EDITORIAL marzo/abril 2009

EDITORIAL

Que vivimos en una era mediática es algo que tenemos claro absolutamente todos. La imagen que proyectemos es la principal vía de penetración en los mercados y en el imaginario del consumidor, intermediario o final. Probablemente venda más una empresa de guisantes cuyo empaquetado transmita una mejor imagen que otra cuyos guisantes sean mucho mejores pero la foto de su empaquetado esté descolorida, por ejemplo. Los productores, distribuidores y artistas sabemos que la imagen es muy importante, de ahí que los capítulos de diseño, fotografía y vídeo y de publicidad cobren mucha importancia en los presupuestos, y que la puesta en escena se cuide mucho para, entre otras cosas, dejar la mejor imagen posible. Ya saben. Aquello de un buen producto que hay que dar a conocer porque si no no hay venta. O aquello del político que da una
buena imagen, no importa cómo se comporte. Ejemplo de esto último acaba de salir por la puerta pequeña de una casa enorme pintada de blanco.
Más cerquita de casa, ¿quién no ha oído hablar del cierre de algún teatro maquillándolo con la cortina de humo de una remodelación del edificio? ¿Quién no ha visto cómo un político se saca una foto con una estrella para que su público vea lo buen gestor que es porque la trae a tal o cual
ciudad? ¿Quién no ha visto cómo hasta se pide la cadena perpetua en debates abiertos sobre un hecho ocurrido hace más de un mes sólo para mantener a una audiencia ávida de morbo? ¿Quién no ha visto a una presidenta de una comunidad realizando un comunicado público, con calcetines, sobre su vivencia personal cuando lo importante era la tragedia ocurrida? ¿Quién no ha visto la magnitud de la lucha de uno u otro político por ganar cuotas de pantalla?
Y es que no podemos dejar al azar la venta de nuestro producto, de otro modo mal nos iba, seguro. Por eso es cada vez mayor la lucha por estar o mantenerse en primera línea, justo donde más ilumina el foco.

El lado oscuro de la mercadotecnia está en esos individuos sin escrúpulos de ningún tipo, parapetados tras una enorme pantalla burocrática, que pueden manipular una imagen, o su punto de vista, para beneficiarse de determinados hechos. Y esos sí que son el auténtico peligro del que hay que alejarse. Y esa la práctica a erradicar.
Imaginen, por ejemplo, que en Sevilla hubiese un asesinato cruel de una chica. Llamémosla Marta. Ahora imaginen que alguien que persigue un beneficio económico rápido a través de su empresa mediática huele un negocio en esa desdichada muerte y se dedica a mercadear con la noticia. Ahora, imaginen que, por ejemplo en Lanzarote, muriesen veinticinco personas, sumemos a esa hipótesis que entre ellos hay muchos menores de edad, y que el carísimo Sistema Integrado de Vigilancia Exterior ni se enterase de ello. ¿Por qué podría ser que la noticia de esta tragedia humana no trascendiese tanto como la primera si, obviamente, ninguna muerte es más muerte que otra? ¿Si no hay muertos que valgan más que otros?
Por cierto. Feliz día de la Danza. Feliz día del Teatro. Con escrúpulos.

ESPECIAL: Espectáculo ¿Revelación?

La Revista del Espectáculo Revelación
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En esta edición de los Max aparecen como aspirantes al Premio Max Revelación un total de dieciséis compañías de otras tantas comunidades autónomas. La única región que no presenta candidatura para este galardón es Andalucía. El resto presenta compañías que ya se habían revelado por sí mismas, y a través de su trabajo, desde ya hace bastantes años, ¡algunas entre 20 y 32! Las mal llamadas periferias, optan entre todas a un único galardón y debería llegarse a un acuerdo con los gobiernos autónomos para que cada aspirante obtuviese directamente el premio, es decir, que existieran tantos premios como comunidades autónomas, y no revelación, porque la gran mayoría de estas supuestas revelaciones llevan muchos años de espléndido trabajo, sino como premio regional, y que éste sirviera, efectivamente, para el propósito para el que fueron creados los Premios Max.
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Las meninas duermen en la rua, de Fulgen Valares. Una coproducción de Producciones Ábrego y TeaTeatro. Cantabria.

Con esta obra se pretende provocar una reflexión acerca del choque, que no del encuentro, entre los dos mundos, que se repite invariablemente en prácticamente cualquier ciudad de la parte del mundo que llamamos desarrollado: la riqueza observando a la pobreza, el privilegio despreciando
a la marginalidad, el desprecio de los que nacieron en una buena vida hacia los que nacieron en un espacio que consideramos ajeno a nosotros por la simple razón de que no nos corresponde.
La obra, estrenada el 12 de febrero de 2008 en el Palacio de Festivales de Cantabria, supone la continuación del proyecto creativo iniciado en el año 2004 consistente en la internacionalización del trabajo de Abrego y su interrelación con creadores del otro lado del Atlántico. Un planteamiento ético y estético de continuidad, en el que las obras incorporadas al repertorio comparten perspectiva de género y formulación escénica.

Luces de Bohemia, de Valle-Inclán. De Teatro del Temple. Aragón.

Valle-Inclán escribió uno de los textos esenciales de nuestro teatro: Luces de Bohemia, inaugurando una nueva manera de ver la realidad: el Esperpento. Personajes turbulentos y situaciones grotescas se suceden a lo largo de este periplo mundano por el Madrid más sórdido. Sabedores de la magnificencia del material textual del que parten, optan por una propuesta desnuda, despojada, que busca la esencia del discurso humano que brota, palmo a palmo, en esta bajada a los infiernos. Se reconocen en su bajeza y no reniegan de su aliento épico.
Con esta nominación Teatro del Temple ha sido designado por cuarta vez finalista de los Premios Max al Mejor Espectáculo Revelación, habiéndolo ganado el año 2003 con Picasso adora la Maar. Esta categoría es el pequeño espacio que se deja a una parte más que significativa del teatro español: las compañías herederas del teatro independiente que mantienen con gran dignidad uno de los discursos más culturalmente solventes del panorama escénico español desde nuestras respectivas comunidades. Un esfuerzo titánico y comprometido que debiera ser más reconocido.

Canarias, de Antonio Tabares. De Delirium Teatro. Canarias.

Canarias se estructura en siete escenas, desarrolladas en siete espacios diferentes, con personajes y situaciones diversos, y en ocasiones desconcertantes: un grupo de astrónomos aficionados en las cumbres de la isla; una turista extraviada en un espacio natural; los asistentes a un funeral; unos bañistas en una playa a la que arriba una patera; los empleados de una oficina de atención al público; un grupo de viajeros atrapados en un aeropuerto; unos amigos reunidos para cenar. Es una comedia ácida y crítica, con una cierta carga de humor negro, con una gran variedad de tonos que van de lo macabro a lo irónico, de lo trágico a lo satírico, pasando por lo abiertamente cómico. Bajo un aparente estilo realista, subyace una carga simbólica muy acusada. Una obra que proporciona pocas respuestas pero plantea numerosos interrogantes sobre la condición humana.
Un espectáculo de la Compañía Delirium Teatro, fundada en 1985, que cuenta en su haber con anteriores menciones para este mismo premio y un historial cargado de premios y giras nacionales e internacionales.

Muerte accidental de un anarquista, de Dario Fo. Por Suripanta Teatro. Extremadura.

Muerte accidental de un anarquista es para muchos la mejor obra de Dario Fo. En ella nos ofrece una crítica mordaz contra las mentiras organizadas desde el poder, y como en todas sus obras, utiliza el arma más temida por las clases dirigentes: la risa. En esta farsa demoledora que discurre como una hilarante comedia negra, Fo construye a través de multitud de situaciones cómicas, una absorbente trama policíaca tan absurda como trágica.
Con esta mención, los miembros de Suripanta esperan generar interés por este espectáculo y por la Compañía entre la profesión en general y los programadores en particular, y por supuesto entre el público potencial de una empresa con 23 años de vida profesional en los que han obtenido importantes premios tanto nacionales como internacionales. Gracias al esfuerzo de un equipo de profesionales que ha trabajado para que sus montajes sigan manteniendo la calidad, el rigor y la honestidad que hasta la fecha el público y la crítica han tenido a bien aplaudir.

Museo del Tiempo, de Patxo Tellería. Por Albena Teatre y Tanttaka. Valencia.

Desde hacía algunos años, las compañías Albena Teatre y Tanttaka Teatroa, después de la importante experiencia de Artefactos, buscaban la manera de llevar a escena el juego y el reto que el artista plástico José Antonio Portillo plantea a los niños. Después de muchas vueltas, se convirtió en obra dramática de la mano de Patxo Tellería, con la colaboración del mismo Portillo. El montaje plantea un juego para que los niños reflexionen sobre el paso del tiempo. La dirección de Fernando Bernués y Laura Useleti presenta una puesta en escena llena de juegos, entre la ficción y la realidad. Una hora para mostrar este increíble archivo donde se encuentran historias y recuerdos de niños de todo el mundo. La nominación como espectáculo revelación, supone una alegría y un importante reconocimiento a este proyecto, pues de alguna manera, ya es en si un premio.
Caso de resultar finalmente ganadores, podría suponer también un importante empuje en la promoción de un espectáculo que desde sus orígenes tenía un alto riesgo en lo artístico y en lo económico, que tanto a Albena como a Tanttaka alegra haber asumido.

