintores, músicos, coreógrafos y bailarines eran embarcados en arriesgadas aventuras estéticas que en algunas ocasiones se encontraron con el rechazo del público y, en otras, con el aplauso de quienes sabían ver de verdad el germen de un arte nuevo destinado a evolucionar y marcar a generaciones sucesivas.

Nuremberg + Montero + Romeo + Julieta

El Ballet de Nuremberg representará Romeo y Julieta hasta el 16 de junio en el teatro local.
En su primera temporada al frente de la compañía, el español Goyo Montero, creativo y lleno de ideas, ha presentado al público una conmovedora interpretación de la obra de Shakespeare, donde escenas espectaculares, casi acrobáticas, que recuerdan las artes marciales, se intercambian rápidamente con pas-de-deux, que muestran el amor de los protagonistas.
Muchos aplausos y ovaciones están recompensando el arduo trabajo de la joven compañía de ballet a su vez acompañados por una emocionante y colorida presentación de la Filarmónica de Nuremberg bajo la dirección de Philipp Pointner. Nacido en Madrid en 1975, Montero comienza sus estudios con Carmen Roche y completa su formación en la Escuela del Ballet Nacional de Cuba bajo la dirección de Alicia Alonso. Algunos de los maestros con los que ha estudiado son: Azary Plisetzsky, Aurora Bosch, Mirta Plà, Lázaro Carreño y Ricardo Núñez. Como
coreógrafo comienza su carrera en 2000 con la coreografía Cuadrado X 7 para la Deutsche Oper Berlin y por encargo de la Expo-Zaragoza 08 creó el solo de Ella es Agua, de Tamara Rojo, bailarina principal del Royal Ballet de Londres, estrenado durante la ceremonia de clausura el 14 de septiembre de 2008.

Natalia Medina - Massimiliano Cuccaro, Allegro Andante.

El espectáculo Allegro Andante, Assestamento perpetuo, ha nacido de los encuentros entre Natalia Medina y Massimiliano Cuccaro. De estos encuentros y conversaciones han surgido temas como: la identidad, lo efímero, las transiciones o lo onírico.

Tratando estos temas con asociaciones personales e improvisaciones libres, han intentado cocer una historia de la forma que más represente y respete estos temas. “En un momento dado nos damos cuenta de que este era un viaje hacia el descubrimiento de la identidad y a sus diferentes transiciones, a la necesidad de
cambiar, de crecer, de transformar, por eso lo vemos como un viaje, un viaje metafórico: capturados y poseídos por clichés y mecanismos, impedimos a nuestra vida abrirse a nuevos horizontes y paisajes. La vida nos pide crecer. Buscar aquellos diálogos entre la razón y el corazón, entrando en contacto con nuestras contradicciones, deseos y zonas de sombras periféricas. A veces el precio es alto: sacrificar un lugar por otro, despedirse de cosas que no nos sirven más, como los hábitos, relaciones, objetos”. Este es un viaje introspectivo, dirigido por Massimiliano Cuccaro, e interpretado por él mismo y Natalia Medina, con música original de Danilo Valsecchi, hacia la búsqueda de una identidad, aceptando el tránsito a lugares desconocidos.

Impresiones de Entredanza.

Estreno el 2 de mayo de Impresiones, de Entredanza, en el Auditorio de Tacoronte.
Un espectáculo de danza clásica adaptado a la realidad del siglo XXI: a la de la propia disciplina, a la de los espectadores y a las características de los espacios escénicos y de las salas canarias. Impresiones tiene el primer objetivo de divulgar la estética y parte de la historia del ballet clásico. El espectáculo no realiza exactamente un recorrido por diferentes estilos, sino que en él se oponen y fusionan rasgos del ballet romántico y del neoclásico.

Pretenden ahondar en los cambios acaecidos en la disciplina. El espectáculo analiza también la relación de la danza con otros movimientos artísticos como la pintura y la escultura, afines temporalmente. Y trabaja sobre los valores predominantes en unos y otros, especialmente sobre los de belleza y libertad. El espectáculo se divide en dos actos: Impresiones de Degás y Bach con Sentido.
Entredanza es una compañía con una identidad marcadamente clásica, nace en el Teatro Victoria en el 2007 después de años de intenso trabajo formativo bajo la dirección de Charo Febles. Actualmente la compañía reside en el mismo teatro donde las bailarinas continúan con su formación en distintas disciplinas, enriqueciéndose en varias ocasiones de las colaboraciones de bailarines como José Manuel Armas, Roberto Torres, Luca Masala o María Gutiérrez.

En el jardín de Blanca Li.

La agrupación hispano-francesa estará el 19 y 20 de junio en la apertura del Festival Montpellier Danse y del 26 al 30 del mismo mes en el Théâtre des Champs-Elysées, de París.
“Siempre he tenido la tentación de poner en movimiento esta expresión pictórica, que nazca un ballet de esta obra sacrílega donde el infierno se mezcla con el paraíso, lo satírico con la moral, donde la obsesión del pecado y de la salvación alcanza una fuerza inigualable.” Dice Blanca Li al referirse a su coreografía El Jardín de las Delicias, obra con música de Tao Gutiérrez, creada para diez bailarines e inspirada en el tríptico del Bosco que lleva el mismo nombre.
Nacida en Granada el 12 de enero de 1964, parte a Nueva York con tan solo 17 años para estudiar en la escuela de Martha Graham, pasando también por las escuelas de Alvin Ailey, Paul Sanasardo y el Clark Center. De vuelta en España cinco años más tarde, crea en Madrid su primera compañía de danza contemporánea, que es seleccionada para el programa de la Exposición Universal de Sevilla. Instalada en Francia desde 1992, esta coreógrafa, bailarina y realizadora es capaz de abarcar un amplio abanico de formas de expresión corporal, que van desde el flamenco al hip hop, pasando por el ballet clásico y la
danza barroca, firmando un recorrido artístico particularmente singular.

La crisis hace tambalear los Benois de la Danse.

La entrega de los premios Benois de la Danse no se celebrará este año en Moscú, debido a que el Ministerio de Cultura de Rusia no tiene medios para la realización de esta tradicional ceremonia. Este fue el anuncio hecho por la directora general del programa de estos galardones. La entrega de estos premios, conocidos también como los Oscar de la danza, tendrá lugar finalmente en Italia, en la ciudad de Vicenza, el día 2 de mayo, por invitación del Gobierno de la provincia y del Teatro Communale de esa ciudad. Por lo tanto, y aunque la fecha escogida para la entrega del premio es el 29 de abril de cada año, en esta ocasión se atrasará hasta el 2 de mayo.
El Premio lleva el nombre de Benois en honor a Alexandre Benois (1870-1960), una de las figuras de ballet más prominentes de la historia de la danza. La bailarina española Tamara Rojo, el bailarín cubano Carlos Acosta y su compatriota, el coreógrafo Fernando Alonso, fueron algunos de los premiados en la anterior edición, celebrada el año pasado en el Teatro Bolshói. Entre los españoles que podemos encontrar está Víctor Ullate, como jurado, José Martínez y Eduardo Lao, nominados como coreógrafos, y Joaquín de Luz e Itziar Mendizábal, como intérpretes.