Hnuy Illa. De la Compañía Danza Kukai y Tanttaka Teatroa. País Vasco.

La unión entre las Compañías Danza Kukai y Tanttaka Teatroa comienza en el año 2002, y desde entonces han creado tres espectáculos en coproducción: 1937 (2002), Girando a Otehitza (2005) y Hnuy Illa (2008). Este último trabajo está inspirado en la obra poética del escritor Joseba Sarrionandia, autor referencial de la cultura vasca, que ha inspirado a la directora y guionista Mireia Gabilondo para crear una atmósfera mágica sobre el amor, el desamor, la soledad, el amor a la tierra, la poesía... a la que el coreógrafo Jon Maya ha puesto pasos de danza y el músico Iñaki Salvador ha convertido en notas músicales.

A la nominación que obtuvieron al Premio Revelación en los Max de 2003 hay que sumarle el Premio Donostia de Teatro 2003 y el Premio del Público en las Jornadas de Teatro de Azpeitia. Sus espectáculos se han representado en EEUU, Argentina, Chile, Uruguay, Venezuela, Colombia, Méjico, Reino Unido. Hnuy Illa es un espectáculo muy especial, del que el binomio Kukai - Tanttaka se sienten muy satisfechos y que está funcionando magníficamente entre el público y la crítica.

Aeroplanos, de Carlos Gorostiza. Por Lagarta Lagarta. Galicia.

Dos hombres, amigos desde la infancia, quedan viudos con una escasa diferencia de tiempo. Desde ese momento, su amistad se ve reforzada llegando a convertirse en imprescindible el uno para el otro. Pero como en todo buen matrimonio, las diferencias de opinión y las discusiones son
constantes. Las peleas, el amor, la lealtad, la generosidad, el compañerismo, las risas y las lágrimas, forman parte de una relación que consigue momentos hilarantes pero también llenos de gran ternura y emoción. Aeroplanos es una comedia de texto, de intriga, idealista, ingeniosa y de lenguaje sutil. Sabemos que reír es una defensa contra la angustia y la comedia el lugar de todos los alivios posibles. Aeroplanos es el viaje de la vida, de un instante, de un segundo. Un viaje donde el tiempo, medible por un reloj, no tiene ninguna importancia; de un viaje que tiene un minuto, nada más; pero ese minuto, dentro lo contiene todo.
Aeroplanos es una comedia de Carlos Gorostiza, considerado como el autor teatral argentino vivo más importante del último siglo.

Mundo y Final. De Ron La Lá. Madrid.

La cuenta atrás ha comenzado. Llega la destrucción del mundo en riguroso directo. Póngase cómodo, piense su última voluntad y apague el teléfono móvil para siempre.
¿Conseguirán nuestros cinco actores y músicos detener el desastre... o lo provocarán? Lo sabremos después de un cataclismo de situaciones delirantes, canciones apocalípticas y cachondeo global. Bienvenidos al último espectáculo del planeta. Ron Lalá es una compañía de teatro y humor con música en directo. Su propuesta, una combinación de música y textos originales con un lenguaje escénico propio, puesto al servicio del humor crítico y cítrico. Un trabajo de creación colectiva que da lugar al inconfundible estilo lalá.

La soldado Woyzeck, de Georg Büchner. De Teatro Margen. Asturias.

Woyzeck es un soldado que mata fuera de las trincheras, apuñala a su compañera por celos. Esta violencia que hoy llamamos de género está presente en la pieza como lo está la responsabilidad social de ese asesinato, que nace de la presión del entorno vecinal y profesional. La soldado Woyzeck es la particular visión de Margen sobre la pieza de Büchner, su modelo. Han cambiado de sexo a Woyzeck, que siendo ahora la soldado Woyzeck es aún más débil frente a sus superiores y sus propios compañeros, soldados varones. La soldado Woyzeck es el último eslabón
de la cadena, hasta que encuentra un ser más débil y marginal: María, y la hace suya. María es mujer, prostituta y madre soltera; Woyzeck apadrina al hijo de María y, poco a poco va sumiendo roles masculinos que la llevan a la violencia… y mata, por celos, como lo hacen los hombres.

No puede ser el guardar a una mujer, de Agustín Moreto. De Apata Teatro y Nacho Villar Producciones. Murcia.

Se trata de una comedia brillante, su ritmo vertiginoso y su destreza teatral la convierten en una de las mejores piezas de Moreto. Cabe resaltar la importancia de sus personajes femeninos, transgresores, llenos de fuerza y cargados de razón, que aúnan la pasión y la condición intelectual dando cuerpo y voz al ideal moretiano frente a la terquedad, el engreimiento, la necedad y el machismo. Con una versión ágil y atrevida que coquetea con el musical, un elenco de actores jóvenes pero experimentados y una talentosa y original puesta en escena que sitúa la acción en los años de la Segunda República, Apata se lanza, otra vez, por el camino del riesgo.
Ser una de las compañías nominadas para el Max revelación supone para Apata Teatro, compañía que este año celebra su décimo aniversario, un reconocimiento a su trabajo por parte de los compañeros de profesión. Con el tiempo dicen haber aprendido a no esperar nada de las nominaciones ni de los premios, es decir, que para ellos es como pedir una caña y que te den una tapa con ella.
Es en su empeño por realizar un buen trabajo donde se reconocen premiados, y si, además, reciben algún reconocimiento, pues genial, les habrán servido tapa con la cañas.

Las mujeres sabias, de Molière. Por Fuegos Fatuos. Castilla - La Mancha.

La compañía convence con esta producción teatral, una versión del clásico de Molière puesta en escena con tono de farsa que combina técnicas teatrales y cinematográficas. Es tanta la comicidad, el dominio de los recursos teatrales, el brillante lenguaje, que es imposible no arrancar la risa continuada, en tanto que el tiempo transita cautivante. Fuegos Fatuos conquista con unas sabiondas muy cinematográficas. La pericia del director, su lógica escénica, la fortuna de los arreglos musicales y del vestuario elegido, así como un elenco de actores que brilla con luz propia, convierten esta comedia de enredo en una divertida fiesta teatral cargada de ironía. Un Molière de lo más burlesco e irónico. Para la compañía, supone un orgullo poder representar a las producciones de Castilla-La Mancha en los Premios Max y es un nuevo aliciente para seguir adelante otros 25 años. Estar nominados ya es un reconocimiento a su trabajo, así que ojalá esto sea una oportunidad para que los espectáculos lleguen a más público.

Singapur. De Pau Miró. Coproducción de Teatre de Ponent y Teatre Nacional de Catalunya. Cataluña.

La muerte de una chica de unos treinta años conmociona la vida de tres personajes: el padre, la amiga y el amante. Las diferencias entre los tres, social, de procedencia geográfica y de edad, se desvanecen ante la muerte. Una extraña noche, durante la que una serie de incidentes eléctricos afectan la ciudad, y cuando las luces y los aparatos electrónicos no funcionan, los tres personajes se dan cuenta de que todos la echan de menos, y de una manera inocente, pero a la vez perversa, tratan de devolverle la vida. Singapur es un cuento positivo. Un mambo, allegro ma non troppo. Un cuento lleno de rabia y con sentido del humor para reconciliarnos con alguien que nos deja.
Esta mención al Max Revelación supone un gran reconocimiento a la labor de los artistas que inician el camino de la creación artística, como es el caso de Pau Miró en el Projecte T6 del Teatre Nacional de Catalunya.

Cuentagotas. De César Novalgos. Tres Tristes Tigres. La Rioja.

Una lágrima quiere saber qué hará de mayor, y a lomos de un viento amigo recorrerá el mundo buscando a otras gotas y sus ocupaciones, conociendo además una historia de agua en cada parada. En esta ocasión, además de la improvisación, musicalidad, agilidad en el lenguaje, humor y participación del público, Tres Tristes Tigres incorpora unos toques de magia al espectáculo.
Tras cinco años intentándolo reconocen que sólo acudir a los Max en representación de su comunidad es ya un logro, pero llegados a este punto querrían pasar de finalistas a premiados, porque aunando esfuerzos entre profesionales e instituciones puede lograrse hacer de La Rioja una parada más del espectáculo nacional e internacional. Convencer con un premio de que el arte como profesión es posible y que aporta grandes cosas a la sociedad en la que se desarrolla.

Accions-Reaccions. De Au Ments. Baleares.

Un espectáculo de Au Ments que explora un nuevo formato, a caballo entre la danza-teatro y la performance, jugando con las formas más sugerentes para cautivar al público. Los espectadores de esta experiencia se transforman en personajes, que no sólo observan, sino que intervienen y por tanto, junto a los intérpretes, crean colectivamente una nueva historia.
El cuerpo es el campo de experimentación de Accions-Reaccions, la expresión de lo físico, espiritual, psicológico y social es de donde han surgido las historias, movimientos y acciones que los intérpretes comparten con los espectadores. Actualmente Au Ments es compañía residente del Teatro de Lloseta, en Mallorca, donde continúan investigando la interrelación actor-público de este original planteamiento teatral que proponen en el espectáculo Accions-Reaccions.

Misterio del Cristo de los Gascones. De Nao d’amores. Castilla - León.

Nao d´amores, compañía de consolidada experiencia en el repertorio dramático renacentista, realiza una inmersión en el apasionante mundo del teatro primitivo, desde una visión absolutamente contemporánea. Se trata de la recreación de la ceremonia litúrgica que debía representarse en la Iglesia de San Justo, en Segovia, para la cual se construyó el Cristo de los Gascones, una de las piezas más significativas del románico castellano. A través de una dramaturgia realizada a partir de textos históricos de diversa procedencia, mediante la investigación e interpretación en directo de piezas musicales que pudieron articular una ceremonia de este tipo, desarrollan una puesta en escena que combina el trabajo actoral con el teatro de títeres, y que supone un acercamiento a los orígenes del teatro moderno. Este reconocimiento, nos comentan, les daría la posibilidad de ampliar su repercusión mediática, y por tanto, facilitaría su labor de acercar el teatro prebarroco al gran público.

El representante por Navarra al Premio Max Revelación 2009 es Luces de Bohemia, de la Fundación Municipal Teatro Gayarre y La Ortiga T.D.S.
Fotografías cedidas por las propias compañías o productoras. La fotografía de La soldado Woyzeck es de Paco Paredes, la de Aeroplanos es de Tino Viz, la de Canarias es de JVP, la de Misterio del Cristo de los Gascones es de Esther Candela.

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ENTREVISTA a: Ángela Mena Muñiz

por Aitor Menta
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Ángela Mena Muñiz

Concejala de Cultura del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife.

Aun teniendo la agenda apretada hasta decir basta, nos hizo un hueco entre acto y firma. Hubo que esperar un poquito, apenas diez minutos, pero sirvió para comprobar el hervidero que se vive a diario en el departamento que dirige. Según llega Ángela Mena a su despacho le caen encima para que firme o confirme no pudimos averiguar qué cosas. Se muestra muy hospitalaria y atenta y nos contesta de manera ágil y concisa mientras abre las persianas para que entre más luz en la mesa de reuniones que hay en la oficina. Al final nos da su correo electrónico por si tenemos que completar algo de la entrevista y nos acompaña hasta la puerta. La verdad, sólo faltó invitarnos a café y galletas.

¿Cuál ha sido la reducción presupuestaria que ha sufrido el área de Cultura del Ayuntamiento? ¿Qué valoración hace al respecto?
La reducción presupuestaria que ha sufrido el área de Cultura ha ido aumentando progresivamente. Si lo comparamos con el presupuesto de hace dos años la reducción ha sido del 50%. Entre el año 2008 y 2009 las aportaciones del Ayuntamiento al OAC, se han reducido en un 29,85%. Evidentemente no puedo valorar esta reducción como positiva, pues si bien es cierta la prioridad de hacer frente a las necesidades de otras áreas, no podemos igualar la cultura con las fiestas. Ni siquiera en tiempos de crisis debemos pensar en embrutecer a la población para que se olviden de los problemas. Atrás quedaron los tiempos en que las penurias se tapaban con los toros y el fútbol. En la actualidad debemos considerar la Cultura como un instrumento de cohesión social y valorarla como tal.

¿En qué medida va a afectar esta reducción a la programación de Danza y Teatro?
Esta reducción afectará de forma drástica a la programación de Danza y Teatro, especialmente si hablamos de traer a compañías que vienen de Península o del extranjero. En ambos casos la carestía del transporte y alojamientos son mucho más elevados que si estuviésemos en el espacio
peninsular. Aún así, tenemos que potenciar a las compañías canarias, muchas de ellas con gran calidad, que pueden suplir las representaciones foráneas sin descender el nivel cualitativo. Otros aspectos de la Cultura pueden permanecer activos siguiendo esta misma línea. Por ejemplo, los fondos del Museo Municipal de Bellas Artes pueden ofrecernos la oportunidad de dar a conocer a la población tinerfeña y visitante la riqueza de las colecciones propiedad del Ayuntamiento de Santa Cruz.

¿El Teatro Guimerá continuará programando esta temporada?
La programación para esta temporada terminará a finales del mes de marzo y habrá que suspender algunas cosas programadas, pero merece la pena poder remodelar este magnífico edificio emblema de la ciudad.

¿Piensa cerrar el Guimerá por reformas?
A partir del próximo mes de marzo el Teatro Guimerá cerrará sus puertas, debido al previsible inicio de las obras de restauración y reforma parcial de nuestro Coliseo, largo tiempo demandadas por los usuarios y para las que la Corporación Municipal ha obtenido la financiación del Gobierno del Estado. Una vez concluyan las obras y se restablezca la programación todos serán debidamente informados.

Teatro Viera y Clavijo. Otros espacios escénicos.
Las obras del Viera y Clavijo se encuentran en un estado muy avanzado y gracias al convenio entre el Gobierno y el Ayuntamiento pronto podremos disfrutar de estas magníficas instalaciones.

¿Estima que la imagen del Teatro Guimerá puede verse afectada, en alguna medida, por un cierre prolongado?
La imagen del Teatro Guimerá está plenamente consolidada. La temporada pasada ha marcado un hito en cuanto a la calidad de las representaciones que acogió y la ciudadanía supo trasladarnos su satisfacción con una asistencia extraordinaria. El hecho de arreglar los desperfectos mejorará su imagen y su reapertura supondrá un evento digno de mencionar en nuestro archipiélago.

¿Cómo va a paliar la escasez presupuestaria?
Con mucha imaginación, con creatividad y con muchísimo esfuerzo. Trabajar sin apenas presupuesto es difícil pero no imposible. Cuento con un equipo entusiasta y muy profesional que seguro sabrá sacar fuerzas de flaqueza. Afrontamos esta nueva etapa con mucha ilusión y con la premisa de crecernos ante la adversidad.

ENTREVISTA a: Gonzalo Ubani

por Aitor Menta

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Gonzalo Ubani

Director de Teatros del Cabildo.

Es tan dicharachero en una charla en la barra de un bar, con cervecita de por medio o sin ella, como conciso en una entrevista. Se pone serio, casi severo, y contesta con concisión, arrimando en lo posible el ascua a su sardina, una sardina, el Teatro Cuyás, que siente muy suya, como su casa. De hecho, se mueve por el Cuyás como quien conoce cada juntura, qué visión ofrece cada butaca o, incluso, quién se sentó en cada una de ellas la noche de la última función.

¿Qué supone para el Teatro Cuyás acoger la Gala de los Premios Max?
Los Premios Max, organizados por la SGAE y la Fundación Autor, cumplirán este año 2009 su XII edición. En estos años han conseguido un gran prestigio tanto entre la profesión de las Artes Escénicas como entre el público en general. La gala de entrega de los Premios Max se ha convertido en un acontecimiento mediático de primera magnitud. Por lo tanto, para el Cuyás es la mejor fiesta imaginable para celebrar su décimo aniversario. Supondrá que tendremos sobre nosotros un enorme foco de muchos watios durante prácticamente un mes.

¿Qué destacaría de estos 10 años?
En lo interno, quiero creer que el público de Gran Canaria considera al Cuyás como algo propio y se siente, al igual que nosotros, orgulloso de tener un teatro valorado como uno de los mejores del país. En lo artístico, la lista de compañías y artistas que nos han visitado es impresionante: Teatro de la Abadía, Teatre Lliure, Centro Dramático Nacional, Compañía Nacional de Teatro Clásico, Compañía Nacional de Danza, Paco Rabal, Nuria Espert, Amparo Rivelles, Blanca Portillo, José Mª Flotats, José Luis Gómez, José Mª Pou, Mikhail Baryshnikov, Vladimir Malakhov, Akram Khan, Sylvie Gillem, Polina Semionova, Nacho Duato, Maurice Béjart, Robert Lepage... Infinidad de compañías de teatro y danza tanto canarias como peninsulares y extranjeras, que han hecho crecer esta, parafraseando a Shakespeare, fábrica de sueños que es el Teatro Cuyás.

¿Cuántos espectáculos de los que han resultado finalistas han estado en la programación del Teatro Cuyás?
Para empezar, y creo que por primera vez, el Cuyás es sede y candidato, como coproductor del 2666, de Bolaño, con el Teatre Lliure y el Festival Grec’08, al Max al mejor espectáculo de teatro. Además optan Álex Rigola como mejor director de escena y Max Glaenzel y Estel Cristià como autores de la mejor escenografía. Eso ya nos garantiza un Maximino, que no es poco vista la competencia. Además, han pasado por el teatro De Cabeza, de Teresa Nieto, candidata a mejor coreografía, mejor espectáculo de danza y mejor intérprete, Barroco, el otro grande del año teatral, con candidaturas a mejor espectáculo, mejor actriz, Blanca Portillo, mejor actor y mejor diseño de iluminación, y La Tortuga de Darwin, con Carmen Machi. Asimismo, tenemos a dos canarios candidatos, como coautores, a la mejor coreografía, mejor intérprete femeninade danza, Vanessa Medina, y mejor intérprete masculino de danza, Jesús Caramés, sin olvidar a Delirium Teatro con Canarias, de Antonio Tabares, como posible mejor espectáculo revelación, que ya fue exhibido en la SIT. Y, para finalizar, podrían recibir premio espectáculos que están por venir tanto al Cuyás como a la Sala Insular de Teatro.

Esto dice mucho de la selección para la programación del teatro.
Sin duda son señales, aunque no las más importantes ni las únicas, de que no vamos por mal camino en la selección de espectáculos. Personalmente, echo de menos la candidatura de Pablo Ley, que fue quien, junto a Alex Rigola, firmó la adaptación de 2666. Un trabajo monumental, quizá el mejor.

El hecho de que Canarias sea anfitriona de la Gala de los Premios Max, ¿es indicativo del nivel de profesionalización de las Artes Escénicas de la región?
Como dije antes, albergar los Premios Max es una confirmación de que las Artes Escénicas en Canarias tienen un potencial tanto artístico como organizativo contrastado. No olvidemos que José Sanchis Sinisterra es candidato a mejor autor teatral en castellano por la recuperación de su obra El Cerco de Leningrado, por parte de la compañía grancanaria 2RC, dirigida por Rafael Rodríguez y maravillosamente interpretada por Blanca Rodríguez y Lili Quintana. Por cierto, otras candidaturas Max que echo en falta.

Usted dirige Teatros del Cabildo. Eso incluye al Teatro Cuyás y a la Sala Insular de Teatro. ¿Se está llevando el ritmo y el nivel de programación previsto o deseable?
Todo es susceptible de mejorar. Creo que con el Cuyás hemos hecho un trabajo de diez años de consolidación como un recinto con programación de calidad que no olvida ni los clásicos, ni la vanguardia, ni la realidad del teatro y la danza en Canarias. Es un teatro público de exhibición que tiene que servir a muchos públicos. Respecto a la Sala Insular, tiene un tamaño y un aforo que la hacen muy especial, y así es como la tratamos, programando espectáculos de pequeño formato, tanto de música como de danza, teatro, pedagógicos e infantiles, pero siempre con el mismo criterio que manejamos en el Cuyás: lo mejor de lo posible.

¿Cómo se logra mantener la cartelera de los dos espacios?
Teniendo muy claro que son complementarias y no pueden contraprogramarse.

Una coproducción del Teatro Cuyás está nominada como Mejor Espectáculo. ¿Cuántas coproducciones o producciones realiza el Cuyás y cuáles son los beneficios de esta práctica?
El Teatro Cuyás inició desde su apertura una línea de coproducciones, tanto con compañías canarias como de la península, para darse a conocer fuera y para contribuir a crear un tejido teatral más fuerte dentro. Creo que diez años después podemos concluir que, aunque queda mucho por hacer, el trabajo ha sido fructífero y satisfactorio. El 2666, de Bolaño, fue la única coproducción del año pasado. Este año 2009, dentro de la temporada 08/09, colaboramos en la producción de un espectáculo de danza: Doramas, dirigido por Gelu Barbu; de uno teatral: Hamelín, de Juan Mayorga, con la compañía La República y de uno de títeres: La abadía de la bonita panza, de Hooka Marionetas. Hemos repuesto además otra coproducción: El perro del hortelano, de 2RC Compañía de Repertorio. Naturalmente, hay más proyectos para la 09/10, pero permítame no desvelarlos todavía.

¿En qué medida afectarán los recortes presupuestarios, si los ha habido, a la programación de Teatros del Cabildo?
Los Teatros del Cab ildo programan lo que consideramos más interesante de la oferta musical, teatral y de danza en cada momento. En épocas económicas boyantes la oferta es mayor en cantidad y tamaño de los espectáculos. En la que nos toca vivir presumo que habrá menos dinero para producir y exhibir, pero esto agudizará el ingenio de todos los actores que conforman el mundo de las artes escénicas y, cómo no, de los programadores. Confío además en que el público sentirá más que nunca la necesidad de ocio activo, de evasión inteligente. Y ahí estarán el Cuyás y la SIT dispuestos a ofrecerle distracción, reflexión y belleza.

ENTREVISTA a: Félix Albo

por Antonio Conejo

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Félix Albo.

Uno de los referentes de la narración oral.

Félix Albo se fascinó contando cuentos para adultos hace ya 15 años. En compañía de Pablo Albo, y luego en solitario, ha recorrido España y Latinoamérica contando historias desde las emociones, donde el sentido del humor tiene una gran importancia. Sus cuentos hablan del disfrute de la vida, partiendo de las experiencias cotidianas. Tal vez sus años de animador sociocultural forjaron una capacidad de comunicar que lo convierte en uno de los referentes de la narración oral.

La narración oral, ¿dónde encaja dentro de las artes escénicas?
Yo creo que es un arte escénico de pequeño formato. A lo que más se aproxima es al teatro, pero al venir de disciplinas distintas, nos encontramos con gente que mezcla muy bien el canto con la palabra, o quien utiliza instrumentos, otros tienen una vestimenta especial, hay quien decora con telas, o encienden una vela, o un incienso, o que utiliza objetos sacados de una maleta, y cada objeto que saca cuenta un cuento. Mientras eso no le robe espacio a la palabra, a mí me da igual todo. No deja de ser un espectáculo. Tradicionalmente, en nuestra cultura y en la árabe, se contaban historias, pero la narración oral como espectáculo es algo nuevo, al que realmente le estamos dando forma la gente que estamos contando. A España, el movimiento de narración de cuentos como espectáculo, llega desde Latinoamérica de la mano, por ejemplo, de Garzón Céspedes, cuyos cursos y espectáculos han sido el primer contacto con la narración de muchos de los narradores de hoy.

¿Qué hueco tiene la narración oral en los circuitos de las artes escénicas?
En el circuito teatral no entra la narración, es muy raro que a nosotros nos llamen para contar en teatros. Yo creo que los programadores de teatro consideran el cuento como un arte menor, parece que se puede contar en cualquier lugar. En Latinoamérica sí que el cuento entra en los teatros, y funciona. Los programadores meten a los narradores dentro de sus programaciones. Pero aquí hay circuitos cerrados donde no. En un festival de teatro es muy raro que haya un narrador, un Cuentacuentos.

¿De dónde sacas tus historias?
Para niños tiro mucho del álbum ilustrado. Siempre los llevo cuando cuento, muchas veces llevo más libros de los que puedo contar. Me parece que en primaria es muy importante crear un vínculo entre el cuento, el público y el libro. Yo creo que una sociedad que lee es una sociedad con más opciones, no es que sea una sociedad mejor, pero tiene más opciones de serlo; así que me gusta crearles esa intriga respecto al objeto del libro. Normalmente cuando acabo de contar, vienen todos a mirar los libros que no he terminado de contar, los que he enseñado, el que acabo de terminar... y me encanta ese momento en el que invaden el espacio escénico y los hojean mientras las maestras o los padres les gritan: “¡niño ven!”. Con el adulto, no. Yo creo que estamos un poco cansados de ese tipo de campañas de “hay que leer, hay que leer”. Cuando cuento algo que no es mío menciono el autor. Pero últimamente lo que voy incorporando nuevo en el repertorio es mío. Me resulta mucho más fácil crear una historia que leer una que me guste y traducirla del lenguaje literario al lenguaje oral, me gusta más partir de un hecho cotidiano. Las historias que cuento son historias muy normales, no cuento nada extraordinario, lo que lo hace extraordinario es la forma de contarlas, la forma de mirar. Eso también me lo han enseñado los cuentos: buscar en la vida normal lo sorprendente que es por sí sola. No me gusta que el cuento sea panfletario, creo que no puedes decir “¡nucleares no!”, porque estamos cansados de ese tipo de historias, creo que los cuentos han de plantear situaciones, hechos y que el público ya decida, si quiere. Trabajar un cuento me lleva mucho tiempo, desde que lo creo en imágenes hasta que sale en palabras, es un proceso de meses. Para mí, un momento maravilloso de la que estás contando; te están mirando, pero tú eres el foco de voz, están dentro de la historia. Y lo bonito es que tú cuentas una historia, pero es como si susurraras una historia distinta a cada uno del público, porque ese público está generando el escenario, el decorado, en su mente, entonces, la casa que yo estoy contando no tiene nada que ver con la casa que cada uno de ellos está imaginando. Lo que me gusta del cuento es que le da mucho más valor a la palabra, yo creo que es un acto reivindicativo de la palabra y de la imaginación, y de la comunicación en sí.

¿Qué dificultades tiene vivir del cuento?
Convencer para que un grupo de adultos vaya a escuchar cuentos por primera vez, o que un programador de un ayuntamiento programe una sesión de cuentos cuando él nunca ha ido a escuchar una, es complicado, porque la palabra cuento se vincula siempre a la infancia. También hay mucha gente que se lanza a contar cuentos porque piensa que es muy fácil, y no tienen ética porque copian, los cuentos y la forma de contarlos, o no tienen respeto al arte escénico, ni al público. Y el público cuando va a ver cuentos por primera vez y se encuentra con un peñazo, va a
costar mucho que vuelva, porque dice: los cuentos no me gustan. También tiene muchas ventajas, entre nosotros tenemos muy buen ambiente.

Depende de dónde vayas, ¿llevas uno u otro repertorio, cambias cosas?

Los cuentos los adaptas continuamente: al público, al lugar, a algo que ocurre mientras lo cuentas... Al trabajar con una memoria visual el texto es más maleable. Si encuentras un público dispuesto a ello, puedes entretenerte en detalles, meter más ironías, irte de la historia y volver, jugar sin perderte dentro de la historia. Todo eso te permite adaptar el cuento al tipo de público que está delante. Normalmente el primer cuento lo utilizo para calibrar el tipo de público: si se ríen o no, de qué se ríen, de qué no, cómo reaccionan, si participan... Lo que nunca adapto es lo que yo quiero contar de la historia. Por ejemplo, yo tengo algunas historias en las que aparece el fenómeno de la inmigración más o menos directamente. En una sesión, mientras contaba un cuento en el que utilizo palabras como igualdad, solidaridad, oportunidad, hubo un grupo de cinco personas que se levantó y se marchó. Yo cuento ese cuento para tender el tema de la inmigración; puedo modificar la forma de contarlo, las palabras que utilizo, pero no el por qué lo cuento. En las sesiones me gusta que la gente disfrute, que se rían, y para mí disfrutar es pasar por distintas emociones, es un momento muy intenso. Si de camino a casa quieres pensar en esa historia, que haya algo sobre lo que puedas reflexionar. Y creo que es lo que le hace falta a este mundo, reflexión.

OPINIÓN: Así lo veo yo

Así lo veo yo








elena aguiar

OPINIÓN: Gianni está castigado y no puede salir a jugar

Gianni está castigado y no puede salir a jugar.

Gianni Tosso

400.000 €

Se dice pronto, pero eso son unos 67.000.000 de pesetas. Obviamente, cada uno puede gastarse su dinero en lo que le plazca y repartir su presupuesto como crea conveniente. No podemos decirle a nadie, por muy representante electo que sea, dónde debe gastarse su dinero. Por ejemplo, no podemos decirle a don Mariano Fernández Bermejo, Ministro de Justicia, que no debe gastarse mil euros en una cacería y que ese dinero debería gastarlo en merluza congelada. Faltaría más. Tampoco somos quién para decirle a doña Plácida Morales Santana, Administrativa de una empresa textil, que está mal gastarse doscientos euros en unas botas de invierno, que debería haber esperado a las rebajas y que debió utilizar ese dinero para renovar los uniformes del colegio de sus hijos. ¿Quiénes somos para ello? El presupuesto privado es precisamente eso: privado. Ya nos gustaría, a los que vivimos de la cultura, que tanto uno como otra se hubiesen gastado ese dinero en nuestro sector, pero reconocemos que pueden gastárselo donde más rabia les dé. Si fuese dinero público cambiarían las cosas, porque entonces sí que tendríamos todo el derecho del mundo a exigir. De hecho, muchísima gente relacionada profesionalmente con la cultura ha sugerido a los gestores políticos que alienten el consumo cultural. E incluso deberíamos participar de manera activa en la orientación de los presupuestos, bien sea realizando propuestas, presentando proyectos o decidiendo con nuestros votos.

La pregunta del millón, es decir, la pregunta de los 67.000.000 es ¿en qué se gastaría usted 400.000 euros?

El Presidente de la Xunta de Galicia ha contestado a esta pregunta gastándoselos, esos cuatrocientos mil y ochenta mil más, en un coche oficial. ¿Tenemos derecho a pedirle explicaciones por ello? Habría que ver. Igual no. Con la misma en Galicia no hay necesidades personales, ni educativas, ni sanitarias, ni culturales que cubrir, y así, claro, pues puede el señor este gastarse el dinero que le sobra a la Comunidad en cosas como ésta.
La Consejera de Cultura del Cabildo de Gran Canaria ha contestado gastándose esa cantidad, suponemos que nominal, pero que luego aparecerán gastos imprevistos, en la Gala de los Premios Max. ¿Tenemos derecho a pedirle que dimita hoy, que no lo deje para mañana? Pues tal vez, no. Tal vez resulte que en Gran Canaria todo va estupendamente. Con la misma ya tienen un teatro capitalino que funcione como es debido dentro de la programación de los Circuitos, tal vez resulte que el Circuito Insular de Gran Canaria ya está en marcha, y con dotación económica suficiente, que las infraestructuras están a pleno rendimiento y que las empresas que tributan en Gran Canaria están trabajando, por fin, y sin el eterno riesgo de quiebra que se ha cernido sobre ellas últimamente.
Por su parte, el Cabildo Insular de La Palma, ha contestado a la pregunta destinando 400.000 euros a la realización de acciones en favor del colectivo de personas con discapacidad, teniendo también en cuenta aquellas acciones que cubran vacíos existentes en la actual prestación de servicios sociales y aquellas actividades destinadas a colectivos que actualmente no cuenten con servicios especializados de la red insular. ¿Tenemos derecho a recriminarles por ello? Pues mira, igual sí. Con la misma el coche oficial del Presidente del Cabildo de La Palma es un buen coche que sólo cuesta tres o cuatro millones de pesetas. Que mira, vergüenza debería darle al hombre. Tienen una programación cultural altamente estable, que oye, no sé cómo se atreve a salir a la calle. Y están actualizando las infraestructuras. Lo dicho, una vergüenza para el gremio de los gestores políticos.

¿Que quiénes somos nosotros para demandar un destino u otro de los fondos públicos? ¿Que quiénes somos para poner en tela de juicio los desmanes de quienes actúan sólo de cara a la galería? ¿Votantes? ¿Empresarios? ¿Trabajadores de la cultura? ¿Personas?

Huir, huir, en la Triángulo.

En marzo, todos los viernes, sábados y domingos, la compañía Alfonso Pindado Producciones pone en la Sala Triángulo, Madrid, la obra Huir, huir, con textos, dirección y escenografía del propio Alfonso Pindado y la interpretación de Natalia Moreno, Gabriel Mendialdea, Paola Iozzi e Israel Martín.
Huir, huir, estrenada en la clausura del Festival La Alternativa, es el desencuentro en una pareja, la historia de un desamor, en la que dos personajes chocan en su forma de entender el mundo y de asumir sus vidas. Se trata de un juego de espejos entre dos parejas simétricas que se entrecruzan en el juego del amor y la huída. Los amantes se encuentran y desencuentran a modo de fragmentos de vidas pasadas, presentes y futuras. Reflexionan sobre sí mismos y sus carencias emocionales, para llegar a la comprensión del yo desde la condición humana.
La compañía se caracteriza por producir montajes de hondo calado y contenido social que responden a los criterios de contemporaneidad que atañen a los intereses del ser humano hoy en día. Sus realizaciones buscan transmitir imágenes sugestivas desde la sobriedad, acorde a las exigencias del actual teatro contemporáneo.

Extrés, en el Teatro Alameda, de Sevilla.

La compañía Extrés representa en marzo, en Sevilla, Restaurant tú Three, en el Teatro Alameda, los días 4, 5 y 6, en funciones escolares, y los días 1 y 8, para público familiar; y en el Teatro Municipal de Los Palacios y Villafranca, el 20.
Gregor Acuña y Xavier Casals, componentes de Clownic, y Oriolo Boixader, de Monti & Cía., se unen en este proyecto de teatro cómico gestual. El proceso de montaje se basa en un trabajo de equipo, en el que los tres actores son también guionistas y directores de las escenas.
Con historias que no pretenden aleccionar ni moralizar, sino alegrar y distraer, Restaurant tú Three es un espectáculo que transcurre en un restaurante, un escenario donde acude gente de todo tipo. Utilizando situaciones divertidas, basándose en personajes y acontecimientos cotidianos a través de un humor sin palabras, blanco, inofensivo y sano, y añadiendo destrezas musicales o acrobáticas, consiguen, desarrollando esas situaciones, abrir al espectador las puertas de un universo surrealista, absurdo y mágico.
La edad, el idioma y la cultura del público no suponen barreras para el entendimiento del humor practicado por Extrés. La risa, la sonrisa o la carcajada están presentes en cada instante de una representación en la que el público se ve continuamente sorprendido.

Tenemos gato, en Madrid.

Están en Madrid, en la sala Laurel de Baco, en Aranjuez, el día 2 de abril y en la Sala Tarambana, los días 18, 19, 25 y 26 del mismo mes, poniendo en escena La naranja completa, de Luis Felipe Blasco.

Los protagonistas de esta historia, él y ella, a pesar de haber llegado a una edad en la que la búsqueda de la media naranja parece una cuestión de fuerza mayor, tratan de convencerse de que en verdad son unas auténticas naranjas completas que no necesitan de nadie para sentirse realizados. Tenemos gato se propone autoabastecerse, montando las obras del dramaturgo titular, Luis Felipe Blasco, bajo la dirección de Juan Alberto Salvatierra y con las interpretaciones de Cristina Rojas y Homero Rodríguez. La compañía apuesta por el teatro de humor, amor y compromiso, y afronta la tarea de subirse a cualquier escenario. Dicen que no hay ninguno, por pequeño que sea, en el que no puedan colocar su ilusión y cuatro cacharros.

Nut Teatro, en el Ensalle.

Los días 20, 21 y 22 de marzo, Nut Teatro representa 4.48 Psicose en el Teatro Ensalle, de Vigo.
4.48 Psicose hace referencia a la hora de mayor lucidez de las personas que son sometidas a tratamiento psiquiátrico, es la hora en la que la confusión provocada por la medicación se desvanece. También la hora en la que más personas se suicidan. La propia Kane se suicidó poco después de escribir este desgarrador poema escénico.
La propuesta escénica de Nut Teatro está basada en el trabajo actoral y en la ausencia de elementos escénicos externos, con la intención de mantener la esencia propia del texto, sin ornamentos ni añadidos. Un espacio limpio, dos butacas negras en un suelo blanco en el que no hay cambios de luz, en el que no hay música, en el que no hay sonido, sólo la conversación entre la paciente y su psiquiatra.
Nut Teatro es una compañía teatral gallega fundada en mayo de 2006. Su equipo multidisciplinar está compuesto por profesionales con formación específica para la creación, producción y distribución de espectáculos teatrales. Desde la dirección de Ensalle comentan que la sala apuesta por propuestas contemporáneas, tanto en los trabajos de creación colectiva como en la puesta en escena de textos nacionales e internacionales.

Las tres hermanas, de Teatro Círculo.

La compañía Teatro Círculo representa hasta el 15 de marzo en el Teatro Lagrada, de Madrid, de viernes a domingo a las 20.00, Las tres hermanas, de Antón Chéjov, dirigida y adaptada por Pablo Corral Gómez. Esta versión se articula en relación a la ausencia en el título de la obra de uno de los personajes de la familia protagonista: Andrei, el único varón de los cuatro hermanos. La compañía sitúa la acción central en el matrimonio de Andrei con Natasha y la influencia que ejerce ésta sobre su marido y sus tres hermanas. Andrei es tratado como representante de todos los que a lo largo de la obra son nombrados pero están ausentes en la escena. La forma y la naturaleza de los objetos que usan los hermanos, el tratamiento del contacto entre los cuerpos de los que vienen de fuera, el maquillaje, el espacio escénico, la iluminación e, incluso, la colocación del actor en espera, están marcando la línea dramatúrgica central que se podría definir como la ausencia causa de la acción.
La compañía tiene un espacio propio donde presentan proyectos que por su estética, lenguaje, autor o criterios temporales de ensayo y representación, no se someten a la exigencia de los teatros ya establecidos. Este espacio, el Teatro Círculo, está desde 1999 integrado en la FETI (Federación de Espacios Teatrales Independientes), organismo galardonado en 2002 con el premio especial de los MAX.

The Player, de Pedro Guirao, en el Párraga.

Entre el 9 y el 11 de abril del año en curso, Pedro Guirao llevará a la escena del Espacio 3 del Centro Párraga, en Murcia, el montaje titulado The Player. Pedro Guirao es uno de los diez artistas becados por el Centro Párraga con una de las becas de Investigación Artística que este Espacio de Investigación y Desarrollo para las Artes Escénicas concede dentro de los apartados de Artes Escénicas, Arte y Acción, que es el caso de Guirao, y Documental.
The Player es un proyecto de investigación en torno a la interactividad de la obra artística, tanto en su proceso creativo, el artista como actor/performer, como en sus posibles formatos expositivos, el espectador se convierte en jugador y la obra en videojuego. En un acto, abierto al público en general, el propio artista expondrá los resultados, pruebas, errores y conclusiones que ha obtenido tras dos meses de trabajo.
Según Guirao, no se trata de un taller exactamente, sino más bien de una charla con demostración en la que relataré de una manera práctica las distintas peripecias de un proceso de
investigación que aún sigue su curso.

TEATROFIA, en el Teatro del Círculo de Amistad los días 2, 3 y 4 de abril.

La compañía TEATROFIA presenta en el Teatro del Círculo de Amistad XII de Enero, de Santa Cruz de Tenerife, su más reciente espectáculo, Echando raíces, los días 2, 3 y 4 de abril, celebrando sus 11,6 años dedicados al espectáculo de humor sin palabras.
Tras su periplo internacional, que ha recorrido lugares como Italia, República Checa, China, Japón, Corea del Sur, Filipinas, Uruguay y diversos puntos de la geografía española, TEATROFIA recala en Tenerife con este espectáculo de humor sin palabras lleno de plantas y raíces.
Echando raíces, estrenada en Roma el 27 de diciembre de 2007, muestra, en el estilo de la compañía, a tres individuos que se van de acampada a pasar una noche en el monte, en lo alto de
una loma, a donde llegan escalando. Una vez asentados en el lugar y organizado todo como si fuera su propia parcelita privada, asistimos, en una sola noche, a la deforestación y la aniquilación
sistemática de todo lo que no forma parte de esa parcelita, de ese entorno inmediato que momentáneamente han convertido en su hogar. Las obras de TEATROFIA suelen contener algún tipo de mensaje que transcurre como telón de fondo, como subtexto o metatexto, como una llamada de atención o simplemente como una opinión sobre determinado tema en particular, pero, ante todo, son una buena sucesión de gags y de situaciones cómicas que buscan, primero que nada, el entretenimiento y la diversión. Una diversión garantizada en la hora y cuarto de acampada hecha a la vista del público.

TEATROFIA es una formación teatral que trabaja un estilo propio y definido de teatro de humor gestual, combinando elementos de clown, principalmente, con otros de mimo, cabaret y otros géneros, realizando con ellos desde el año 2003 diferentes giras a nivel nacional e internacional.

Antonia San Juan, en el Tearo Leal.

El 19 de marzo, a las 21.00, formando parte de la programación de mujeres artistas que el Teatro Leal de La Laguna, en Tenerife, ha proyectado en este mes en el que se celebra el día internacional de la mujer, Antonia San Juan representará Las que faltaban, con textos de Terenci Moix, Quim Monzó, Rafael Mendizábal, Enrique Gallego, Félix Sabroso, Luis Miguel Seguí y la propia Antonia San Juan, a cuyo cargo corre también la dirección de la obra.
Las que faltaban es un sinfín de personajes femeninos, cada uno con su bagaje de vida y su saber. Siendo fiel al teatro de humor y al social, esta obra va más allá de la crítica. Incide en la influencia mediática en el individuo y en cómo la televisión se ha convertido en el cronista de nuestro tiempo. También se tratan temas como la familia o lo políticamente correcto. La obra transmite el mensaje de que no todo es lo que parece o nos hacen creer que parece, que existe otro punto de vista que merece ser motivo de reflexión.
Con Las que faltaban, Antonia San Juan triunfó en el Festival Internacional de Caracas, así como en su extensa gira nacional, y ha obtenido diversos premios, como el Premio Telón Chivas 2006 a la mejor actriz de teatro y el Premio Punto Radio al mejor montaje teatral. La crítica se rinde ante una actriz irrepetible que interpreta magistralmente a una docena de personajes escritos por diferentes autores.
A Antonia San Juan, tras comenzar en café-teatros con monólogos, le llegó el salto a la fama con la película Todo sobre mi madre, de Pedro Almodóvar, en 1999, a la que siguieron, en 2002, otras dos películas importantes en su carrera, Piedras y Octavia. A partir de ahí, Antonia San Juan no sólo interpreta y escribe, sino que produce y dirige teatro y varios cortometrajes. Con esta obra, Las que faltaban, la actriz avanza otro paso en su carrera profesional.

La Utopía de Leo Bassi, en el TNT de Sevilla.

Los días 27, 28 y 29 de marzo, a las 21.00, en el Centro Internacional de Investigación Teatral – TNT, de Sevilla, Leo Bassi estrena, en Andalucía, su reciente obra, Utopía. Leo Bassi, reconocido mundialmente por sus extravagantes actuaciones teatrales y sus innumerables acciones provocadoras, es descendiente de un antiguo linaje de comediantes excéntricos y de payasos circenses venidos de Italia, Francia, Inglaterra, Austria y Polonia.
Amado u odiado por el bufón que es, Leo Bassi nunca ha buscado el consenso como artista o como hombre. Su arte, libre de convenciones, ofrece al público una experiencia apasionante, sensacional y estremecedora, donde la provocación es un lenguaje para comunicar su visión crítica de la sociedad. Utopía es, definida por el propio Bassi, una apología sin complejos de los verdaderos valores progresistas. El argumento que la obra propone es la falta de pasión de todos los partidos de la Izquierda institucionalizada, no sólo en España sino en toda Europa. Un mundo burocratizado, aburrido y que no inspira nada a las nuevas generaciones, creando una juventud huérfana de esperanza política, sin rumbo y sin proyecto. Lo que quiere Leo Bassi con Utopía es romper el condicionamiento mental que nos hace renunciar a nuestros sueños e indicar un camino para volver a creer en nuestra capacidad de cambiar las cosas. Hay propuestas concretas para un mundo mejor y hay ideas provocadoras. El payaso cara blanca, con su sabiduría antigua, su intemporalidad y su magia, es el encargado de abrir la puerta de la utopía. Un ser que posee una gran autoridad natural pero que rechaza el poder y las riquezas porque es un revolucionario genuino, y pide la Luna.

María Pagés, bailaora de brazos infinitos.

Durante los próximos meses la compañía recorrerá varias ciudades con dos programas diferentes. Autorretrato estará en Jerez el 3 de marzo y en Madrid del 19 de marzo al 12 de abril, mientras que con Sevilla actuará en Bilbao el 6 y 7 de abril y en Las Palmas de Gran Canaria del 17 al 19 de abril.
Sentí la necesidad de aprender a conocerme, más aún en este momento de mi vida, de pararme y de acercarme más al espejo para ver con claridad, observarme y analizarme detenidamente y todo ello traducirlo en un movimiento, en una atmósfera, en una situación escénica. En realidad estaba intentando seguir el proceso que siguen los pintores cuando dibujan o pintan su autorretrato, dice la artista sobre su obra. La Pagés comienza su carrera profesional con la compañía de Antonio Gades, interviniendo en Carmen y en Bodas de Sangre. Ahora, en la cumbre de su madurez artística, esta bailaora y coreógrafa sevillana se encuentra en su mejor momento creativo. Es reconocida internacionalmente por su personal concepto estético del Arte Flamenco, actuando en los teatros más importantes del mundo, entre otros el Radio City Music Hall, de Nueva York, Auditorium de Chicago, Pantages Theatre, de Los Ángeles, Wang Center, de Boston, Hummingbird Theatre, de Toronto, Entertainment Center, de Sydney, The Point, de Dublín y Labatt’s Apolo en Londres. Su último proyecto viene de la mano de Mikhail Baryshnikov que invita a María a bailar en el BAC, el Baryshnikov Arts Center, de Nueva York. Dicho proyecto se completa con un trabajo de creación de la coreógrafa en residencia en el BAC.

Nederlands Dans Theater, in Spanje.

La prestigiosa formación holandesa visita Spanje con 4 funciones en el Liceo de Barcelona. En las citas, que serán los próximos días 19, 20, 21 y 22 de marzo, se bailará un programa compuesto por una obra de Jirí Kylián y otra de Paul Lightfoot y Sol León .
Nuevo es que Paul Lightfoot y Sol León hagan una pieza tan larga, 45 minutos, aunque lo menos nuevo es el resultado: preciso y bien equilibrado. Silent Screen se arma sobre la austera y sin embargo emocional música de Philip Glass. A pesar de su dificultad técnica, el ballet se refiere a grandes temas de la vida y tiene un profundo trasfondo emocional, dice la coreógrafa cordobesa. Tar and Feathers (alquitrán y plumas) es la segunda pieza de la noche, obra del que fuera impulsor de la compañía y hoy es asesor artístico y coreógrafo residente del Nederlands Dans Theater, Jirí Kylián. Cuando hace cinco años Kylián pasó la antorcha de director artístico a Anders Hellström, no estaba en absoluto dispuesto a reducir su actividad en el NDT, hecho evidente por la sucesión de nuevas obras que ha creado para la compañía desde entonces. Es impresionante cómo todos los ballets siguen demostrando que Kylián es capaz de reinventarse a sí mismo, de tomar nuevas direcciones y de seguir transmitiendo inspiración a sus bailarines. Ya que no hay que olvidar que fue su visionaria dirección de los últimos veinte años la que ha propiciado una progresión continua de la compañía, hasta el punto de convertirla en una de las mejores a nivel mundial.
El Nederlands Dans Theater se creó en 1959, dedicándose a la exploración de nuevas formas de la danza, utilizando nuevas técnicas y abriéndose a nuevas ideas, y comparte territorio con el Het Nationale Ballet. Lo que son las cosas, en nuestro país peleándonos por una compañía y allí tienen dos…. Viva Spanje!!

Cartografías de la Danza, v 6.0

El ciclo cumple su sexto aniversario insistiendo en el objetivo de apoyar a las compañías, bailarines y coreógrafos emergentes en esta disciplina. En la edición 2009 estarán representados
diversos estilos, que ofrecerán un panorama de la escena coreográfica actual: ballet clásico, neoclásico, escuela bolera, flamenco, danza contemporánea, hip hop… Formaciones como la Compañía de Antonio Najarro y la Nova Galega de Danza confirmarán sobre el escenario que la fusión de la danza contemporánea con otras disciplinas como el jazz o con las propias raíces de la tierra que los vio nacer tiene un presente y un futuro prometedor en el panorama dancístico. Como futuro tienen las jóvenes promesas que integran el cuerpo de baile del Real Conservatorio Profesional de Danza, que cultivan cualquier estilo con espectacular maestría. No hay que olvidar que, por segundo año consecutivo, el espacio La Cafetería integra su programación en este ciclo, en esta ocasión con los espectáculos Tres son multitud, de Chevi Muraday, Little Street Pieces, de Dani Pannullo (en la foto) y El mundo por la ventana, de Bailarinas por los tejados. El cierre de
esta edición contará con una formación de lujo, el Ballet Nacional de España, dirigido por José Antonio Ruiz.
Artibús fue creada en 1995 por su actual director, José Manuel Garrido Guzmán. Desde sus orígenes, ha coordinado y organizado relevantes eventos artísticos, así como la realización de sus propias producciones teatrales y de danza. Desde Artibús entienden que la gestión de las políticas culturales resulta indispensable para el desarrollo de cualquier tipo de proyecto en este ámbito, mediante estrategias y herramientas dirigidas a cada realidad territorial y vinculadas a sus agentes sociales, coordinando los recursos técnicos y humanos eficaces para lograr los mejores resultados. Lo cierto es que Artibús, y el Teatro de Madrid, siempre han sido un apoyo y un refugio en la tormenta que supone ser bailarín en España.

Dani Pannullo Dancetheatre Co., difusión de nuevas formas.

La formación madrileña estará en Las Palmas, los días 3, 4 y 5 de abril, con Desordances_3, para luego visitar Getafe el día 18 de abril con Little Street Pieces.
La compañía, que surgió en 1999, se cimenta en la necesidad de trasladar a la escena todo el universo estético y vital de su director, introduciendo por vez primera en España un concepto de espectáculo hasta entonces desconocido. Dani Pannullo Dancetheatre Co. se fue nutriendo desde el principio de bailarines provenientes de las más variadas disciplinas: breakdance, danza contemporánea, butoh japonés, gimnasia rítmica y performance. Asimismo, la selección musical abarca un amplio espectro que va desde jazz, hip-hop, música abstracta, electroacústica y músicas populares.
Nacido en la Patagonia argentina, Dani Pannullo, que prefiere verse más como director o maestro de escena que como coreógrafo, ha desarrollado la mayor parte de su carrera en Madrid. Inspirado, a veces, por la vida urbana y los sentimientos contradictorios que experimenta el individuo en las ciudades. Ha sido el primer artista que ha unido discursos estéticos tan dispares, en apariencia, como la danza butoh o el breakdance de las calles, por lo cual Pannullo insiste en hablarnos de difusión más que de fusión de éstas, todas ellas, nuevas formas de bailar en el siglo XXI.

Ballet Nacional de España, vuelta a las raíces.

El 5 de marzo sube a escena el espectáculo celebración BNE. La cita es en el Teatro de Madrid con Escuela Bolera, con el que la compañía ofrece una retrospectiva de sus mejores piezas de Escuela Bolera. El público puede disfrutar, además, del estreno absoluto de Córdoba, con coreografía de José Antonio. Poco después, el 27, 28 y 29 de marzo, visitan el Sadler´s Wells Theatre londinense con Sevilla- Madrid-Sevilla.
A lo largo de sus más de treinta años de historia, la compañía ha evolucionado en concordancia con los tiempos y ha sabido preservar el interés por todos los estilos del baile español, interpretando coreografías de Escuela Bolera, flamenco y danza española estilizada, entre otros. Se han interpretado en los teatros más prestigiosos del mundo obras emblemáticas como Medea, de José Granero, Danza y Tronío (en la foto), de Mariemma, Ritmos, de Alberto Lorca, Fandango de Soler, de José Antonio, El Concierto de Aranjuez, de Pilar López o Bodas de Sangre y Fuenteovejuna, de Antonio Gades. El BNE ha obtenido el reconocimiento internacional de crítica y público con la concesión de diversos premios, destacando entre otros el Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo Extranjero (1988) en el Metropolitan de Nueva York; Premio de la Crítica Japonesa (1991) y el Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo (1994) en el Teatro Bellas Artes de México.

eMUSEOnARTE, de Steps, en Corralejo.

Steps Cía. de Danza está en el Auditorio de Corralejo, Fuerteventura, el 7 de marzo con eMUSEOnARTE, una fusión de museo, emoción y arte. Es un espectáculo vivo, apasionante y divertido, que busca sin grandes pretensiones pero de una manera veraz y cronológica, acercar la danza al espectador, y mostrando algunos de los diferentes estilos de la danza, hace un recorrido por su historia, desde nuestros ancestros hasta la actualidad. Sus peculiares personajes nos muestran la danza es sus distintas modalidades. Afro, danzas antiguas, ballet, charleston, musicales, latino, hip-hop, se representan en un solo espectáculo para que el espectador pueda apreciar la danza en muchas de sus dimensiones.
Cuadros y motivos de Museo, son los referentes usados por los ocho bailarines para llevar a escena las coreografías de la obra. El espectáculo se arropa con una escenografía sencilla y una iluminación que resalta la puesta en escena, consiguiendo llenar el espacio de luz, color y ritmo.
Steps, compañía dirigida por Elizabeth Díaz, comienzó su andadura en 1992 realizando diferentes espectáculos de carácter amateur. Es en mayo de 2001 cuando se constituye profesionalmente y comienza el trabajo de producción de su ópera prima, Simetrías rotas estrenado en julio de 2002.

Ciclo7 Danza, estreno en marzo.

Ciclo7 Danza estrena el 21 de marzo en el Auditorio Capitol de Tacoronte. El espectáculo está configurado en dos partes, ambas surgidas de la exploración de aspectos relacionados con las mujeres y sus vínculos: Ecos, inspirado en la espiritualidad de las conexiones entre las mujeres de la misma sangre, que se conserva a través de las generaciones, interpreta la llamada al despertar de las almas de las mujeres que nos precedieron; y Agua y Sal, que también fusiona la danza, la música y la interpretación, y su coreografía se inspira en la transmisión de conocimientos entre generaciones.
Ciclo7 Danza surgió a través de la fusión de la danza contemporánea con la sicología y la intervención social. Y en su trabajo la danza y la interpretación teatral van de la mano. La música ha sido minuciosamente seleccionada para transmitir las emociones y sensaciones relatadas, selección de varios autores o interpretada en directo por los propios ejecutantes, puesto que la interpretación, tanto escénica como musical, es compartida por las intérpretes, quienes intercambian sus roles constantemente a lo largo de la obra, así que unas tocan y las otras bailan, unas bailan y las otras tocan, todas bailan o tocan, siempre acompañadas de todas las mujeres que viven en el corazón de cada mujer, danzando al son de la música siempre viva.

Houston Ballet, en el Festival de Danza de Oviedo.

El 30 de abril es la fecha elegida por la formación estadounidense para subirse al escenario del Teatro Campoamor en la capital asturiana, completando así una gira por varias ciudades del norte de la Península Ibérica. Fue en 1969 cuando la compañía pasa a ser profesional tras varios años de lucha, teniendo como directora a Nina Popova, una ex bailarina del Ballet Russe de Monte Carlo y del American Ballet Theatre. Tras 40 años de trayectoria, la formación es ahora la cuarta más grande de América y una compañía de ballet de fama internacional. Además posee una academia, que suministra más del cuarenta por ciento de los bailarines de la compañía. La compañía está compuesta por cincuenta y cuatro bailarines, muchos de ellos, ganadores de medallas de oro y plata en las principales competiciones internacionales de ballet.
En julio de 2003, el aclamado coreógrafo australiano Stanton Welch asumió la dirección artística del Ballet de Houston. Welch, que ha creado muchos de los ballets de las principales compañías del mundo, ha coreografiado trece obras especialmente para el Houston Ballet.

Como uno de los más reconocidos coreógrafos de su generación Welch también ha creado obras para compañías internacionales tan prestigiosas como el Ballet de Houston, San Francisco Ballet, American Ballet Theatre, el Ballet de Australia, Birmingham Royal Ballet y el Ballet Real de Dinamarca.

Gira de Erre que erre.

Durante los meses de febrero, marzo y abril de 2009, la compañía de danza Erre que erre, junto al grupo musical Balago, giran por varios lugares de España con el montaje escénico No pesa el corazón de los veloces, pieza de danza y concierto en directo. Ya han visitado Granada, Córdoba y Murcia y las próximas actuaciones tendrán lugar en el Teatre El Patronat de La Garriga, en Barcelona, el día 14 de marzo, en el Teatro Jofre de Ferrol, en A Coruña, el 29 del mismo mes y en la Sala B del Teatro Central, de Sevilla, los días 24 y 25 de abril. Este montaje se estrenó el día 19 de junio de 2008 en el Teatre Nacional de Catalunya, en Barcelona, y tuvo diez réplicas en la capital catalana y una gira por Argentina, Uruguay y Chile durante el mes de octubre de 2008.
No pesa el corazón de los veloces, coproducido por Erre que erre Danza, Teatre Nacional de Catalunya, Región de Murcia y Norfolk and Norwich Festival (UK), es un montaje escénico de danza contemporánea, música electrónica y vídeoproyección. Un auténtico mapa de pulsiones emocionales. Un caleidoscopio de estados afectivos envueltos por unos sonidos muy sugerentes que propician unas atmósferas sinuosas y expectantes.
Erre que erre desarrolla su trabajo a partir de la creación y experimentación de nuevas formas y concepciones de la danza y el movimiento. Este colectivo, que obtuvo el premio MAX al mejor espectáculo de danza en 2008 por Escupir en el tiempo, cuenta en cada proyecto con la colaboración de artistas de diferentes disciplinas que aportan otras visiones y conceptos. En esta ocasión es el grupo musical Balago el que participa en la creación e interpretación en directo de este montaje. Los coreógrafos e intérpretes de la pieza son Mario G. Sáez, Mariángeles G. Angulo, Ricardo Salas y Teresa Navarrete, la dirección dramatúrgica es de Antonio Calvo y las videoproyecciones son dirigidas por Guillem Morales.

Gira de Trovamundos en Cuba.

Los trovadores Mario Ojeda y Juan Trova tienen confirmada su gira a La Habana, Cuba, entre los días 1 y 8 de marzo. Acompañados por Elizaberta López y José Luis Pareja, el cincuenta por ciento del cuarteto Trovamundos ofrecerá varios conciertos en La casa de las Américas, el Centro Pablo y en el Instituto Superior de Música de La Habana, junto al trovador cubano Vicente Feliú. En palabras de Juan Trova, cantar en La Casa de las Américas, viene a ser como cerrar un círculo, por cuanto ahí fue donde se gestó el movimiento cultural de la Nueva Trova cubana, y yo me formé como cantautor escuchándolos.
José Luis Pareja ya estuvo en La Habana en el año 2002 grabando un disco, aún inédito, producido por Silvio Rodríguez. Para Mario Ojeda, cantar en Cuba viene a ser una especie de reconfirmación, de que con garra, corazón y pases cortos, como decimos en el fútbol, las cosas tarde o temprano empiezan a salir.
A su regreso, Ojeda y Trova volverán a su actual gira española con los Trovamundos, que quizás los lleve a Argentina en junio próximo, puesto que han sido invitados a participar del Tercer Encuentro Internacional de Cantautores Homenaje al Che Guevara, que se realiza en Rosario, además de agregar algunos conciertos en Tucumán y Buenos Aires.

The Mistake y Brutalizzed Kids, en Centroeuropa.

The Mistake, uno de los máximos exponentes del sonido post-hardcore en las Islas Canarias, está los días 11 y 13 de marzo en las salas Lido, de Berlín y en la Sugar Factory, de Amsterdam, respectivamente. En las mismas fechas y sobre el mismo escenario estarán los Brutalizzed Kids. Otra buena oportunidad de difrutar del directo de The Mistake es la que nos ofrece su paso por la Sala Inca, de La Laguna, en Tenerife, presentando temas de su Anticongelante, su primer larga duración para BCore, en el que podemos descubrir una variedad de recursos, incluso de estilos que, bajo un patrón común, convierten a The Mistake en un grupo de una modernidad encomiable.

Encontraremos mil referentes que no tendríamos porque relacionar entre sí a no ser que entendiéramos que están unidos por un manto de veteranía, de falta de prejuicios y de inquietud musical fuera de cualquier complejo. Probablemente esta amalgama de géneros, mezclados con coherencia y ejecutados impecablemente, sea propia de un grupo con la carrera de más de diez años de The Mistake, que tras dos excelentes discos como Opium (2002) y Polaroids (2005), les han llevado a plantearse éste, el tercero, como un segundo punto de partida de su carrera.

La gira de Luz Verde los lleva de vuelta a casa.

Luz Verde, grupo venezolano afincado en Barcelona, continúa su gira de conciertos estos meses. El 1 de marzo participan en el Maratón de Barcelona, en plena calle, y continúan en la Sala Cool de Tarragona el 13 y en la Roxy el 28. Luego, Luz Verde, presentando su Manual de Buenas Costumbres, iniciará la parte de la gira que les lleva de vuelta a casa, Venezuela, donde tienen previstos un total de siete conciertos entre Caracas y Valencia.

Desde que se unieron en 1995, los integrantes de la banda no se han separado ni por el paso del tiempo, ni por el viaje transatlántico que les llevó a Barcelona, donde grabaron este su último disco. Las ganancias de su segunda producción, Rocanrol (2004), les permitió instalarse en la ciudad condal para explorar otros espacios musicales, tras considerar que el momento cultural que se vivía por ese entonces en su país era dubitativo, difícil y oscuro.